Breve Saludo de Cumpleaños para el Señor Eddie Vedder: Navidad Jammer

Navidad Jammer. Sí, así es, hoy justo un día antes de la víspera del Nacimiento del Primer Hippie de la Historia, el mundo jam también celebra su propia y particular Navidad. Un 23 de diciembre nace este hombre, este señor, que para muchos está cerca a ser una divinidad (cosa que a él no le agrada). Un día como hoy, pero de 1964 nació este hombre sencillo, de infancia difícil pero de madurez pletórica. Un hombre que tiene millones de seguidores, y no porque sea bien parecido, o porque cante bonito, o porque sea un "rock star", sino porque dentro del mundo de la música es la persona con más humanidad que existe, es el artista más cercano a sus militantes (creo que ese término es el más apropiado ya que somos más que simples fans). Lo sentimos como propio, como nuestro, porque en realidad es uno de nosotros, es un amigo que expresa con su arte lo que nosotros queremos decir muchas veces. Gracias Eddie Vedder por la música, la poesía, la filosofía, la alegría, incluso el dolor, por acompañarnos en nuestras soledades o hacer mucho más felices nuestros momentos de alegría. Gracias por tu arte, que no es igual al de nadie, gracias por expresar lo que muchas veces sentimos. Gracias por hacerme ver que aún se puede continuar. Gracias por ser la voz de la mejor banda de este planeta. FELIZ CUMPLEAÑOS EDDIE VEDDER. Te quiero.

Enrique Bunbury, Licenciado Cantinas, 2011: El bar está abierto

Escuchar el último trabajo del ex-líder de los Héroes del Silencio, Enrique Bunbury, es una verdadera delicia. El año cierra, musicalmente hablando, con una obra de alto calibre. Y qué mejor se trata de un disco en nuestro idioma. EB es un español amante de nuestro continente y nuestra cultura, tradiciones, costumbres y enigmas. Y también es amante de disfrutar de una que otra noche bohemia cada vez que pisa estas tierras. Por ende ha podido visitar las diversas cantinas y bares que abundan y que son como un segundo hogar para Enrique, sea del país que sean. Es esos lugares donde EB pudo no sólo beber de su néctar preferido, sino también escuchar a lo largo de todos estos años las más variadas canciones que seguro fueron la banda sonora de muchas de sus tertulias, canciones que componen de una u otra manera la tradición popular latinoamericana.

El gran intérprete español nos ofrece un recorrido por sus temas favoritos provenientes de esta parte del mundo, en algunos casos respetando la esencia de la canción, en otros, reinventándolos sin destruir al original.

El inicio del trabajo El Mar, El Cielo y Tú, original de Agustín Lara, es un preámbulo instrumental que nos introduce en la atmósfera melancólica que caracteriza el disco. Se nos abre la puerta de la cantina.
Le sigue Llévame (de Louie Ortega) con un guitarreo eléctrico que contagia y en donde EB se presenta con toda la energía y contundencia habitual.
Mi Sueño Prohibido, hermoso bolero original de José Tejedor y que EB llena de ritmo relatando la historia del recuerdo de un amor pasado, imposible e irrecuperable.
Llegamos así el primer momento realmente sublime del disco, Pa' Llegar a Tu Lado, donde EB respeta el alma de la versión original de la lamentablemente desaparecida Lhasa de Sela. Un canción tenue, un suspiro en donde Bunbury nos acompaña, casi adormece dulcemente, relatando una letra que es más que nada un agradecimiento.
En Chacarera de un Triste (original de Los hermanos Simón), el sabor tropical lleva esta versión a otro nivel, con cadencia no exagerada. Instrumentalmente muy bien elaborada. Aquí el protagonismo se lo llevan los músicos de renombre (Los Santos Inocentes) que acompañan a Enrique.
El Perú a través de un clásico vals también tiene un espacio en esta producción, Ódiame (de Barreto y Otero López). Dolor puro, desamor, interpretado magistralmente tanto por la voz de Enrique como por el acompañamiento de los Santos Inocentes. Otro momento altísimo del álbum.
La versión de Vida (de Casas Padilla) es por demás deliciosa, a ritmo de bolero, con la sobriedad de EB como eje de track, una interpretación sencilla, esa simplicidad que paradójicamente es complicada de obtener por muchos.
El Mulato (Licenciado) muestra el momento más denso del disco, este cover del tema original de Ricardo Ray y Bobby Cruz, roza el blues y poco a poco va creciendo y se transforma en un himno casi tropical.
A ritmo de cumbia EB realiza el cover de El Solitario (Diario de un Borracho) de Alfredo Gutierrez, con un bajo que marca el desarrollo del tema y con un Bunbury que encaja de manera impecable en un track de letra sufrida. Simplemente extraordinaria.
Con Animas Que No Amanezca EB saca a relucir ese mariachi-texano que tanto le agrada y que no podía ser ajeno de esta placa. Un track festivo que no desentona con el resto del álbum.
La melancolía en su máxima expresión llega con Que Me Lleve La Tristeza (original de Marcial Alejandro), una canción casi suicida, tópico que EB domina a la perfección. Brillante versión que sintetiza el espíritu del disco.
Una clásica salsa transformada en algo muy distinto es lo que encontramos con el cover de El Día de Mi Suerte (de Willie Colón y Hector Lavoe), otros de los mejores momentos del álbum y que demuestra la capacidad de Bunbury para reinventar, transformar la música sin faltarle el respeto a la versión original.
El tango también es un de los géneros que mas ama EB y es así que nos ofrece una impecable versión de Cosas Olvidadas de Rodio y Contursi. Letra desgarradora, recuerdos de amores pasados que se cantan con el alma y corazón. Un tango con algunas pizcas de bolero. Una delicia.
El ánimo se levanta al menos un poco con el cover de La Tumba Será El Final, donde la nostalgia no desaparece pero se disimula mejor. Un poquito de esperanza con su cuota de dolor.
El Cielo Está Dentro De Mí es el capítulo final de todas estas historias, estos versos de Atahualpa Yupanqui en la voz de Enrique acuchillan, atormentan y matan. El cierre digno, con una armónica que acompaña dolorosamente a Bunbury a relatar la historia.

Enrique Bunbury es un especialista en remecer las fibras más íntimas del ser humano, sabe como estremecer el corazón, esta vez no lo hizo con algo de su propia autoría pero sí con historias que lo marcaron, que escuchó, y por qué no decir, que lo influenciaron en su carrera solista. Ahora bien no se puede negar el valioso apoyo de Los Santos Inocentes, su banda, compuesta por el acordeón del Flaco Jiménez, la harmónica de Charlie Musslewhite, y las guitarras de Dave Hidalgo (Los Lobos) y Eliades Ochoa de Buenavista Social Club, sin ellos esta obra no tendría el nivel que ostenta.
Una obra maestra, nostálgica, dolorosa, no recomendable para corazones rotos, o quizás sí, ya que Bunbury, como siempre, logra que el oyente no se sienta solo en su desventura, que sepa que hay muchos, demasiados, como él, y que la vida sigue, como sigue la magistral carrera de esta artista español que nuevamente demuestra que tiene licencia para matar, nos ha abierto la puerta de su cantina, y aquel bar estará abierto siempre para nosotros. Porque al final tan solos no estamos.


Llévame



Pa' Llegar a tu Lado



Ódiame



El Solitario (Diario de un Borracho)



Cosas Olvidadas

Pearl Jam en Lima: La crónica que siempre soñé escribir

Cómo hace el ser humano para describir la realización del sueño más anhelado en la vida, cómo se hace para poder terminar de procesar todo lo vivido en la noche que más esperé en casi 20 años.

Hoy me siento como en una nube, en el firmamento, donde el dolor físico, desgaste, ansiedad y locura acumulada de los días previos a la gran cita quedan en un segundo plano.
Todo esto fue un proceso, que he tenido la oportunidad de ir describiendo a lo largo de este año, desde la confirmación, la compra de entradas y ahora El Momento. Este fin de semana mágico comenzó desde el jueves al recibir a dos entrañables amigos de Uruguay y Argentina que venían a compartir con nosotros toda esta aventura. Y sí que fue una aventura ya que como buenos militantes, que no es lo mismo que ser fan, hicimos el correspondiente seguimiento tanto en el aeropuerto como en el hotel, sin resultados positivos, ni la sombra de algún integrante de la banda. Y no sé por qué a pesar de ello, no me sentía molesto ni frustrado, porque sabía que la recompensa vendría en la noche siguiente.

Llega el día, 18 de noviembre, escasas horas de sueño y luego partir hacia el encuentro de la felicidad plena, un largo viaje en servicio público al lado de mi pequeña amiga entrañable y por fin llegar al templo donde le rendiríamos honores a esos dioses a los que esperamos tantos años.
Una larga cola ya se había formado, personas paradas, otras sentadas en lo que pudieran, incluso sobre piedras que servían de asientos como una rústica sala de espera.
Las horas pasaban, y apareció el invitado que no deseábamos recibir, el sol, que aunque no nos sofocó sí logró molestar, tanto es así, que ahora por Lima deben haber muchas caritas bronceadas contra su voluntad, y si las ven con una sonrisa dibujada en los rostros cansados sabrán que se trata de alguno de nosotros, los testigos de la noche mágica.
La fila avanzaba lentamente, las horas igual, al menos me entretenía con las ocurrencias de un amigo uruguayo que conocí esos días y que ahora extraño, hasta que por fin, luz verde, fuimos ingresando, y al traspasar la entrada hacia el campo tuve la sensación que San Pedro con llave en mano me dejaba entrar al Paraíso, era como si el sol, que ya se había retirado, regresara para iluminar mi camino.
Luego fue cuestión de acomodarse y esperar un par de horas más al menos. Ya no importaba nada, absolutamente nada.

Pocos minutos después de las 8 de la noche la banda destinada a abrir la velada, X, hizo su aparición con su clásico y agresivo punk. Fueron 45 minutos sin para de pura energía, el primer momento de catarsis colectiva para muchos de los asistentes. Pero todo se volvió locura descontrolada cuando sucedió lo que muchos ya sabíamos, la aparición de Eddie Vedder para la canción de cierre de X. La gente se volvió literalmente histérica, empujones, pogo, emoción total, el primer contacto de Eddie con su público. Un detalle para nada menor fue que Vedder demostró su fanatismo al hacer una reverencia a la banda telonera que es parte importante de su formación musical. Felizmente el público limeño respondió bien ante la legendaria banda de punk, cosa que Vedder percibió y agradeció. Nota aparte para la vocalista Exene Cervenka, una loca hermosa que hacía lo que quería en el escenario y se ganó el corazón de muchos con su desenfado y personalidad.
Luego de terminado X, a esperar, unos minutos que serían eternos, ideales para que algunos retomaran energías, otros se reubicaran e incluso alguien comiera o bebiera algo. Pasadas las 9:15, las 6 personas más esperadas por las otras 30 mil presentes hicieron su aparición, la sensación de que los ángeles habían caído del cielo para cumplir nuestro más ferviente deseo. Y así fue, y el comienzo fue con un cover, Interstellar Overdrive de Pink Floyd abrió el camino para lo que sería un arranque por decirlo menos agresivo, a puro rock visceral, así desfilaron en ese inicio demoledor Corduroy, Why Go, Hail Hail y Do The Evolution. Fue demasiado, pero era como si la banda supiera que los esperamos tanto tiempo que decidieron "destruirnos" como compensación por la espera de dos décadas. Posteriormente otra canción energética y que quizás pocos esperaban, Severed Hand hizo su aparición como la primera "sorpresa" de la noche. Antes de seguir no puedo olvidar las palabras iniciales en "español vedderiano" dichas por Eddie para saludar al público limeño: "Voy a decirles algo que quería decir hace mucho tiempo, ¡Hola Perú!. Los hemos querido conocer hace mucho. Les pedimos un favor, cuídense los unos a los otros, queremos su seguridad, eso es lo más importante. Nos espera una larga noche de música, ¿de acuerdo?”. Esto causó la emoción en masa y sabíamos lo que se venía, el show de nuestras vidas.
Como era de esperarse la banda nos ofreció muchas de sus "clásicas" para retribuir los años de ausencia, así pudimos escuchar: Elderly Woman Behind The Counter In A Small Town, Even Flow con toda la genialidad de Mike McCready, la indispensable Better Man coreada con el corazón por todo el público, la mítica y melancólica Black que fue el primer momento "destructivamente emocional" de la noche, la furia y tempestad hecha punk noventero de Go, la infaltable Daughter a la que le agregaron "tags" de Blitzkrieg Bop de Ramones y WMA; y Jeremy una obviedad que queríamos escuchar sí o sí en Lima.
Y en esos momentos clásicos destacaron Porch y la destrucción masiva que originó, la esperadísima aunque no necesariamente fija Given To Fly (sensación de alivio para mí) y por supuesto la primera canción que escuché de ellos y con la que comenzó mi romance eterno, Alive, la obra maestra del rock de los 90's.
Pero si Pearl Jam se caracteriza por algo es por no ser predecible y siempre darnos algo más, escuchar Immortality, Indifference, Not For You y Blood (con un Vedder que regresó al pasado para cantar como en los 90's hasta que la garganta dijera basta) fue lo mejor que pudo haber pasado esa noche, agradables sorpresas. Pero la intensidad sentimental también dijo presente cuando Eddie con guitarra en mano interpretó esas hermosas joyas de su creación The End y Just Breathe, esta última dedicada a una pareja de amigos a los que les ofreció la canción como regalo por su reciente matrimonio, los llevó al escenario, y ahí les ofrendó el tema, cosa que fue demasiado para muchos (incluyéndome), lágrimas, silencio cómplice por momentos, Eddie Vedder demostró porque sólo él puede transmitir ciertas sensaciones tan intensamente.
Pero si algo no esperé fue su soberbia versión de The Real Me de The Who, no estaba ni siquiera en mis planes mentales, es ahí donde John Entwistle vuelve a la vida, toma el cuerpo de Jeff Ament y el bajo se apodera de la escena.
El momento de total energía fue sin duda la interpretación del cover de Neil Young, Rockin' In The Free World, que tuvo como ingrediente adicional la presencia de los integrantes de X, la banda de John Doe volvió a apoderarse del escenario para unirse a PJ y convertir el escenario en una fiesta, la aparición de las panderetas (una que le fue regalada a mi queridísima amiga uruguaya) y la algarabía contagiante de una celebración que no queríamos que terminara.
Las canciones que completaron el setlist fueron la optimista The Fixer, Setting Forth tema del primer álbum solista de Vedder, la rápida y electrizante Lukin, a su vez dos de los más hermosos temas del Backspacer: Amongst The Waves y Unthought Known, por último su nueva engreída Olé y Last Kiss conformaron el listado.
Pero todo tiene su final, nada es eterno, cuando la melodía de Yellow Ledbetter sonó, no sólo recordé a Hendrix y su Little Wing reencarnado en McCready sino que sabía que sería lo último, el fin del cuento de hadas, de la noche más feliz de mi vida.
Y así fue, la emoción desbordante llegó a su éxtasis total y sólo quedaba el aplauso rabioso agradecido y los gritos de reconocimiento hacia los hombres que se hicieron esperar muchos años pero que cumplieron con creces.

Hace tiempo no veía un público tan entregado hacia una banda, ni a una banda tan conectada con su público, esto no siempre pasa en Lima. Y aunque con algunas excepciones es reconfortante saber que nos tomamos en serio esto, que sabíamos que no podíamos desaprovechar la ocasión más importante de nuestras vidas.
Cuando Pearl Jam abandonó el escenario, me quedé en silencio, con los ojos humedecidos, no sentía dolor físico por el desgaste o mejor dicho no le hacía caso. Sigo tratando de procesar qué pasó ese viernes 18, porque no tengo palabras para describirlo a no ser que invente mi propio léxico y diccionario.

Hoy, cuando escribo estas líneas, recuerdo cómo comenzó todo esto, no fue ayer, ni la semana pasada, ni hace 10 años, fue hace casi 20, cuando aún siendo un colegial escuché un sonido, una canción que me cambiaría la vida para siempre, fue la cachetada musical que necesitaba ante el sonido plano que me rodeaba proveniente de los residuos del "glam metal" ochentero.
Hoy, cuando veo los videos y las fotos de ese evento maravilloso me emociono más que en el mismo día en que ocurrieron porque recién me doy cuenta de la real dimensión de las cosas, no porque no las valorara sino porque en el momento mismo sólo sentía que flotaba. Hoy, cuando tengo la rodilla hecha polvo, mi cara bronceada como si viniera de un hermoso día de playa y una sensación de hambre constante por la poca alimentación de los últimos días, sólo puedo decir que no me importa nada, que cumplí mi sueño y que ahora tengo una sensación de nostalgia y en mi cabeza ronda la pregunta: ¿Y ahora qué? ¿qué más le puedo pedir a la vida? Creo que lo único que podría pedir es volverlos a ver, cuánto antes mejor. Hoy... no sé que será de mí mañana.

Quiero agradecerte Pearl Jam, por haberme acompañado dos décadas de mi vida, por alegrarme con tus melodías, por darme energía, optimismo, por consolarme en los momentos más nefastos que pude vivir, por hacerme sentir menos solo de lo que estoy, por tener la canción exacta para cada situación por más rutinaria o complicada que sea. Quiero agradecerte por la música, la poesía, el corazón, la compañía, el confort, la felicidad, esa felicidad que fue plena cuando los vi frente a mí y les agradecí a voz en cuello todo esto que describo, gracias por venir a mi país porque no hay cosa más hermosa que cumplir un sueño en tu tierra y con los tuyos, gracias por permitirme conocer a personas maravillosas (ellos y ellas saben quienes son) que compartimos este amor eterno por tu obra.
Gracias Mike McCready por tu virtuosismo, gracias Stone Gossard por tu maestría y sencillez, gracias Jeff Ament por tu calidad interpretativa, gracias Matt Cameron por el ritmo y la fuerza, gracias Boooooooooooom!! Gaspar por las melodías y gracias Eddie Vedder, por tu voz, por saber transmitir a través de ella lo que muchos quisiéramos decir, gracias por ser tú. Gracias a todos, no sé que más decir, quizás sólo lo que expreso cada vez que tengo que agradecer algo que jamás podré compensar, ni aunque viviera dos vidas más: "Gracias Pearl Jam, gracias por tanto, perdón por tan poco."

* La foto que ilustra el post fue tomada por la propia banda desde una de las habitaciones del hotel.



(Video: franciscohvv, Youtube)




(Video: sacalenguas, Youtube)




(Video: kramerbol, Youtube)




(Video: kramerbol, Youtube)

Bush, The Sea Of Memories (2011): El tibio retorno

El movimiento alternativo de los 90's, en particular el "grunge" (término casi menospreciado por sus supuestos intérpretes), no sólo abarcó Estados Unidos sino que se expandió a regiones más alejadas. Quizás los casos más representativos son dos, el primero en Australia que tuvo a Silverchair como los abanderados de aquel sonido y en el viejo continente, en Inglaterra para ser más precisos, la banda Bush fue la agrupación de grunge o post-grunge por excelencia en Europa por algún tiempo. Mientras Silverchair este año decidió dar por terminada su carrera, Bush después de 10 años sin producir ningún álbum de estudio, decidió editar The Sea Of Memories.

Nadie puede negar el efecto que tuvo el disco debut de la banda inglesa allá por 1995, Sixteen Stone fue la muestra más palpable que hasta en Europa había cantantes que querían sentirse Eddie Vedder al menos por un instante. Fue un primer disco que marcó mucho por sus canciones potentes con instantes melancólicos, ese sonido que gustaba tanto por aquellos tiempos, sonido que ya estaba por morir ya que Kurt Cobain había fallecido un año antes.

Nunca más Bush lanzó un disco que produjera el impacto del primero, aún así pudieron mantenerse a flote por algunos años. En el 2001 publicaron su último álbum de estudio, posteriormente aparecieron recopilatorios y ediciones en DVD para tratar de mantener viva a la banda.
Es así que llegamos al presente año y aunque sólo quedan dos integrantes fundadores de la banda (Gavin Rossdale y Robin Goodrigde), han tratado de respetar el sonido que ofrecieron en su corta carrera discográfica.

The Sea of a Memories empieza su camino con The Mirror of The Signs, tema que posee fuerza y ritmo y donde se aprecia la voz de Rossdale intacta.
The Sound Of Winter el segundo track es de lo más llamativo del trabajo, es el primer momento destacado de álbum, que nos trae a la memoria la propuesta que hizo famosa a la banda. Rock alternativo.
Siguiendo el recorrido All My Life ofrece por momentos guitarras distorsionadas que acompañan la voz de Rossdale, el single más que nada mantiene la línea de sonido inicial del disco.
The Afterlife es un track en donde vale la pena detenerse, una canción ligera que coquetea con el pop rock y que recuerda algunas de las inclinaciones que también ha tenido una de las bandas que más lo influenció, Pearl Jam.
La melancolía tiene su espacio con All Night Doctors, en donde el piano le da la atmósfera perfecta para que el tema trascienda. Una canción simple y de calidad a la que en el transcurso de la misma se le añaden la guitarra eléctrica y violines brindando así un tema más completo.
El sexto track Baby Come Home devuelve al disco a la ruta del rock ligero, sin estridencia pero a su vez sin llegar a levantar el vuelo. Canción que sirve para completar espacio, rellenar, y nada más.
Otro tema liviano encontramos con Red Light, en donde incluso la voz de Rossdale también se suaviza, otro instante de pop rock.
She's a Stallion endurece sólo por momentos la propuesta general del disco, un track rítmico y punto.
Otro instante interesante del disco es I Believe in You, en donde ese rock ligero que predomina en la placa se ve potenciado por las guitarras y la batería.
En Stand Up prácticamente la música, los instrumentos, pasan a un segundo plano para que Rossdale demuestre su capacidad vocal.
The Heart Of The Matter es un tema más oscuro que el resto (ya era hora de que eso sucediera), más rock y dureza.
El cierre del álbum es el momento más experimental del mismo, en Be Still My Love se aprecia a la banda más completa. En un track denso que se distingue del resto del álbum.

Y así pues Bush ha vuelto, no ha remecido estructuras ni nada que se le parezca, al menos ha logrado traernos un poco de rock alternativo en tiempos en lo que casi todo suena igual (lo cual es paradójico, teniendo en cuenta que Bush al nacer sonaba a muchas bandas de Seattle).
La banda de Gavin Rossdale ha regresado y veremos como le va, no nos ofrece un disco contundente, tampoco olvidable del todo, es simplemente un tibio retorno.

The Sound Of Winter




All My Life




All Night Doctors

Pearl Jam Twenty: Nunca el cine fue tan HUMANO

Es increíble como algo tan simple como ir al cine puede convertirse en todo un acontecimiento que supera las barreras de lo emocional y que queda guardada como una experiencia irrepetible e inolvidable. Eso sucedió la noche de ayer, donde en muchas partes del mundo se pudo disfrutar del estreno de "Pearl Jam Twenty", el documental dirigido por el genial Cameron Crowe, que nos lleva a un hermoso paseo por los 20 años de legendaria banda de Seattle.

Pero en mi caso, como el de muchos de los que asistieron a ver la proyección en Lima, no sólo era el hecho de ver la película más esperada del año, y quizás de todas nuestras vidas, sino que el simplemente hecho de ir al lugar, a la sala de cine constituyó toda una aventura. Tuve que trasladarme hasta el centro comercial donde veríamos el film, era el único lugar donde se proyectaría y estaba al otro lado de la ciudad. Para esto conté como siempre con la compañía de mis dos musas jammers que siempre me acompañan en este tipo de aventuras. En realidad el traslado fue menos pesado de lo que imaginé y entonces, ya estando en el lugar, tuvimos tiempo para ir preparándonos emocionalmente para lo que vendría después, para lo que veríamos en pantalla gigante, aunque eso fue imposible, la emoción superó cualquier tipo de expectativa previa.

Minutos antes del inicio de la proyección de la película, ya con nuestros boletos en mano y sentados cómodamente nos aprestamos a ver el documental más importante que jamás hayamos visto. Y así fue, Pearl Jam Twenty, como dije antes, es un recorrido emotivo pero también contundente, sobre las dos primeras décadas de la banda que más amamos.
En sí la película refleja el espíritu de la banda, es sencilla, no exalta a la banda de una manera exagerada sino que la pone frente a nuestros ojos como lo que son, seres humanos con sus defectos y virtudes y como fueron madurando y aprendiendo a convivir entre ellos mismos, y en especial con la fama, y que a pesar de las adversidades pudieron seguir juntos, no sólo como banda sino como amigos, como familia.

El documental tiene momentos claves en cuanto a la narración de los acontecimientos, desde el inicio, con una merecida referencia al inicio de todo, al germen de la banda, es decir Mother Love Bone o como le llamo yo "la Madre de Pearl Jam". Podemos observar lo que significó la presencia el desaparecido Andrew Wood, el líder y vocalista de MLB, para el posterior fenómeno musical de los 90's, pero no sólo su aporte como músico o vocalista sino también y por sobre todo como persona y esto se aprecia claramente en las palabras de Chris Cornell, líder de Soundgarden, que casi al borde de las lágrimas recuerda a su entrañable amigo. Luego de ello ya la historia es conocida por todos, la llegada de Eddie Vedder y la formación de la banda, el nacimiento de Pearl Jam.
Otro de los momentos cumbres, realmente fuerte, del film es cuando Eddie Vedder, en pleno concierto, cambia de actitud, de carácter, el joven tímido se transforma y arremete con total furia cuando se percata de que uno de los asistentes al recital era maltratado al querer ser desalojado del recinto. Es ahí el punto de quiebre, ya que en dicha escena vemos el cambio de expresión en su rostro, en su voz, en ese momento había nacido "la voz de los 90's".
Las emociones van y vienen sin detenerse a lo largo de la película y vamos viendo como la banda crece y se fortalece en el camino, proceso que no fue fácil y en donde hubo momentos en que parecía que todo se iba al tacho. Dentro de esas situaciones emotivas hay algunas que en lo personal me marcaron y mucho. No cabe duda que la referencia a Kurt Cobain y su relación del supuesto amor-odio entre Nirvana y Pearl Jam fue uno de los instantes que más destacó, llegando al éxtasis total con el "baile" entre Kurt y Eddie tras bastidores de los MTV Video Music Awards 1992, mientras Eric Clapton en el escenario interpretaba "Tears in Heaven". Fue la reconciliación para una rivalidad que prácticamente no existió, al menos de parte de Vedder.
La tragedia de Roskilde en el 2000 fue lo más abrumador y penoso que aconteció en su carrera, ver el desencajado rostro de Vedder en la pantalla gigante de aquel festival danés, fue sobrecogedora. Esa imagen yo no la veía desde el año en que se produjo.
Eddie también relata con mucho cariño la relación de amistad que tiene con Jeff Ament, no necesita decir mucho para que uno lo entienda, su emoción y esos silencios que Vedder siempre tiene cuando no encuentra las palabras para describir lo que siente es más que suficiente.
Pero el relato más emocionante fue la descripción de historia de Release, Vedder y su padre, de lo que le produce la canción al interpretarla, de como a pesar de no haber compartido momentos padre-hijo, lleva a su progenitor en el corazón y en el alma. Similar sensación nos deja el escuchar el relato de Eddie sobre lo que siente cada vez que canta Black, la historia del amor perdido que Vedder vivió en carne propia y que recuerda cada vez que la interpreta.
Otro fragmento importante es la referencia que se hace a la amistad entre bandas, de como Pearl Jam y Soundgarden convivieron sin competir, siendo bandas hermanas (Temple Of The Dog) queriéndose y respetándose. Situación que fue comparada con las rivalidades entre las bandas de punk de New York, en donde ese tipo de convivencia era imposible, como lo comentaba Johnny Ramone, según relata Chris Cornell.
Pero también hay espacio para los momentos divertidos, y así es que abordaron el espinoso "tema del baterista", explicando uno por uno el porqué del cambio de bateros en la banda. Y lo hicieron en menos de 2 minutos, casi de manera sarcástica, demostrando que no hay que darle tanta importancia a una situación que para ellos ya fue superada con los 13 años que tiene Matt Cameron en la banda. O también, la anécdota de Stone Gossard y el Grammy que tenía guardado en su sótano como todo lo que no le sirve.
También hay un espacio para los hechos vergonzosos (aunque jocosos), como lo fue su presentación en la fiesta de promoción del film Singles de 1992 también dirigida Cameron Crowe, y como la banda, en especial Eddie, en total estado de ebriedad realiza la peor performance de su carrera.

La cinta hace reseñas personales de cada uno de los miembros, en muchos casos ilustradas con películas caseras lo que acerca más al público a la banda, los vemos como seres humanos no como estrellas de rock. Y obviamente también nos lleva por un paseo a su discografía, en especial sus siete primeros trabajos, ya que en los dos últimos (Pearl Jam y Backspacer) la banda ya estaba totalmente establecida sin mayores obstáculos que entorpecieran su trabajo.
No podía faltar el ángulo político-social, su lucha contra Ticketmaster, su participación en los conciertos y festivales a favor de la Liberación del Tibet, sus críticas al régimen de Bush, etc., todo esto corriendo el riesgo de perder fans en el camino, cosa de la que eran conscientes pero nunca dejaron de ser consecuentes con sus ideas y postulados.

Pearl Jam Twenty fue sin duda más de lo que esperaba, me dio más de lo que pensé, y mis expectativas eran enormes. Mientras las veía, percibí las emociones del resto, vi lágrimas, suspiros femeninos (en especial cada vez que Eddie hacia aparición), risas, y muchas sensaciones más. Me pregunto yo, qué película puede lograr todo eso, ¿cuál?.
No sólo lo fue para mí fue una experiencia única, también lo fue para mis compañeros de fanatismo que compartieron conmigo la sala y sus posteriores opiniones, no habiendo ninguna, sí, ninguna objeción al film. Nunca comenté con tantas personas una película y más aún jamás todos habíamos quedados satisfechos, eso sólo lo vi anoche y creo que nunca más lo veré.

Pero nada de esto sería posible sin la prodigiosa mano de Cameron Crowe, el hombre que sabe más de Pearl Jam que el propio Pearl Jam, supo recopilar toda la información, en especial la visual, condensarla, editarla y sobre todo supo contar la historia, transmitirla, y con ello extasiar al fan al mostrar el lado más humano de la banda. Las filmaciones caseras, a las que hice mención antes, son fundamentales para humanizar aún más este trabajo. Ver a un pequeño Eddie Vedder emocionó a más de uno, y sobre todo de una. Por momentos sentí que presenciaba la historia de PJ al estilo de "Los Años Maravillosos", el relato nostálgico y emotivo caracteriza toda esta obra.

Sé que sonará hereje, pero PJ20 equivale a La Biblia del jammer y Cameron Crowe la "escribió" para nosotros. Gracias a ambos, a la banda, por existir y regalarnos estos 20 años de música y honestidad, y a Cameron Crowe porque sólo él podía llevar a cabo este trabajo, ya que realizó una radiografía del grupo sin demasiada pompa, no poniéndolos en un pedastal, simplemente describiéndola tal como es, con lo bueno y lo malo, lo lindo y le feo, mostrando el lado más íntimo y visceral de esta agrupación, ayer más que nunca el cine fue tan auténtico, tan personal, tan cercano y sobre todo tan humano como anoche. Gracias Cameron por ello.

Seguramente me quedan muchos detalles sin contar, pero al menos he tratado resumir los que más efecto produjeron en mí (me olvidaba de la interpretación de Better Man en el 2009, el el desprecio que sentían y sienten hacia el término "grunge"). Después de toda esta experiencia regresé a casa, y el tema siguió siendo el principal tópico en la red social, me costó dormir, pero lo pude conseguir, y sólo para soñar con el siguiente paso, la siguiente fecha, el 18 de noviembre, y si el solo hecho de ver una película me causó todo esto, no puedo imaginar lo que me producirá tenerlos frente a mí.


* Cabe agregar que en la edición especial para Blue Ray y DVD contiene mucho más material para deleitarnos, atentos a eso entonces.

Red Hot Chili Peppers en Lima: Rojo, caliente, picante y vigente

Tengo una mezcla de sensaciones luego de poder ver a los legendarios RHCP en mi ciudad. Lo primero que siento es satisfacción por saldar una de las tantas deudas con mi alma rockera, un grupo que conocí hace tantos años (décadas) y que es parte fundamental de mi formación musical. Pero también tengo una sensación extraña de que pudo ser un mejor espectáculo, más allá del sonido por momentos defectuoso del recital de anoche. Aún así creo que son más los recuerdos positivos que los negativos que quedaron en mi memoria musical.

El grupo ofreció un corto (poco más de hora y media) pero efectivo recorrido a su basto repertorio de casi 30 años, aunque centró su presentación en su último trabajo "I'm With You" y también en su placa más aclamada "Blood Sugar Sex Magik" que está por cumplir nada menos que 20 años de lanzamiento.

Era evidente por este motivo leer o escuchar voces posteriores que mostraron cierta insatisfacción porque faltó tal o cual tema. Pero el tiempo del concierto y además el hecho de que el fanático limeño no ha dejado de ser un "fan de hits" hacen que no me extrañe para nada dicha reacción entre muchos de los asistentes al evento de anoche.
El repertorio fue, no obstante, digno de escucharse, con momentos impecables como la clásica y obvia Under The Bridge, Throw Away Your Television, Higher Ground, By The Way, Sir Psycho Sexy, Give It Away (el cierre) pero sin duda considero que el momento cumbre, que fue donde el público se conectó con la banda, fue la interpretación de Around The World, tema que no era tocado por la banda hace mucho tiempo y que Lima tuvo el honor de recibir entre su repertorio. Un noche con mucho funk, justamente por centrar mucha de su atención en su obra maestra de 1991. Así que por ese lado al menos de mi parte no hay queja, quizás como muchos, hubiera querido escuchar una canción en particular, mi favorita Soul To Squeeze no estuvo presente pero eso no le quita valor al repertorio.
Hablando de la banda en sí, pues tenemos a un Anthony Kiedis que sigue en lo suyo, gran "frontman" no tanto por su capacidad vocal (nunca fue uno de mis cantantes favoritos), pero fue cumplidor y físicamente impecable, se mueve como hace casi 30 años, y se adueña del espectáculo.
Muchos ojos estuvieron puestos en el nuevo integrante Josh Klinghoffer, el guitarrista cumplió su labor de manera aceptable pero no cabe duda que hace todo lo posible por parecerse a su antecesor John Frusciante, tanto en su estilo de tocar, la manera en realizar los coros y ciertos movimientos corporales. Josh es un "proyecto de Frusciante", era muy evidente. Musicalmente cumplió con su trabajo y hasta ahí no más.
Chad Smith hizo muy bien su labor con las baquetas, poniéndole el ritmo necesario a cada canción, y cabe destacar también la participación del percusionista invitado (además de un tecladista) que complementaba de manera perfecta la performance de Chad y hacían que la banda sonora más completa.
Capítulo aparte para Flea, el amo del bajo demostró que es el alma de esta banda, fue el nexo entre ellos y el público. Por momentos hablando en español (gracias por "the ceviche") y coronándose poniéndose un peruanísimo chullo. A su vez ofreció algunos pequeños solos donde demostró aún más su ya comprada calidad musical.
Tampoco quería olvidarme de meccionar a los teloneros de anoche, Foals, excelente banda inglesa que ofreció su indie rock sencillo, melódico y de calidad. Gratísima sorpresa, y gran performance en vivo.
La parte negativa como ya lo había indicado está en la corta duración del concierto, además de problemas de acústica y sonido (una crítica recurrente el día de hoy). Pero lo que más molesta no viene por parte de la banda sino de nosotros mismos como público, los limeño seguimos siendo fríos, por momentos la gente literalmente se paga (no digo que saltan como locos, simplemente que noto en ciertos casos hasta indiferencia con el artista), felizmente no sucede con todos, pero seguimos siendo una "audiencia de grandes hits" y eso espero que algún momento cambie.

En líneas generales, y a pesar algunas deficiencias, un concierto muy bueno, lejos eso sí de los mejores que se han ofrecido en Lima. Que estas lecciones nos sirvan para crecer como público, para conectarnos más con el artista que viene a deleitarnos.
Gracias a Red Hot Chili Peppers por una noche de funk, de rock y recuerdos. Demostraron que a pesar de todo están vigentes.

Foto (Fuente: El Comercio)

1) Monarchy Of Roses
2) Can't Stop
3) Charlie
4) Under The Brigde
5) Ethiopia
6) Dani California
7) The Adventures Of Rain Maggie
8) Throw Away Your Television
9) Factory Of Paith
10) Grand Pappy Du Plenty ("Tease")
11) Around The World
12) If You Have To Ask
13) Right On Time
14) Look Around
15) Higher Ground (cover de Stevie Wonder)
16) Californication
17) By The Way
18) Dance, Dance, Dance (con un previo solo de Chad)
19) Sir Pyscho Sexy
20) The're Red Hot (cover de Robert Johnson)
21) Give It Away

Pearl Jam Destination Weekend, nuestro amigo Gary y la noche en que nos fuimos al carajo

Hay cosas en la vida que no se pueden explicar, y precisamente anoche sucedió una de esas situaciones. Como todos los jammers (seres humanos que llevan a Pearl Jam en la sangre y el alma) sabíamos que el fin de semana que pasó se llevaría a cabo el esperado "Pearl Jam Destination Weekend", el festival que conmemoraba las primeras dos décadas de existencia de la legendaria banda de Seattle. El lugar para dicho evento fue el Alpine Valley Music Teather en Wisconsin. Dicho festival contó además con la presencia de bandas y artistas invitados de la talla de Mudhoney, Queens Of The Stone Age, The Strokes y más, muchos más.

Al encontrarme tan lejos de este tremendo acontecimiento se generaron dos sensaciones en mí, la primera, envidia sana (si es que eso puede existir) hacia los que estaban presentes como público de ese fin de semana mágico, y la segunda, ansiedad, la ansiedad generada por encontrar un bendito "stream" que nos permitiera a los jammers acercarnos al menos virtualmente al escenario y compartir ese momento tan especial.
El sábado en la noche encontramos un stream, no era lo mejor del mundo, se trataba de una persona que transmitía a través de su celular lo que acontecía en la presentación de Pearl Jam. Este chico se llama Gary e hizo algo que no creo que aquí ni en el resto de sudamérica se pueda hacer, filmar sin que nadie te lo cuestione, eso en gran medida se debe a la idiosincrasia del fan "gringo", mucho más pasivo y acostumbrado a su vez a ver a Pearl Jam las veces que quiera. Gary no habría podido hacer eso en estos lares, si lo hubiera hecho por ejemplo en Buenos Aires no saldría "vivo". Pero bueno, Gary no se encontraba cerca de las primeras filas lo que también permitía que no molestara al resto de concurrentes. Lamentablemente la transmisión del sábado se cayó, y muchos no pudimos verla a plenitud. Esa noche PJ había ofrecido en setlist de lujo, con muchas canciones que no son frecuentes en sus repertorios habituales, era una manera de celebrar sus 20 años, ofrecer algo poco común, la ocasión lo ameritaba.
A pesar de la desazón de no haber podido disfrutar completa la noche del sábado, Gary prometió hacer nuevamente lo mismo para el domingo. Cumplió, y esta vez la señal no se perdió, al menos para los que nos conectamos antes ya que según supe luego se saturó y era difícil conectarse. Y aquí comenzó a cumplir un rol primordial la red social, y lo digo con nombre propio, el Facebook. Muchos fans nos unimos a través de la red social para compartir simultáneamente el momento, y así fue, no sólo desde Perú recibía comentarios, mis amigos de otras partes del mundo (tan jammers como yo), compartían su sentir, desde Uruguay, Venezuela, México, Ecuador, Argentina y Chile se sentía plena emoción. El hecho de compartir cada una de las 33 canciones que conformaron el setlist del domingo fue muy grato, la red social permitía que nos sintiéramos juntos a pesar de los kilómetros de distancia que nos separaban los unos de los otros, yo sentía que tenía a mi lado a mi gran amiga uruguaya o a mis panas venezolanos o a mis amigos allá en Chile y obviamente a mis compañeros peruanos en especial mis dos engreídas, a todos ellos los sentí aquí a mi costado, abrazados al mismo sentimiento y extasiados por tanta felicidad. Pero eso no sólo lo logramos gracias al Facebook, sino también a la magia de aquella banda que nos viene regalando los mejores momentos en estos 20 años de carrera, fue una sensación inexplicable. Todos escribíamos comentarios eufóricos, llenos de alegría, el factor común en dichos comentarios era "morí!", "¡genios!", "estoy al borde de las lágrimas" o "estoy llorando".
Es impresionante lo que una banda, lo que cinco sencillos hombres (bueno seis, no nos olvidemos de Booooooom! Gaspar), pueden lograr en sus seguidores, momentos realmente emotivos, que llegaron al éxtasis total cuando el líder de Soundgarden, Chris Cornell, subió al escenario, como ya lo había hecho la noche anterior, y ahí pudimos ver en vivo y en directo el esperado regreso de Temple Of The Dog. También participaron muchos de los artistas invitados como John Doe, Glen Hassard, Julian Casablancas de The Strokes entre otros. La noche anterior además de Cornell había destacado la presencia de Josh Homme el líder de Queens of The Stone Age.
Fue un ir y venir de emociones demasiados fuertes, que se incrementaron al máximo con momentos "clásicos" de Pearl Jam como las interpretaciones de Alive o Yellow Ledbetter y ni que decir cuando Eddie estrenó un tema que escribió ese mismo día, eso ya fue demasiado. Lo más hermoso fue que lo pude compartir con personas a las que quiero mucho a pesar de la distancia y con algunas que ni siquiera tengo el placer de conocer pero que al tener contactos en común en la red social pudimos compartir la experiencia, y nos hicimos amigos apenas conociéndonos, sólo por compartir la misma pasión.
Y esto se hizo extensivo en todos los lugares en los que se pudo apreciar la transmisión de Gary, que a través del chat de su página recibió incluso propuestas de matrimonio, una muestra de la alegría desbordante de tal suceso.

En resumidas cuentas, fue la noche perfecta, la magia de Pearl Jam nos unió a pesar de las distancias, nos emocionó en muchos casos hasta las lágrimas, nos hizo sentir que no nos equivocamos al elegir a nuestra banda favorita, la que llevamos tatuada en la piel.
Gracias Pearl Jam por nuevamente crear un momento único que sólo será superado por la noche del 18 de noviembre en que por fin podré verlos a la cara para agradecérselos personalmente (a pesar de que lo más probable es que mi voz se pierda entre las miles que gritarán lo mismo que yo), una noche en donde no existirán las distancias ni con la banda ni con mis amigos ya que algunos de ellos vendrán a compartir la experiencia única de ver a Pearl Jam en Lima y no podría ser más feliz por ello.
Y no me puedo olvidar, gracias a Gary por ser el artífice de una noche especial, realmente te has ganado el cariño de mucha gente alrededor del mundo.
Ahora sólo nos queda esperar unos pocos meses, semanas, por ahora sólo haré lo que escribí ayer tras terminar la noche: "Bueno, luego de este concierto he muerto, no me lloren, regreso para noviembre". Así lo estoy haciendo, es mi espíritu o lo que quedó de mí el que escribe estas líneas.

Nos vemos en noviembre. Que así sea.


Momento en el que Eddie presenta su última creación

Red Hot Chili Peppers, I'm With You (2011): El "Factor Frusciante" y los residuos del pasado

Debo ser completamente sincero, cuando supe de la partida de John Frusciante muchas cosas pasaron por mi cabeza sobre el futuro de Red Hot Chili Peppers, y la mayoría de pensamientos que me invadieron fueron negativos. RHCP estaba perdiendo su alma, más allá de lo gran letrista que es Anthony Kiedis, se estaba yendo su complemento perfecto. Frusciante no sólo como guitarrista sino como corista y en algunos casos compositor demostró que era el integrante de la banda más talentoso, incluso más que Kiedis, ya que trascendió a la banda con algunos proyectos personales y colaboraciones.

Pero ya todo estaba dicho, John se fue y en su reemplazo llegó, Josh Klinghoffer, quien es amigo del propio Frusciante y que ya había tocado con la banda al final de la gira del álbum anterior Stadium Arcadium. Este músico no es cualquier guitarrista, ha trabajado con muchos artistas de renombre como Beck, Butthole Surfers, PJ Harvey, entre otros, por lo que al menos el lugar era ocupado por alguien solvente musicalmente hablando y que al conocer tan bien a John podía saber que es lo que la banda iba a pretender de él.
Y así con este nuevo integrante los RHCP han editado I'm With You, su nuevo trabajo luego de cinco largos años del aclamado disco doble Stadium Arcadium.
Aún con todo lo expuesto anteriormente mis temores seguían latentes, porque una pieza clave ya no estaba. Finalmente luego de escuchar más de una vez el álbum, creo que mi negativismo se disipó lo que no quiere decir que quedara enteramente satisfecho con el resultado final del disco.

El disco contiene catorce tracks similares entre sí en muchos aspectos, que inicia con Monarchy of Roses que tiene empieza de manera peculiar, con su sonido distorsionado al que le sigue una melodía más rítmica para luego distorsionarse nuevamente. Arranque con potencia pero sin estridencia.
Seguidamente Factory of Faith se deja llevar por el magistral bajo de Flea que es el que lleva la batuta en este single. Track sencillo con la marca de los Peppers tatuada en toda la canción.
Brendan's Death Song tiene un génesis acústico acompañado por la impecable voz de Kiedis, poco a poco la canción adquiere mayor fuerza gracias a la batería de Chad Smith, estableciéndose como uno de los tracks mejor trabajados de la placa.
Nuevamente el bajo de Flea manda y ordena, esta vez en Ethiopia, donde también se percibe unos breves intentos por parte de Klinghoffer de emular y evocar a Frusciante, mientras Kiedis hace lo suyo jugando con su gran capacidad vocal.
En Annie Wants a Baby nuevamente la responsabilidad y peso de la canción recae en Flea y Chad, aunque el track no llega a despegar del todo quedándose en buenas intenciones.
Look Around es el primer gran momento del álbum, donde se aprecia a los RHCP en todo su esplendor, un momento clásico y a la vez actual. Funk contemporáneo.
El sencillo de promoción de este trabajo fue The Adventures Of Rain Dance Maggie, que al igual que el tema que lo precede en el disco, contiene toda la esencia de los RHCP. Otro de los grandes momentos de la placa.
Al compás de un ritmo semi-tropical Did I Let You Know, es un tema simpático,que se deja escuchar y que mantiene la línea musical general del álbum, añadiéndole en esta oportunidad la presencia de trompetas que logran que la atmósfera sea aún más alegre.
Con Goodbye Hooray nos topamos con un funk con más energía pero que a pesar de ello no llega a consolidarse. No obnstante tiene una buena base melódica, un track de altas y bajas.
Happiness Loves Company es un tema simple que por momentos se mueve al ritmo de una "semi" marcha militar a cargo de la batería de Chad. Entretenida.
Police Station es el tercer gran momento de la obra, canción que consiste en un funk rítmico, incluso por momentos sensual, un track que seduce.
Una canción demasiado elaborada encontramos con Even You Brutus?, justamente ese detalle, esa complejidad, hace que no pueda afianzarse.
Vuelve la pausa y la sencillez con Meet Me at the Corner que hace claras reminiscencias a Stadium Arcadium. Y eso es algo que se percibe a lo largo de la obra.
El punto final del disco lo pone Dance, Dance, Dance, un buen cierre, lleno de cadencia, su sencillez lo hace agradable al oído.

RHCP ha vuelto, no diré con un discazo, porque no lo es, está lejos de los años de gloria, quizás el defecto es que algunas canciones parecen ser descartes del Stadium Arcadium, y es evidente que la ausencia de John produce que este trabajo no deslumbre del todo. RHCP tiene como tarea pendiente, reinventarse, no sonar tan parecidos a ellos mismos. Al menos el resultado no es para nada malo ni flojo ya que justamente esa similitud con su pasado da como consecuencia un disco amable y cálido, como lo ha sido toda su carrera, aunque al escucharlo sienta como que lo que oigo no me sorprende y que era lo que me esperaba, es quizás por ello que no siento que el disco brille, no me enamora del todo pero sí me gusta, no tanto como sus anteriores joyas, pero sí me gusta. Creo que este álbum es un nuevo gancho para lo que deseen asistir al concierto de la banda aquí en Lima, para ese propósito funciona perfectamente. Además, esto ya está sucediendo, el disco es considerado uno de los mejores del año porque la calidad musical no está en duda, lo que falta es innovación y dejar de vivir de los residuos del pasado.


The Adventures Of Rain Dance Maggie



Look Around



Police Station

Pearl Jam, Ten: A 20 años de la Primera Piedra.

Uno de los primeros posts que escribí estuvo dedicado a los 18 años del álbum debut de Pearl Jam, y ahora, dos años después, creo que toma más significado aquello que redacté, así que me he tomado la licencia de recoger varios elementos de aquel escrito para crear uno nuevo añadiéndole ahora la atmósfera que se respira no sólo porque aquella ópera prima cumple sus primeras dos décadas sino por sobre todas las cosas porque Perú será uno de los países que recibirá a la banda en esta gira de celebraciones y al fin muchos podremos cumplir el gran sueño postergado.

Debutar en el mundo del rock con un trabajo así, tan perfecto, puede marcar el rumbo de una banda, sea para bien o para mal. Porque si alguien edita un excelente álbum como primer trabajo las exigencias para continuar en ese sendero serán muy fuertes. En este caso considero que Ten marcó la carrera de Pearl Jam para bien. Al principio parecería todo lo contrario ya que como el mismo líder de la banda Eddie Vedder admitiría, le era muy difícil manejar la fama repentina que trajo consigo el disco. El grupo desapareció del ojo público por muchos años, pero a pesar de ello siguió siendo respetado y seguido por millones de fans. Prácticamente se convirtió en una banda de culto ya que en sus tres trabajos posteriores no se hicieron videos que pudieran contribuir a la promoción de dichos discos y aún así la banda se ganó un sitial en el mundo del rock que aún hoy mantiene.

Pero si hablamos de Ten, sí tenemos material visual, y no sólo por los 4 videos oficiales sino también por las constantes apariciones en los medios en especial en la cadena MTV donde Pearl Jam participó en 2 ediciones de los Video Music Awards de 1992 y 1993, ganando en esta última varios premios por el extraordinario videoclip de Jeremy (dirigido por Mark Pellington), entre ellos recibieron el galardón como el mejor video del año, además de tener en ambas ceremonias la posibilidad de realizar performances en vivo, muy recordadas, en especial la de 1993 al lado del legendario Neil Young.

En mi opinión la grandeza de Ten se manifiesta plenamente en el MTV Unplugged. La cadena musical llevaba algunos años produciendo este formato presentando artistas consagrados en sesiones acústicas. Quizás PJ fue la excepción a la regla ya que MTV los invitó a realizar la sesión desenchufada a pesar de que se trataba de una banda joven con sólo un álbum en su haber. Era obvio que se habían percatado del impacto del disco y de sus ventas. El resultado fue excelente y es hasta ahora uno de los MTV Unplugged más recordados.

Ten fue producido por Rick Parashar, uno de los más prolíficos productores musicales de los 90's, a él le debemos discos memorables como Temple of the Dog (1991), Sap de Alice in Chains (1992) y Blind Melon (1992). El le dio forma y orden a las canciones que el grupo ya tenía preparadas, les brindó esa atmósfera "grunge" alternativa pero a su vez mezclada con reminiscencias del rock de los 70's con mucha influencia "zeppeliana".
El disco llevó el nombre de Ten como una forma de homenajear sus propios orígenes como banda, ya que el primer nombre de la misma fue Mookie Blaylock tomado de un jugador de baloncesto. Pero para evitar problemas de derechos y propiedad intelectual se decidió cambiar el nombre a Pearl Jam. No obstante el álbum se llamó Ten (diez) que era el número que llevaba en su camiseta Blaylock, y así de alguna manera pudieron hacer referencia al pasado, a su antiguo nombre como banda, nombre con el que tocaron por primera vez en 1990 teloneando a Alice in Chains.
Debe ser uno de los pocos álbums en la historia del rock que se comenzó a elaborar antes de que siquiera la banda estuviera formada como tal o que los integrantes se conocieran, esto es cuando llegó a las manos de Eddie Vedder el "Mamasan" una maqueta con 3 canciones (Once, Alive y Footsteps) a las cuales le puso la voz y escribió las respectivas letras, y bueno lo demás es historia conocida. Cuando ya la banda estuvo conformada la composición del resto de temas fluía con mucha facilidad.
Canción por canción el disco no tiene pierde para los amantes del buen rock, este trabajo se inicia y termina de la misma manera, con el mismo sonido, me refiero al famoso Master Slave, un track de ritmo hipnótico, un extracto de dicho tema es lo primero que escuchamos en el disco, y a su vez el track completo está oculto después de la última canción. Cada tema es una historia diferente, y si algo se destaca es la no utilización de la misma temática en todo el álbum, sino muy por el contrario es un disco versátil, con 11 historias con las que cualquiera se puede identificar y darle el significado que uno desee. He tratado de darle a cada tema un significado, que por ser personal resulta arbitrario, que cada uno tome las canciones como desee y sobre todo como las sientan.

1) Once: Al borde de la locura, la historia de un hombre que no sólo es una amenaza para los demás sino para sí mismo. Este track constituye segunda parte de la trilogía Mamasan, posterior a Alive: "Tengo una bomba en mi cabeza que va a explotar. Tengo un calibre 16 bajo mis pantalones, yo juego..."



2) Even Flow: La locura graficada en uno de tantos personajes que duermen en la calle, viven de la limosna, que vemos todos los días, y a los que generalmente no les prestamos atención, pero de los que no sabemos que puede haber en "su mundo", al menos esa es una de las interpretaciones que se le puede dar a esta letra, una canción frenética: Flujo continuo, pensamientos que vienen como mariposas. No lo sabe, así que corre detrás de ellos. Algún día, comenzará su vida otra vez, otra vez, otra vez...



3) Alive: Una canción casi autobiográfica de Vedder, donde supo utilizar los traumas de su infancia para crear una historia, un joven al que su madre le confiensa que el que él consideraba su padre en realidad no lo era, y a partir de ese momento se ve obligado por ella a ocupar el lugar del padre ausente, la historia de una revelación. Es es inicio de la trilogía Mamasan, que continúa con Once y termina con Footsteps, este último se encuentra en el lado b del single Jeremy: "Hijo, dijo ella, tengo una pequeña historia para ti, el que pensaste que fue tu padre.. fue nada excepto un... Mientras estabas sentado en casa, solo a los 13 años, tu papá estaba muriendo, siento que no le conocieras, pero estoy contenta de que habláramos..."



4) Why Go: La incompresión frente a un problema o una situación particular, una joven con aparentes problemas de adicción que era maltratada por su propia madre y que en lugar de apoyarla y buscar la solución más adecuada trató a su como a una desquiciada hasta al extremo de internarla y hacerle pasar los peores tormentos. Es la historia verídica basada en una persona cercana a Vedder, la cual fue obligada por su madre a permanecer encerrada debido a que experimentó con la marihuana: "Ella parece ser fuerte, pero ellos quieren que sea débil, ella podría pretender que todo está bien, ella podría entrar al juego... Ella podría ser otro clon... ¿Para qué ir a casa?"



5) Black: Desamor, amor no correspondido, dolor, el seguir amando a pesar de que ser amado, y no obstante desearle lo mejor a esa persona que ya no está a tu lado, porque una de las muestras más puras del amor es dejar ir a la persona que amas si sabes que con eso será feliz, poesía pura de Vedder: "Sé que algún día tendrás una vida hermosa, sé que serás el sol en el cielo de alguien más, pero por qué, por qué no puedes serlo, por qué no puedes serlo en el mío..."



6) Jeremy: La historia real de un joven que se suicida frente a sus compañeros de clase cansado de las burlas de estos y de la incomprensión de sus padres, una amarga soledad que le hace crear su propio mundo en el que se sentía cómodo, aunque nunca pudo escapar de su fatal destino, el video recibió muchos premios y reconocimientos, entre ellos video del año en 1993: "Papá no le dio afecto y el chico se convirtió en algo que a mamá no le gustó enseñar. Rey Jeremy, el malvado mandaba en su mundo"



7) Oceans: El homenaje de Vedder, a través de una sencilla y hermosa melodía, al mar, su segundo habitat, donde practica surf y puede sentirse él mismo, su espacio ideal: "Océanos, sujétate a la cuerda, las corrientes van a crecer arrástrame hacia ellas... Sabes que hay algo allí, y todo estará permitido la próxima vez, la próxima vez que nos toquemos..."



8) Porch: Ruptura de una relación, un espacio vacío tanto en lo físico como en el emocional, no es fácil dejar a alguien atrás. Un track a puro hard rock clásico: "Oye mi nombre, arréglate, éste podría ser el día, toma mi mano, miente conmigo... sé que nunca mas volveré a tocarte, abrazarte, sentirte, nunca abrazarte, ¡nunca mas!"



9) Garden: Amargura, inconformismo, sentirse rodeado de miseria, un cuestionamiento al modo rápido en que se "tiene" que vivir y que afecta a las relaciones humanas. Musicalmente es una canción densa pero llena de poder: "La interpretación del ojo, tan engañosa, la perversión del alma, nauseabúndamente rápida, no cuestiono nuestra existencia, cuestiono nuestras modernas necesidades"



10) Deep: Difícil de interpretar, podría decirse que trata sobre la vejez, o a la sensación de no encajar para nada en el mundo en que se vive, el deseo de no seguir viviendo, muerte, suicidio, es una letra muy abstracta dentro de una melodía rabiosa: "Sobre la frontera de un pueblo ignorante, sintiéndose completamente superior, le llegó la vejez, para el cielo él simplemente no es nada, pero tiene una gran vista y hunde profundo el cuchillo... no puede tocar el fondo..."



11) Release: Emoción a flor de piel, Eddie le dedica este tema al padre que no conoció, en realidad sí llegó a verlo pero le había sido presentado como otra persona, como un "amigo" de su madre, cuando Vedder supo la verdad su padre ya había muerto. A los pocos segundos de terminar esta canción se inicia Master Slave el track escondido, que cierra el círculo, el mismo sonido que inicia el disco es el le que da fin: "Querido padre, puedes verme ahora, soy yo mismo, parecido a ti de alguna manera, voy a montar la ola adonde me lleve, voy a soportar el dolor, libérame."



*) Master Slave



El álbum que literalmente me cambió la vida, no sólo a mí, sino a muchos adolescentes y jóvenes que vivieron plenamente en los aún incipientes años 90's. La mayoría de la llamada Generación X quizás señale que el disco que los marcó fue Nevermind de Nirvana, pero al menos en mi caso particular Ten fue el sinónimo del cambio, de aire fresco en la música con innegables influencias de los 60's y 70's, con un alma rabiosa, por momentos triste y en otros eufórica. Representaba fielmente a toda esa juventud ávida de cambios radicales no sólo en lo musical sino también en lo social. Y como sería una costumbre en la carrera de la banda, Ten, al igual que sus sucesores, fue un disco multitemático, lo que lo hacía aún más valioso e innovador.
En el 2009 esta obra fue reeditada en una presentación de lujo, aunque me imagino que hoy, al menos por ser la fecha tan especial todos escucharemos el viejo disco original.
Cómo es la vida, hoy 27 de agosto mi abuela, una de las personas que más quiero en el mundo cumple 100 años, un siglo de vida, y de otro lado el disco que cambió todo para mí, que me dio una razón más para seguir adelante, cumple sus primeros 20 (y también cumple 15 el No Code, vaya fecha!). Y así como tengo la suerte y bendición de poder decirle personalmente a mi abuela "¡Feliz Cumpleaños!" y que la amo, en noviembre, aquí en Lima, podré decirle a Eddie Vedder y a su maravillosa banda, "¡Gracias, por todo!"

Feliz Cumpleaños "Ten", celebramos los 20 años de la colocación de la primera piedra de aquel templo, aquella catedral a la que todos los jammers acudimos no importa si nos sentimos bien o mal, alegres o nostágicos, porque siempre encontraremos la respuesta que buscamos o simplemente hallaremos la compañía necesaria para seguir adelante. Ese templo se llama Pearl Jam, la banda que en cada letra, en cada canción, en cada melodía, siempre nos dejará una enseñanza de vida. Gracias por eso y por tantas cosas Pearl Jam, gracias por existir y por estos 20 años de LEYENDA VIVA. Nos vemos en noviembre.