Baladas Rock: Los "Duros" También Lloran, Volumen 4

Después de un tiempo de no hacerlo, vuelvo con mis "conteos", con el fin de recordar o dar a conocer canciones con una característica en común, en esta oportunidad se trata de la cuarta entrega de baladas rock, que a pesar de tratarse de temas que despiertan similares sensaciones, no necesariamente suenan igual, ya que cada uno tiene su particular estilo, pues bien, continuamos:

1) "With or Without You", U2: No podía estar ausente en el conteo, un tema emblemático de la mítica banda irlandesa, parte de su álbum The Joshua Tree de 1987, infaltable en cualquier "grandes éxitos" del grupo, y que impondría un estilo propio que sería continuado años después por otro clásico tema, One. La balada seleccionada es un tema triste y apacible, donde la voz de Bono le da la emotividad y sentimiento apropiados.

2) "Satellite", Collective Soul: Ya he compartido otros tracks de esta banda de Georgia, éste es particular es uno de los mejores, en especial si es escuchado en su versión acústica. Un rock pop melódico agradable y armonioso. Esta canción es la que cierra el muy recomendable álbum Youth del 2004.



3) "Everybody Hearts", R.E.M.: Mi canción favorita de este ya legendario grupo, este estilo de balada se ve reflejado en trabajos de otros grupos, R.E.M. siempre ha sido un referente para todo tipo de bandas. Este track, perteneciente al mejor álbum de la banda Automatic for the People, posee mucha melancolía gracias a la gran voz de Michael Stipe, un especialista en transmitir emociones. El video es uno de los más recordados y originales de la década pasada.



4) "Beth", Kiss: A pesar que la característica principal del rock de los legendarios caras pintadas es producir música divertida y sin complejos, también le dieron un espacio a la balada. El piano y los violines crean un ambiente único. Este tema se encuentra incluido en una de sus mejores placas, Destroyer de 1976.



5) "Yellowledbetter", Pearl Jam: La canción indescifrable del grupo de Seattle, cuya letra es abstracta y cambiante y que ha sido modificada en los diversos conciertos que PJ presenta. Desgarradora, que tiene como base la canción de Jimi Hendrix, Little Wing, la guitarra de Mike McCready es un homenaje al desaparecido astro del rock. La paradoja de este track es que no fue lanzada como parte del álbum Ten sino como el "lado B" del single Jeremy, aún así se convirtió en un clásico que con los años fue incluido en los recopilatorios de la banda. Ha sido una costumbre que PJ cierre muchos de sus conciertos con este tema.



6) "Nothing Else Matters", Metallica: La mejor balada metal de la historia, la maestría en la ejecución, Metallica en la cúspide de su carrera lanza en 1991 su Black Album, encontrándose en su madurez creativa. Una muestra más de que el buen metal puede ofrecernos delicias como éstas, que no sólo son del agrado de los seguidores de la banda y del género en sí, ya que fue una canción que trascendió de tal forma que captó la atención de oyentes de otras corrientes musicales.



7) "My Immortal", Evanescence: Nos acercamos más en el tiempo y llegamos al 2003, esta banda de Arkansas aprovechó al máximo el estilo lírico de su cantante Amy Lee, y es así que nos regala esta balada conmovedora que posee un pequeño momento de hard rock al concluir la canción, de lo mejor de esta banda que ha pasado por muchos altibajos y cambios de integrantes (incluyendo el fundador). La pieza pertenece a su álbum Fallen.



8) "No Surprises", Radiohead: Apacible, triste, tierna, muchos calificativos para la hermosa canción de la banda inglesa liderada por su vocalista Thom Yorke, balada en la cual nos adormece dulcemente, una canción de cuna con mensaje social en tiempos modernos. El track está incluido en su aclamado disco OK Computer de 1997.

9)"God of Wine", Third Eye Blind: Perteneciente a su homónimo álbum debut (su mejor trabajo) de 1997, esta balada es sin duda una mezcla exacta entre el rock y el pop, ayudada por la voz de Stephan Jenkins para lograr tal propósito.



10) "Wish You Were Here", Pink Floyd: Cierro el conteo por hoy con una canción que pertenece al álbum del mismo nombre de 1975. Se aprecia aquí la experiencia ganada con los años y los varios discos editados, es una de las mejores obras que realizaron en conjunto Waters y Gilmore. Un tema pausado, íntimo y sentimental, características siempre presentes en el trabajo de la banda.



Por hoy es todo, quizás más adelante vuelva con un recuento similar, baladas hay muchas, demasiadas, pero son pocas las que logran quedar marcadas en la memoria pero sobre todo en el corazón.

Pearl Jam, Vs: 16 Años Después

19 de octubre de 1993, hace poco más de 16 años, es lanzado al mercado la segunda placa de Pearl Jam, Versus (Vs), un trabajo muy recordado y un clásico de la década de los 90's. Desde un inicio PJ mostraba esa característica tan importante en toda su trayectoria, esto es que ningún álbum es igual al anterior, por lo que a pesar de que se puedan percibir algunos elementos de su disco debut, el trabajo no era una continuación de este sino una nueva propuesta. La banda tenía la presión de realizar un disco lo más pronto posible ya que el éxito de Ten de 1991 fue superior a sus propias expectativas. Pero esta presión fue el inicio de los problemas de la banda con los medios de prensa, la saturación con estos, el hartazgo de ser un objeto mediático, todo ello se ve reflejado en algunas de sus letras. Aún así el resultado fue un álbum de excelente calidad, nada monótono, con sonidos y referencias diferentes, punk, funk, hard rock y que ya mostraba una de las facetas preferidas del líder de la banda Eddie Vedder, el folk nostálgico.

Originalmente el álbum iba a llevar el nombre de "Five Against One", frase que se repite al inicio y final del segundo track Animal, posteriormente se pensó en adjudicarle al álbum el nombre de la banda, pero finalmente se decidió llamarlo Versus (Vs) que era el nombre de uno de los discos preferidos de Vedder perteneciente al grupo Mission of Burma, a su vez el nombre elegido hacía referencia a los conflictos y diferencias que se producen en la sociedad, y como los seres humanos en lugar de funcionar armónicamente unidos para lograr un fin común hacemos todo lo contrario creando rivalidad y odio entre nosotros. Esa es la temática del disco, el problema fue que estos cambios de nombre, que fueron de última hora, no permitieron que el elegido apareciera en la portada del trabajo ya que ésta ya había sido mandada a imprimir como si fuera un álbum epónimo por lo que sólo aparece la palabra Pearl Jam. En dicha portada se aprecia la fotografía de una oveja enjaulada haciendo referencia a la sensación que tenía la banda con respecto a su trabajo con la disquera (Epic) y la presión que le generaba seguir siendo "número uno" en las listas musicales, se sentían prisioneros y esclavos.
A pesar de esa sensación de falta de libertad el disco es de gran factura, esto en mayor medida se debe al productor musical Brendan O'Brien (el mejor productor que ha tenido la banda), él le dio la forma al trabajo y capitalizó al máximo el talento de los músicos, trabajó con la banda a partir de ese disco hasta 1998 en el que se editó Yield, este año han vuelto a unir fuerzas con Backspacer.
Vs es un álbum con un mensaje furioso, crítico, no sólo hacia la prensa sino a la sociedad en su conjunto, se abordan temas como el racismo, el abuso, la incomprensión, la violencia, aunque también hay un espacio para la nostalgia. Es un trabajo que expresa fielmente como se sentía la banda con respecto a ellos mismos y como percibían el mundo que habitaban, cada track es una muestra de todas esas sensaciones y cuestionamientos.

1) Go: Frenético inicio para este disco, donde la percusión y el bajo (en especial al principio) nos dan un clarinada de alerta de que estamos ante una canción fuerte y agresiva, con Vedder que realiza una ejecución vocal rápida pero sin atropellarse, algo muy similar a lo que hizo en Porch del álbum debut Ten, en cuanto a la letra se trata de la advertencia de un hombre con un pasado turtuoso, que fue víctima de abuso cuando fue niño y que lo único que pide es que se alejen de él porque es capaz de hacer tanto daño como el que recibió: "Ve por favor, no sigas conmigo, no sigas conmigo ahora, nunca actué así antes, no sigas conmigo ahora, juro que nunca lo tomé por seguro, sólo piénsalo ahora, supongo que abusé de ustedes, sólo de paso, ve..."



2) Animal: De estructura lírica y musical similar a la canción anterior, se siente como una continuación del primer track aún cuando no lo es, con elementos de punk agresivo, un tema que trata sobre el abuso, del tipo que sea, una descripción perfecta de lo que significa un "cargamontón". Se dice que el grupo se refería con esta canción a como los medios de prensa manejaban la información con respecto a ellos, como sentían el hostigamiento mediático, aunque la letra puede servir para describir diversas situaciones de desesperación y hastío: "Uno, dos, tres, cuatro, cinco contra uno, cinco, cinco, cinco, cinco contra uno... Eres una tortura para mí, secuestrado en la calle... Prefiero estar, prefiero estar con, prefiero estar con un animal"



3) Daughter: Una clásica y emblemática canción en la historia de la banda, la mejor del álbum, una de las canciones más reflexivas que ha escrito Vedder, que relata el vía crucis de una niña con problemas de aprendizaje, casi autista, y que sufría de la incomprensión de sus padres: "Sola, indiferente, mesa de desayuno en una habitación de otra manera vacía, joven chica, violines (violencia), centro de su propia atención, la madre lee en voz alta, ella trata de entenderlo, intenta lograr que se sienta orgullosa... No me llames hija, no me corresponde, la foto guardada me lo recordará...



4) Glorified G: El relato sobre el desmedido "amor" de los norteamericanos por las armas de fuego, y de como parecía obligatorio que hubiera una de ellas en cada hogar, una crítica a una sociedad que se vuelve violenta con la excusa de protegerse de su propia inseguridad, todo esto acompañado musicalmente de manera perfecta en donde la guitarra de Mike McCready llega a momentos cumbres y al máximo de su potencia: "Tengo un arma, de hecho tengo dos, eso está bien hombre, porque yo amo a Dios, versión glorificada de un arma de perdigones, me siento tan hombre, cuando estoy armado... Manténla siempre cargada, agradecido de ser americano, la vida viene, puedo sentir tu corazón, la vida viene, puedo sentir tu corazón a través de tu cuello..."



5) Dissident: Historia con transfondo político enmarcada instrumentalmente en una melodía que tiene cambios de ritmo, potente y lenta a la vez, dependiendo del momento, nos relata la difícil situación de una mujer que acoge en su hogar a un disidente y perseguido político, dentro de ese complicado ambiente desarrollan una relación que parecía fuerte hasta que se pone a prueba cuando las autoridades logran dar con su paradero y ella lo traiciona y entrega, después sólo quedaría la sensación de arrepentimiento y de irremediable soledad: "Ella lo cuidó allí, era de noche, no estoy seguro de que él se quisiera quedar, que decir, que decir... y en este día, ella se deslizó, siempre en casa pero tan lejos, como una palabra desplazada, nada se dijo, que pérdida, cuando ella tomó contacto con el conflicto, había razones, pero se vendió al Estado, ella tuvo que irse... Escapar no es siempre la parte más segura, ¡aquí hay un disidente!..."



6) W.M.A.: Dave Abbruzzese, el baterista de PJ en aquel entonces, deja su huella con tremenda interpretación y en combinación perfecta con el bajo de Jeff Ament nos ofrecen un ritmo casi hipnótico que sirve para ilustrar la letra cruda de este tema que trata sobre el abuso de las fuerzas policiales contra personas de la raza negra en particular, los maltratos y abusos físicos, la brutalidad policial descrita en esta canción, las iniciales W.M.A significan White Male American, hombre blanco americano, suficiente para entender lo demás: "Ganó la lotería, cuando nació, tomó del blanco pecho de su madre con la lengua, entrenado como un perro, color y olor, camina conmigo para alcanzarle, policía... la policía detuvo a mi hermano otra vez..."



7) Blood: PJ llega a la estridencia con este track, duro, fuerte, con un Vedder que se queda sin voz, muy similar a lo realizado en el track Deep del álbum anterior, este tema contiene nuevamente un mensaje contra los medios de prensa y la forma en que estos explotan cada noticia que puedan extraer de los personajes públicos, esa costumbre de comportarse como parásitos o "vampiros" que sólo buscan succionar la sangre de sus víctimas para poder saciarse, una crítica brutal a la prensa y el manejo de la información, y ese amor que según Vedder tenían los muchos medios por lo sórdido: "Gira a mi alrededor, gírame alrededor, jodido circo, pincha hacia abajo, aguja de un sentido, empujada tan lentamente, drena y se desborda, moja las páginas, llena sus esponjas, es mi sangre..."



8) Rearviewmirror: Una canción que posee una melodía que se repite incansablemente durante todo el track, donde se utiliza la metáfora del espejo retrovisor de un auto para graficar el hecho de dejar todo lo negativo atrás, observarlo a lo lejos y ver como desaparece de nuestra vida para poder seguir adelante: "Hoy di una vuelta, es hora de emanciparse, celebro que los golpes me hicieran sabio, pero no estoy para dar gracias o apologías, no podía respirar, manteniéndome abajo... Vi las cosas claramente, una vez que estuviste en mi espejo retrovisor..."



9) Rats: El bajo de Ament brilla con luz propia, una canción con algunos trazos de funk, en este tema se hace una comparación entre las ratas y los hombres y de como estos deberían aprender de las primeras, ya que los roedores, a pesar de su aspecto repulsivo para la mayoría, son seres organizados que trabajan en equipo para lograr una meta común, una virtud muy poca practicada por el ser humano. Como nota adicional cabe señalar que en la parte final del tema Vedder repite la frase "Ben, the two of us need look no more" que es el inicio de la canción "Ben" interpretada por Michael Jackson y que fue el track principal para el álbum y la película del mismo nombre en 1973. Eddie mencionó sobre la canción que lo que buscaba no era expresar su odio contra las ratas como podría pensarse, sino todo lo contrario, que a pesar de muchos aspectos que no nos gustan de ellas deberíamos aprender de su comportamiento como grupo, como "sociedad" ya que tienen más claro el concepto de unión: "Ellas no comen, no duermen, no se alimentan, no se enfurecen, enseñan sus encías cuando gimen y chillan, lamen la mierda del pie más largo, no empujan, no se amontonan, se reúnen hasta que son muy estruendosas... No se escabullen cuando algo grande viene en su camino... No cagan donde se supone que no deben hacerlo, no cogen lo que no es suyo, no comparan, ratas... ellas no comparan..."



10) Elderly Woman Behind the Counter in a Small Town: Una de las lentas y meláncolicas canciones de PJ, toda la esencia de Vedder en este tema, donde se relata el reencuentro de un hombre con una mujer mayor que trabajaba tras un mostrador en el negocio de un pueblo, pero la reacción de ambos es distinta, mientras él la ve con emoción y nostalgia, ella evita el contacto visual porque siente algo de verguenza a pesar de lo vivido: "Parece que reconozco tu cara, apareces, familiar, pero aún no puedo recordar de donde, no encuentro la bombilla en mis pensamientos para iluminar tu nombre... Juro que reconozco tu respiración, recuerdos como huellas lentamente florecen, de mí no te acordarías, porque yo ya soy viejo... corazones y pensamientos se desvanecen, se desvanecen por ahí..."



11) Leash: Canción agresiva, Vedder se escucha molesto, inconforme, motivando a la unión contra el abuso, este tema constituye la segunda parte de Why Go incluida en el Ten, la misma chica protagonista de aquella canción (amiga de Eddie) con "problemas" y que era presionada y hostilizada por sus padres que buscaban moldear a su hija según sus preceptos y así perpetuar en ella sus esquematizadas costumbres: "Almas atormentadas únanse, nos tenemos a nosotros esta noche, yo soy el combustible, ustedes son amigos, tenemos razones para hacer arreglos, estoy perdido, no tengo guía, pero estoy de su lado... Encontraremos un camino, encontraremos nuestro camino... Suelta la cuerda, somos jóvenes, quítate de mi puta cara..."



12) Indifference: Fin del álbum con un tema introspectivo, tranquilo, que paradójicamente relata la insatisfacción de una persona que está inconforme (o lo hacen sentir así) con todo lo hecho en su propia vida, pero que aún así no quiere cambiar porque ya es tarde, o porque simplemente no lo desea: "Sujetaré la vela hasta que queme mi brazo, aguantaré sus puñetazos hasta que se cansen, miraré al sol hasta quedarme ciego, no cambiaré mi dirección, y no cambiaré mis ideas, en qué manera lo hace diferente, en qué manera lo hace diferente, en qué manera..."



El álbum vendió casi un millón de copias sólo en su primera semana, esto era previsible por las expectativas generadas con su predecesor, aún así fue un golpe de fama que el grupo no estaba preparado para manejar, en especial Vedder, así que el grupo decidió optar por el perfil bajo y desaparecer de los primeros planos, no realizaron videos de ninguna de las canciones del disco, así lograban tener la menor exposición pública posible, es más PJ no lanzó video alguno hasta 1998 con Do The Evolution incluido en el álbum Yield. A pesar de que el grupo no se sentía cómodo con el momento que vivía, el álbum resultó ser destacado y reconocido por la crítica, un sonido que hasta hoy, 16 años después, es añorado por muchos, esa ira y rabia que se plasmó en el disco no sólo era el reflejo del sentimiento de la banda sino de toda una generación, PJ se convirtió en vocero de la juventud de los 90's, y eso no es poca cosa.

Black Gives Way To Blue, Alice in Chains, 2009: Arriesgar y Ganar

Corría el mes de abril del año 2002, el mundo del rock recibía otro de esos duros golpes a los que ya estaba acostumbrado, Layne Staley vocalista de Alice in Chains era encontrado muerto en su departamento. Quizás sea capricho del destino o simple coincidencia pero se determinó como fecha de su deceso el 5 de abril del 2002, exactamente 8 años después de la muerte de Kurt Cobain, el símbolo de la década de los 90's en cuanto a rock se refiere y la cual perteneció el propio Staley. El cuerpo de Layne fue encontrado dos semanas después de haberse producido la muerte a causa de una sobredosis, y tuvo que usarse el registro de su dentadura para comprobar su identidad por el estado de descomposición del cuerpo.
Todas estas circunstancias hicieron que la muerte de Layne fuera demasiado impactante y dolorosa para los que disfrutamos de su estilo y arte. Pero a la vez la noticia no nos sorprendió, las costumbres y estilo de vida de Layne nos hacían pensar que esto podía pasar en cualquier momento.
Lo primero que concluí, al igual que muchos otros, es que más allá de la pena que nos causaba su partida, su muerte también representaba el certificado de defunción de Alice in Chains. Y así parecía ya que Jerry Cantrell el fundador y cerebro creativo de AIC decidió desarrollar su carrera como solista y el resto de la banda conformada por Mike Inez y Sean Kinney se dedicaron a sus proyectos personales.
Alice in Chains fue una banda ícono en su tiempo, formó parte del movimiento grunge de Seattle de los años 90's, aunque se diferenció de sus colegas por tener un sonido más duro, denso y depresivo y que en muchas ocasiones coqueteó con el metal. A pesar de su corta existencia (su primer trabajo fue editado en 1990 y el último en 1995) la banda formada en 1987 logró marcar a una generación y crear una tendencia, tanto es así que el grupo siempre estuvo activo gracias a los diversos discos recopilatorios que se publicaron en su honor. Fue un caso excepcional para un grupo que estuvo tan poco tiempo en el mercado musical pero que aprovechó al máximo ese lapso convirtiéndose en una banda de culto. Siempre flotaba la esperanza de que el grupo lanzaría algo nuevo, pero esto nunca sucedió y parecía todo definido ante el fallecimiento de Staley. Nótese que desde el momento en que se publicó el último trabajo de AIC hasta el momento de la muerte de Layne transcurrieron 7 años, es decir, en todo ese tiempo el vocalista estuvo demasiado complicado con sus problemas y adicciones y la banda nunca pudo reunirse.
Hace pocos años leí que AIC se reagruparía para salir de gira y presentaría un nuevo vocalista, sinceramente lo primero que pensé fue en que se trataba de una falta de respeto, o una movida oportunista, la esencia de la banda ya no estaba más, ese espíritu oscuro y denso se debía en gran medida a la presencia de Layne Staley.
Supuse que sería una reunión efímera pero este año llegó la noticia que aseguraba el lanzamiento de un nuevo trabajo del grupo. Decidí darle el beneficio de la duda, para una persona como yo que vivió parte de su adolescencia y juventud en pleno auge del movimiento del rock alternativo, saber que se edita un nuevo trabajo de AIC no es poca cosa, en realidad es todo un acontecimiento, por más cuestionamientos que se puedan tener.
Para este nuevo proyecto la banda presenta a su nuevo vocalista, William DuVall (proveniente de la banda Comes With The Fall) que ya era parte del grupo casi desde el inicio en que tomó la decisión de reunirse.
AIC no editaba ningún álbum nuevo de estudio (más allá de recopilatorios y otras perlas) desde el año 1995, 14 años pasaron para volver a escuchar a este emblemático grupo, demasiado tiempo, tanto que pensamos que nunca más lo escucharíamos.
No lo niego, tenía miedo, miedo de que fuera un fiasco, y de que se perturbaría el descanso eterno del querido Layne con este "intento" musical. Igual esperé a escuchar la propuesta, para tener una idea clara.
Hasta que llego el día, por fin pude escuchar y observar (ya que el video fue lanzado tan pronto la canción comenzó a circular) el single Looking in a View, el segundo nacimiento de AIC, y quedé gratamente asombrado, a pesar de la ausencia notoria de Layne, percibí en este track el espíritu de la banda, en pocas palabras, me gustó. No obstante quise esperar otro tema para tener una idea más clara y definida, es así que se lanzó el segundo sencillo "Check My Brain", y la sensación que me produjo fue la misma, presentía, a pesar de todos mis miedos ya explicados, que se aproximaba un muy buen disco.
Black Gives Way to Blue es el nombre de este álbum, que es de lo mejor que he escuchado en este último tiempo, track por track el disco se desarrolla como una estructura que necesita de cada una de sus piezas para ser entendido en su totalidad.

1) "All Secrets Known": Jerry Cantrell abre el disco con su voz, como para que nuestros oídos no sientan un cambio traumático de escuchar de golpe a DuVall que dicho sea de paso acompaña bien en este single. Un tema que posee la marca registrada y característica de la banda, la densidad.



2) "Check My Brain": Fue el segundo sencillo (y video) de promoción del álbum, el track más "vendible", si es que se puede denominar así a alguna canción escrita por AIC. Aquí Cantrell y Duvall cantan juntos en un tema que como el anterior mantiene el viejo estilo de la banda.



3) "Last Of My Kind": La responsabilidad vocal recae principalmente en DuVall y no decepciona conjugándose muy bien con el resto de la banda, esto es meritorio teniendo en cuenta que es una canción difícil de procesar y entender para quien la escucha pero que a su vez posee gran energía, aunque para los que conocemos el trabajo de la banda esto no es ninguna novedad.



4) "Your Decision": Estamos frente a uno de los momentos melódicos del álbum, un tema de atmósfera acústica que se asemeja no tanto a lo hecho por AIC en anteriores oportunidades sino más bien al trabajo realizado por Jerry Cantrell en su etapa como solista. Sin duda un punto alto en el álbum, y que sin duda se convertirá en clásica al menos para los seguidores de la banda.



5) "A Looking in a View": Como lo describí líneas arriba, éste fue el sencillo y video de lanzamiento, un track lleno de energía que aunque suene contradictorio posee una aura oscura propia de AIC. Muy buen acople de las voces de DuVall y Cantrell y que recuerda por su sonido a lo hecho por la banda en su último álbum de estudio, el epónimo de 1995.

6) "When The Sun Rose Again": Sonido acústico acompañado de una buena percusión que crea el clima perfecto para que las voces de Cantrell y DuVall se combinen nuevamente de manera casi exacta, rememora al sonido que Pantera ofreció cuando realizó el cover de Black Sabbath, Planet Caravan. Este track evoca en cierta medida a placas anteriores de AIC como Sap y Jar Of Flies.



7) "Acid Bubble": Extensa, pesada, dura, el viejo AIC está más presente que nunca en esta canción, vuelve a sus raíces y recuerda los primeros años de la banda, tiempos de Facelift y Dirt. A pesar de incluir un abrupto cambio de ritmo, esto no afecta el single, dos canciones en una, sonidos que a pesar de ser distintos no afectan la estructura de la canción como tal, algo que muy pocos pueden lograr.



8) "Lesson Learned": Otro tema que recuerda lo realizado por Jerry Cantrell en su etapa solista, tiene todo el estilo del guitarrista, muy rítmica y más fácil de escuchar que el resto de tracks.



9) "Take Her Out": La batuta vocal está a cargo una vez más de Cantrell, evidentemente no será un single de los mal llamados "comerciales" pero que encaja perfectamente en la propuesta de este trabajo.



10) "Private Hell": Uno de los mejores tracks del álbum, da la impresión de estar escuchando un homenaje a Layne Staley, es más, llega un punto en la canción en que las voces de Cantrell y DuVall se complementan tan perfectamente que parece que estamos escuchando al propio Layne, pienso y digo: ¡Cómo diablos Layne no está entre nosotros para que la cante!, es una canción especialmente hecha para él.



11) "Black Gives Way To Blue": El tema que le da nombre a este trabajo, un digno final, melódico, nostálgico, la canción más corta del álbum, Cantrell nos entrega uno de las mejores canciones que ha escrito, apoyándose en el piano (interpretado por Elton John nada menos) como acompañamiento perfecto, un recurso poco utilizado por la banda, una manera calmada de terminar este trabajo.



Como lo señalé tuve miedo de estar frente a un acto de blasfemia musical pero me encontré con una agradable sorpresa, la experiencia adquirida por Jerry Cantrell durante estos años de "soledad" ha servido para que la banda se apoyé en él como el eje principal. Se puede cuestionar el hecho de que DuVall no tenga tanta participación vocal pero también entiendo que es una manera de respetar a sus fans y en especial la memoria de Layne Staley, presiento que los fans, al menos la mayoría, no se sentirán defraudados ya que es un trabajo que creo que el propio Layne aprobaría. Es necesario que para el próximo álbum DuVall tenga más participación vocal para tomar más en serio su posición en el grupo, lo que no quiere decir que Cantrell deje de cantar porque ése es el estilo de AIC, la "doble voz".
Como todo disco de Alice, es difícil de digerir para el que no está acostumbrado, con ese acercamiento eterno con el metal y su mixtura con el sonido alternativo propio de su estilo Seattle, pero justamente eso hace de AIC una banda única en su especie.
AIC puede estar tranquilo, puede sentirse tan calmado como suena el último track del álbum, han cumplido con creces, se arriesgaron y salieron airosos, han ganado esta partida.

La Negra y el Rock: Adiós Mercedes Sosa

Ya se ha dicho todo acerca de lo que significa la partida de la querida Mercedes Sosa, no voy a ser repetitivo ni tampoco hacer un recorrido biográfico ya que creo que ha sido hecho por los conocedores y amantes fieles del talento de esta gran artista.
Toda mi vida oí hablar de la Negra, para los argentinos representa lo que para mí y otros peruanos significa la figura de Chabuca Granda. Mercedes no sólo nos regalaba su hermosa y única voz, sino que también compartía sus pensamientos, ideas socio-políticas y sus preocupaciones por los problemas que afrontaba su país y el resto de América, y si algo la hizo relevante es que siempre fue consecuente con lo que expresaba, podíamos estar o no de acuerdo con su postura o compartir su ideología pero fue fiel a sus principios y a todo lo que pregonaba. Ella no componía sus canciones, no obstante sabía escoger que interpretar, canciones que coincidieran con lo que ella representaba y sentía. Desarrolló su arte en tiempos muy difíciles y violentos de dictadura y represión, sufrió el exilio pero nunca pudieron silenciar su voz.
Hoy quiero enfocarme en un ángulo diferente con respecto a Mercedes, me refiero a la relación que tuvo la Diosa de Folklore Argentino con el rock, en especial con el argentino para lo que me centraré en 4 figuras emblemáticas y en lo que representó para ellos la muerte (y la vida) de la artista, aunque vale la pena aclarar que el vínculo de Mercedes con el rock es más extensa y rica que estos contados ejemplos que enumeraré.

Admito que no soy "consumidor" ni el mejor conocedor de su trabajo pero siempre me atrajo y cada vez que se daba la oportunidad la escuchaba. En mi colección de discos la primera canción que tuve de ella, ni siquiera de una producción propia, fue "Detrás del Muro de los Lamentos", track perteneciente al multipremiado y reconocido álbum de Fito Páez, El Amor después del Amor. Hermosa de principio a fin, fue la canción que me hizo ver la relevancia de la Negra en el mundo de la música y como trascendía por encima de géneros, tendencias o estilos haciendo de su arte algo único y valioso. Esa canción contaba con la participación del guitarrista peruano Lucho Gonzáles, un motivo más para tener un interés especial de mi parte por esta canción, ya que tenía un sonido que mezclaba el folklore de dos países (Argentina y Perú), la presencia de la guitarra y el cajón peruano hacían de este tema una joya, una bella mixtura. Ese fue mi primer real contacto con la Negra, más allá del conocimiento previo, ésta fue la primera vez que tomé real conciencia de lo que Mercedes significaba para la música.
La relación Mercedes-Fito no nace con ese tema sino mucho antes y creció con los años, tan sólo basta recordar las innumerables ocasiones que ella interpretó como ninguna el himno escrito por Paéz, "Y Dale alegría a mi Corazón". Ambos se presentaron juntos en incontables ocasiones y desarrollaron una amistad y un cariño que se plasmaba al momento de estar frente al público. Ya antes Mercedes grabó uno de los más conocidos temas de Fito, "Vengo a ofrecer mi Corazón" y varios años después "Parte del Aire", además el rockero produjo el álbum de Mercedes titulado Sino.
Tras la muerte de la Negra, Fito escribió una carta homenaje donde reflejó la importancia de Mercedes no sólo en la música sino también (y sobre todo) en la vida política y social de Argentina y América Latina: ...logró (Mercedes) lo que ningún dirigente pudo poner en funcionamiento en la historia de esta tierra. Escuchó a todos, se vinculó con todos, cantó con todos, nos emocionó a todos. Escuchar, vincular, cantar, emocionar. Verbos inusuales, alejados de la vida política. Ella, como nadie, nos da una idea del significado de nación que nos carga de responsabilidad y obliga a pensar en la infelicidad de un país que no puede realizarse en plenitud. Sin embargo, su obra sí que lo logra. La fiereza en la elección de sus repertorios, los riesgos artísticos que asume, el rigor a la hora del canto y la claridad de su voz de terciopelo, la ausencia de miedos a las mercadotecnias, su seguridad temeraria al momento de la grabación, sus ojos cerrados cuando interpretaba y su boca de oro por delante de su bellísimo pelo negro bajo esa nariz de águila, esa es su estampa."

Charly García debe ser una de las personas que más sufrió la pérdida de la Negra, el inicio de su primera gira luego de su rehabilitación coincidió con el principio del fin de la vida de Mercedes. Poco antes de fallecer, Charly, que aún guardaba las esperanzas de que ella se recuperara, expresó lo siguiente: "Ella fue en su momento la mejor voz argentina. Es casi una estrella de rock". Asímismo recordó que grabó un álbum con ella, el que quizás fue la demostración de lo que refiere Charly, Mercedes es una estrella de rock, el álbum en mención es Alta Fidelidad de 1997: "Sabe quién es, qué hacer con lo que tiene y sabe juntarse con quien puede darle algo nuevo, porque hacer un disco conmigo es algo impensado y lo hizo bastante bien". Compartieron escenario muchas veces, y crearon un vínculo que ni la muerte podrá romper.

De los rockeros argentinos el que más se asemeja por estilo y mensaje social a Mercedes Sosa es sin duda León Gieco. La obra de Gieco posee una gran influencia de Mercedes tanto en su sonido como en el contenido, su preocupación por temas puntuales en especial los político-sociales produjo una unión que iba más allá de la música. La Negra debe ser la artista que canta con mayor devoción aquel legendario tema de Gieco "Sólo le pido a Dios", un tema hecho para que lo cante ella, está diseñado a la medida de la Mercedes. Ambos artistas realizaron giras y muchos proyectos juntos, tuvieron una afinidad que superaba el ámbito artístico, eran casi hermanos musicales e ideológicos. Gieco, tras la muerte de Mercedes, la ha definido de manera simple y contundente y avala lo que expresó Charly en su momento en relación con el rock: "Ella es nuestra Mick Jagger, nuestra McCartney". Qué más se puede decir.

Sino me equivoco Andrés Calamaro nunca grabó con Mercedes y si lo hicieron no trascendió o no tomé conocimiento, aún así se sabe de una relación muy estrecha entre ambos. Si algo los relaciona musicalmente fue el cover que Andrés realizó de una clásica del repertorio de la artista, "Alfonsina y el Mar" escrita por Ariel Ramírez y Félix Luna. Muchos se extrañaron que Andrelo no haya expresado ni dado algún tipo de mensaje sobre la muerte de la Negra, tuvo que pasar una semana para que escribiera esta despedida en su blog personal: "Personalmente necesitaba tiempo para reflexionar sobre la ausencia de nuestra querida Mercedes; personalmente la quise y los ecos de su canto dorado seguirán en la memoria de todos para siempre; sus facultades extraordinarias al servicio de la justicia y del terciopelo de un canto que fue revolucionario y renovador. No pude apurarme y ser puntual con homenajes y palabras más o menos. Quizás necesite el resto de la vida para convivir con el espacio vacío que deja detrás nuestro tesoro argentino, la artista que llevo nuestra raíz mas lejos, con ideologías, en convivencia con otros paralelos de la música popular de todo el mundo, la que rediseñó el folklore con pura sensibilidad y diamantes interpretativos. Me cuesta despedir a un ángel que amamos profundamente. Una inmensa eternidad te espera, querida Mercedes Sosa." Como algunos comentaron lo de Calamaro no fue silencio, sino una muestra de respeto para homenajearla en el momento adecuado.

La relación de la Negra con el rock es mucho más que todo esto y se incrementa desde el momento en que ella regresó del exilio en 1982, a partir de entonces realizó presentaciones multitudinarias, similares a las de los grandes astros de rock, no sólo por el ambiente y los miles que asistieron sino también por la atmósfera que se respiraba en dichos recitales. Marcó a una generación de artistas, los influenció en todo sentido. Su último trabajo, editado este año, es una muestra de esa extraordinaria relación no sólo con el rock sino con la música popular en su conjunto, su álbum doble Cantora es un compilado de grandes temas pertenecientes a otros artistas y en los que comparte micrófono con los más variados intérpretes como Joan Manuel Serrat, Luis Alberto Spinetta, Diego Torres, Caetano Veloso, Julieta Venegas, Víctor Heredia, Gustavo Cerati, Calle 13, Shakira, Vicentico, Charly García, Fito Páez, León Gieco, Joaquín Sabina, entre muchos otros.
La Negra, como lo reseñé líneas arriba, no componía, y nunca quiso hacerlo como lo señaló en una entrevista a un medio español en el 2001: "No soy compositora, no me sale, y si lo hiciera ustedes comprobarían que es una mentira porque no tengo realmente fervor de compositora ni de poeta. Yo soy una cantante, sé elegir canciones y sé cantarlas". La habilidad de Mercedes consistía en cantar como nadie y transmitir todo su sentimiento en la interpretación, porque no habrá nunca otra Mercedes Sosa, Negra sólo hay una, ¡Hasta Siempre Negrita Querida!

Como es costumbre comparto algunas canciones, la primera es la canción que me hizo descubrir la importancia de Mercedes y que pertenece al mejor álbum de Fito Páez, el resto de temas forman parte del álbum doble Cantora, donde he seleccionado temas que interpreta a dúo con íconos del rock argentino y con el español Joaquín Sabina. Que lo disfruten.

Mercedes Sosa y Fito Páez, "Detrás del Muro de los Lamentos"



Con Charly García, "Desarma y Sangra", original de Serú Girán



Con León Gieco, "Himno de mi Corazón", original de Los Abuelos de la Nada



Acompañada de Vicentico, "Parao", escrita por Rubén Blades



Junto a Gustavo Cerati, la hermosa "Zona de Promesas", escrita por el propio Cerati en tiempos de Soda Stereo



Al lado de Joaquín Sabina, entonando una canción de él mismo, "Violetas para Violeta"

Backspacer, Pearl Jam, 2009: La Perfecta Madurez

Para llegar a la madurez necesariamente hay que transitar por muchas etapas y vivencias, aunque dicha madurez no sólo está relacionada con los años sino más bien con la experiencia, es decir aprovechar el tiempo lo mejor posible y enriquecerse de todas las enseñanzas recibidas. ¿De qué sirve vivir mucho tiempo si uno no ha madurado? Pues bien este concepto se aplica perfectamente a la música, he sido testigo de como bandas de rock a pesar de los años de actividad no han madurado, se estancaron, no crecieron, suenan a lo mismo año con año. Pero también existen otras que gracias a su calidad y al aprovechar sus virtudes, maduran en menos tiempo y en cada trabajo entregan algo nuevo, nunca un álbum sonará igual a otro, esa es la mejor señal de madurez, siempre ofrecer algo distinto y de calidad, reinventarse constantemente, pero muy pocos pueden lograr esto. Dentro de este tipo de bandas se encuentra Pearl Jam, un grupo que maduró más rápido que ninguno con los que compartió tiempo y espacio, ya desde el primer álbum demostraron la consistencia en su trabajo y los posteriores discos no hicieron más que confirmar esa madurez, la banda ha ofrecido siempre algo nuevo, a riesgo de perder seguidores por la variación en su propuesta sonora, esa es una de las características más importantes del grupo, ser consecuente consigo mismos, hacer lo que ellos desean hacer y no lo que la corriente o moda musical "exige".
Han pasado casi 20 años desde que PJ nació y acaban de editar su noveno álbum de estudio Backspacer, un disco en el que se percibe un regreso y recorrido en el tiempo para explorar sus influencias, los sonidos del pasado que quedaron guardados en su memoria y que se plasmaron en su propia obra. Ahora bien si a esos sonidos que formaron las bases de PJ se le añade su propio estilo característico, entonces lo más probable es que el resultado sea un trabajo de calidad, un álbum que vale la pena escuchar.
Pero para que esto funcione se necesita a alguien que ordene las ideas, que le dé sentido a lo que se quiere plasmar, y para eso no hay nadie mejor que Brendan O'Brien el más importante productor musical de los últimos 20 años, es más O'Brien fue el artífice de uno de los mejores trabajos de la banda, Yield de 1998, un excelente e inolvidable disco.
Backspacer es prácticamente un repaso a la historia del rock, una revisión muy breve (dura sólo 36 minutos) de lo mejor que este género nos ha entregado pero que toma un cariz diferente ya que PJ le imprime su propio sello, lo que produce que alcance otra dimensión
Como PJ nos tiene acostumbrados, cada track es una historia que contar, pero también cada una posee un sonido independiente que las caracteriza:

1) Gonna See My Friend: Ya es habitual que Pearl Jam inicie un álbum con toda la fuerza posible, recordemos sino discos como Ten, Vs, Vitalogy, Yield, Binaural y Pearl Jam. Este track es un comienzo furioso, a puro punk rock de estilo británico. Excelente gancho para seguir escuchando el resto del álbum, Eddie Vedder demuestra su versatilidad en la voz con cambios de tono. Una canción con mucha energía y con un mensaje claro, disfrutar hasta donde se pueda: "¿Quieres oír algo triste? No somos más que víctimas del deseo, voy a sacudir este día, quiero sacudir este día antes de retirarme"



2) Got Some: Muy rítmica gracias a la excelente ejecución en la batería de Matt Cameron, un tema donde se percibe el equilibrio en todos los instrumentos y en la voz de Vedder, con ciertas influencias de new wave y pop rock ochentero. Posee una letra simple, positiva, con el mensaje de seguir adelante y aprovechar todas las oportunidades que se nos presenten: "Tómalo ahora, tómalo antes de que se haya ido, todos vamos a seguir adelante, seguir adelante, tómalo ahora, suéltalo antes de que se haya ido, una vez más, todo el mundo sigue adelante, sigue..."



3) The Fixer: Este es el tema con el que realizaron su primer (¿y único?) video de este nuevo trabajo. Rock salpicado de pop, otro tema optimista. Justamente por eso la banda fue atacada por sus críticos ya que afirmaban que se alejaba del rock de alma oscura que los ha caracterizado. Este track evoca en ciertos momentos a The Who por su sonido, y contiene una letra positiva, muy simple, el deseo de un hombre que quiere ayudar a reparar lo que esté mal, colaborar a enderezar el rumbo del mundo: "Cuando algo sea oscuro, deja que encienda una luz, cuando algo esté frío, deja que ponga algo de fuego, si algo es viejo, deseo poner un brillo sobre ello, cuando algo se ha ido, quiero luchar por recuperarlo otra vez..."



4) Johnny Guitar: Historia de amor platónico, donde Vedder alza la voz para relatar su deseo de ocupar el lugar de Johnny, en realidad se trata de un sueño (erótico), en que el protagonista ansía que una de las mujeres que aparece en la portada de un álbum de Johnny Watson cobre vida, una canción que posee ciertos rasgos de un potente punk anárquico: "... como lo soñé ella vino a verme, yo perdido y solo, ella se inclinó sobre la cama y con los labios sobre mi cabeza me preguntó si había visto a su Johnny, y puedo ocultar mi decepción porque durante años he estado esperando, he estado esperando que ella venga por mí..."



5) Just Breathe: Simplemente hermosa, un tema "Vedder Marca Registrada", es más, el mismo Eddie confesó que la canción está basada en su propia creación "Toulumne", un track instrumental perteneciente a su álbum solista "Into The Wild". Además se respira un aire nostálgico, muy al estilo Dylan así como también posee melancolía de balada clásica británica cercano a The Beatles o los Rolling Stones, para ello el bajo de Jeff Ament es fundamental. Esta canción está destinada a convertirse en un clásica de la banda, con una letra sentimental donde el protagonista dice por primera vez un "Te Quiero" reconociendo todo el amor que lleva dentro de sí: "¿He dicho que te necesito?¿no he dicho que te quiero? Si no lo hice soy un tonto, ya lo ves, nadie sabe esto mejor que yo"



6) Amongst The Waves: Rock de espíritu americano, que recuerda a Bruce Springsteen o a Tom Petty, un rock rítmico que se eleva sin llegar a la estridencia, quizás no sea una canción que será recordada como un hit o no se convertirá en un track clásico pero es un complemento perfecto para el resto del álbum, como siempre Mike McCready notable en la guitarra. Otra canción de amor donde se exalta la importancia de éste en la vida del ser humano: "El amor no es amor hasta que te sientas andando alto entre las olas"



7) Unthought Know: Un track con el sello de Pearl Jam, con un sonido ya clásico en esta agrupación, las guitarras rememoran a grandes temas de la banda como "Wishlist" y "Love Boat Captain", en particular con esta última ya que consta de una melodía que es igual al inicio y al término de la canción, pero con un núcleo que va in crescendo una característica de PJ a lo largo de toda su carrera. Una letra algo compleja pero que trata de enfocarse en nuestra propia vida y valorarla, saber cuando dar cada paso, disfrutar cada momento: "Siente el aire por encima tuyo, piscina de cielo azul, llenan el aire con amor, todo negro con luz de las estrellas, siente el cielo cubriéndote con gemas y diamantes de imitación, ver el corte de ruta de la luna para que puedas caminar sobre él"



8) Supersonic: Así sonarían Ramones en este siglo, Stone Gossard y Eddie Vedder escribieron una canción corta pero efectiva, punk neoyorkino puro, acelerado, una demostración de que se puede ser optimista y agresivo a la vez, uno de los mejores tracks no sólo de este álbum sino de toda la trayectoria de la banda, letra simple y pegajosa, irremediablemente será un "hit" quieran o no: "Supersónico, tengo que sentirlo ahora, tengo que escucharlo, necesitan sentirlo fuerte, supersónico, que se diga la verdad, quiero vivir mi vida con el volumen alto, ¡sí!"



9) Speed Of Sound: Tengo una sensación particular con este tema, es muy bueno, pero me agradó más cuando escuché la grabación original. Me explico mejor, a mis oídos (como a los de muchos) llegó la versión en demo, la maqueta de esta canción, que es más acústica, más nostálgica, más "Vedder". La versión final con los arreglos correspondientes no deja de ser buena pero hubiera preferido que se quedara como en un principio. Aún así lo entiendo, este álbum contiene ya dos temas muy "Vedderianos", por lo que la existencia de un tema más con similares características no es lo que Eddie hubiera querido, él no buscaba que el disco sonara como algo suyo sino de todo el grupo, eso sí, Vedder se luce al interpretarla. La canción tiene un mensaje similar a Unthought Known, disfrutar y enriquecerse de cada momento de la vida a pesar de la velocidad tan vertiginosa en la que el mundo se mueve y que nos hacer sentir que el tiempo no alcanza para nada "... que de alguna manera voy a sobrevivir, pero esta noche ha sido larga, en espera de una palabra que nunca llega, un susurro en la oscuridad, eres tú, o simplemente mis pensamientos. Estoy muy despierto y llegando, se ha puesto tan tranquilo ahora ¿Podría ser que estoy más lejos? Moviéndome más rápido que la velocidad del sonido"



10) Force of Nature: Se perciben rastros de rock progresivo, ganas de experimentar pero manteniendo la naturaleza propia de la banda, me trae a la memoria el track "Unemployable" perteneciente a su placa anterior, no tanto por el sonido en sí sino por la propuesta, existen algunos elementos similares de aquella canción con la sustancial diferencia del protagonismo del piano, quizás este tampoco sea un single muy "comercial" pero juega un papel importante en el desarrollo del álbum. La letra es excelente en donde Vedder utiliza la naturaleza como metáfora aplicada a una historia sentimental, porque así como hay catástrofes naturales también las hay en el mundo de las emociones y el amor podría ser nuestro único y último refugio: "Un hombre se encuentra solo en espera de que ella vuelva a casa, ojos en el horizonte, en la oscuridad antes que la madrugada salga del amanecer, me hace doler, me hace temblar ¿Es tan erróneo pensar que el amor puede mantenernos a salvo?



11) The End: Un gran final para un gran disco, el grupo dejó que Vedder cerrara el álbum, de manera melancólica, conmovedora, Eddie parece quebrarse con una canción que "te mata", dentro de una atmósfera musical que mezcla dulzura y dolor, que se asemeja a Johnny Cash, Vedder nos dice que hay que valorar lo que tenemos, no esperemos que todo esté por terminar para expresar lo que sentimos, porque puede ser muy tarde, y esto se grafica al final de la canción, un final casi abrupto, señal de que el tiempo se ha acabado, el telón ha caído: "Es culpa mía ahora, me han atrapado, una enfermedad en los huesos, ¿Cómo crees que es irse de aquí? con los niños por tu cuenta, sólo no me dejes ir... Mirando hacia arriba desde el interior del fondo de un pozo, es el infierno, le grito, pero nadie escucha, desaparecer, un susurro en mi oído, dame algo de eco en mi futuro desconocido, tu ves mi amor, se acerca el final, estoy aquí, pero no por mucho más."

Pearl Jam nos lleva a dar un viaje por los mejores y más variados sonidos de la historia del rock: Ramones, The Who, Dylan, Springsteen, The Beatles, etc, pero lo más importante le agrega sus propios elementos lo que produce que el resultado sea de alta calidad. Podría pensarse que la banda pierde identidad al rememorar sus influencias pero estas sólo sirven de manera referencial, el verdadero protagonista de Backspacer es Pearl Jam, un grupo que se percibe más afiatado que nunca.
El nombre de la placa Backspacer, tecla de retroceso (como en las antiguas máquinas de escribir), según el propio grupo se debe a que es un trabajo donde dan una mirada retrospectiva sobre ellos mismos, para no cometer errores del pasado, pero también significa retroceder y evocar sus raíces, al punk, new wave, folk, al rock puro y honesto, así como añadirle la "marca" característica de la banda y de su propia historia de casi 20 años de actividad. Es también la confirmación de Mike McCready como uno de los mejores guitarristas de nuestro tiempo, heredero de Eddie Van Halen pero con más sobriedad. En realidad todos los integrantes de la banda están equilibrados de manera armoniosa por lo que el resultado es óptimo.
Pero este álbum ha llegado a este grado de excelencia gracias a la mano de Brendan O' Brien, que demuestra una vez más que todo lo que toca es oro. Las dosis de piano, teclados y violines crean un ambiente especial y único, un ejemplo muy claro es Just Breathe.
Muchos han calificado este trabajo de muy simple, muy pop, de letras no muy consistentes, se han dejado guiar por la primera impresión, sólo escucharon The Fixer y supusieron que el resto del álbum sería similar y dieron el veredicto final, pues se equivocaron, debieron apreciar el trabajo terminado. Definitivamente hay menos letras introspectivas en este álbum en comparación con los anteriores, es un disco con mensajes más positivos, aunque no deja de tener una buena dosis de melancolía y reflexión. Esto es comprensible debido a que el grupo está conformado por hombres que ahora superan los 40 años de edad, casi todos son padres de familia, Eddie ha pasado de ser un muchacho que gritaba con rabia su descontento por el rumbo de la humanidad a ser un hombre maduro que ha aprendido a convivir con el mundo que le tocó pero sin dejar de mostrar su molestia sobre lo que le desagrada, tratando de rescatar, en esta oportunidad, lo positivo, el lado optimista de la vida, el amor, y disfrutar cada momento como si fuera el último. Se aprecia un grupo más calmado, relajado pero siempre consecuente con la propuesta que hizo famosa a la banda. Sucede también que PJ siempre tuvo una postura en contra del gobierno republicano en Los Estados Unidos pero al asumir Obama la presidencia (su candidatura fue apoyada por varios miembros de la banda) produjo que el grupo se apartara un poco de su furioso lado político y mostrara un rostro más amable, por lo que Backspacer es la clara muestra del estado de ánimo de la banda en la actualidad.
A su vez están aprovechando al máximo las nuevas herramientas del mundo tecnológico, Backspacer es un álbum interactivo, se pueden descargar imágenes, protectores de pantalla, etc, además el disco puede ser descargado para el juego de video Rock Band, como ya lo había hecho con la reedición del Ten y ya antes la música de la banda había sido parte de otro legendario videogame, Guitar Hero.
Como verán PJ está viviendo su momento más feliz, trabaja sin la presión que significaba ser parte de Epic Sony, ahora la banda pertenece a Universal Music (a nivel internacional) y Monkeywrench (USA) lo que le ha permitido elaborar el álbum con más tranquilidad y entusiasmo. Un álbum distinto a lo anteriormente hecho, una muestra que PJ por fin aceptó su fama y quiere convivir con ella de la mejor manera.
Sólo me queda decir, robándome una frase que Raúl Cachay (periodista peruano) escribió en el 2000 con motivo del lanzamiento del Binaural y que adquiere más vigencia hoy: "Pearl Jam está de vuelta y suena mejor que nunca. Sea bienvenido sea... otra vez"

*Les dejo un bonus track, el demo de Speed of Sound (versión Eddie Vedder solo) del que hice mencion líneas arriba.