Blind Melon: Ser Hippie en los 90's

Era 1995, exactamente 21 de octubre, sábado por la noche, yo tenía 19 años. Aquella vez me quedé en mi casa viendo TV, por ese entonces existía una señal que se veía en Lima por la frecuencia UHF, canal 33. Como tenía una señal de prueba dicho canal emitía sólo videos musicales, es así que uno podría disfrutar del rock alternativo en imágenes como si estuviera sintonizando MTV (cuando dicho canal era netamente musical y no lo que es ahora). La señal no era muy nítida pero igual uno podía apreciar muy buenos vídeos y excelente música. Aquél sábado al que hacía mención emitieron repetidamente "No Rain" de Blind Melon, pero con el detalle agregado de que en la parte posterior de la pantalla aparecía un cintillo que decía "En memoria de Shannon", cuando lo vi me quedé pensando, yo conocía el trabajo de Blind Melon pero no sabía el nombre de los integrantes del grupo ya que no era seguidor de la banda a pesar de que su sonido siempre me gustó mucho. Después el misterio quedaba develado, había muerto Shannon Hoon, el vocalista de la banda, debo confesar que sentí una pena muy grande, era un artista joven con mucha proyección, él tenía 28 años.
Siempre me gustó su estilo lírico, casi femenino, una mezcla de Janis Joplin y Robert Plant, era único en su interpretación. Pero Shannon no inició su camino a la fama por ser el líder de BM, él ya se había dado a conocer al mundo cuando apoyó en la parte vocal a Axel Rose en el clásico tema de los Guns N' Roses "Don't Cry", también colaboró en el tema "Garden". Es más, participó en el video de "Don't Cry" cantando al lado de Axel. Ese fue el impulso que necesitaba para que él y su banda pudieran grabar su primer trabajo, el homónimo de 1992. Blind Melon estaba compuesto además de Hoon, por Christopher Thorn, Roger Stevens, Brad Smith y Glenn Graham.
Su primer trabajo fue un álbum que marcó una pauta y fue una muestra de la clara influencia que tenían los 70's en el rock de la década pasada. La filosofía de "Paz y Amor" se respira a lo largo del disco, la voz de Hoon, muy bien acompañada por lo que la banda ofrecía, nos transportaba con su sonido a 20 años atrás, a tiempos de Woodstock, tiempos de libertad y espíritu hippie, y lo lograban con un rock simple y puro. De este álbum debut destacan "Tons of Home", "Paper Scratcher", "Change", "Soak the Sin" y por supuesto "No Rain" el himno de la banda y por el que es recordada hasta hoy. El video de este tema se ha convertido en todo un clásico, la historia de la triste y pequeña niña abejita incomprendida por todos pero que alcanza la felicidad cuando se da cuenta que había más "abejas" como ella. Un video donde se respira ese espíritu hippie que señalaba anteriormente, no sólo por las imágenes sino también por la propuesta musical. Este álbum fue editado un 22 de setiembre de 1992, hace 17 años, y lo considero fundamental para entender y graficar lo que fueron los 90's (al menos una parte de esa década) en cuanto a rock se refiere.
Cuanto más crecía la fama, crecían también los problemas de los integrantes de la banda en relación con las drogas, en especial en el caso de Hoon. Aún así en 1995 editaron su segundo trabajo "Soup", que se alejó ligeramanente de la propuesta original presentada en su primer álbum, canciones de menos duración, un sonido más alternativo, tal fue la intención de un cambio que hasta el look de Hoon cambió. Fue un intento de que un publico nuevo se sintiera atraído por este nuevo sonido, no obstante, el disco no consiguió altas ventas y fue de menor calidad que el primer álbum a pesar que aún mantenía elementos de éste. Este segundo trabajo tiene como puntos altos a "Galaxie" y "Toes Across The Floor" canciones que tuvieron cierta acogida y que mantuvieron vigente a la banda.
Poco después de editar este trabajo el grupo colaboró en el álbum tributo a Led Zeppelin "Encomium" con el tema "Out on The Tiles", una de las pocas versiones rescatables de aquel disco homenaje.
Volviendo a "Soup" este trabajo fue lanzado el 2 de octubre de 1995, nada haría presagiar que pocos días después, durante la gira de promoción, el 21 de octubre Shannon Hoon sería encontrado muerto por una sobredosis de cocaína dentro del autobus que transportaba a la banda. Esto fue un golpe demasiado duro, no sólo para la banda sino para todos los que conocían y querián a Shannon ya que dejó a una hija huérfana de poco más de 3 meses. Al parecer ni esa gran alegría en su vida pudo frenar su adicción que ya se estaba volviendo incontrolable.
A modo de homenaje y tratando de mantener a la banda aún con vida, el resto de integrantes de BM editó en 1996 el álbum póstumo "Nico", que es el nombre de la pequeña hija de Shannon. Todo lo que se obtuvo por la venta de este trabajo fue destinado para el sostenimiento de la pequeña Nico Blue así como también otra parte fue donado a agrupaciones dedicadas a la ayuda de músicos con problemas con el alcohol y las drogas. "Nico" está compuesto por canciones descartadas de los trabajos anteriores así como temas inéditos y covers como "The Pusher" original de Steppenwolf y "John Sinclair" de John Lennon.
Posteriormente, a pesar de sus intentos de seguir juntos, el grupo se separó, no obstante se editaron algunos trabajos visuales como el documental "Letters from a Porpucine" de 1996. Ya en 1995, poco antes de la muerte de Hoon lanzaron el trabajo en video "Live at The Metro". No podemos olvidar tampoco que en 1996, Blind Melon participa en el álbum Schoolhouse Rock!, un álbum que era la compilación de las mejores bandas sonoras de dibujos animados de la televisón norteamericana. BM colabora con su versión del tema "Three is a Magic Number" que fue una de las últimas grabaciones que realizó Shannon. Fue una forma muy bella de recordar a Hoon meses después de su muerte.
En el año 2002 se editó el DVD "Classic Masters" con entrevistas y videos de la banda, que tuvo una buena acogida y que permitió que editaran un DVD más "Live at The Palace" en el 2006 sobre una presentación de 1995. Antes en el 2005 se había editado el álbum recopilatorio "The Best of Blind Melon" que contiene los éxitos de la banda, muchos de ellos remasterizados.
En el 2006, luego de 10 años de silencio, la banda anunció su regreso para lo cual reclutaron a Travis Warren proveniente del grupo Rain Fur Rent, como nuevo vocalista. Con esta nueva formación editan el álbum "For My Friends" en el 2008. En este trabajo tratan de mantener la esencia original de la banda, aunque se percibe los intentos de Warren de sonar lo más parecido posible a Shannon Hoon. No fue un trabajo que se acercará al nivel de la etapa anterior, a pesar de ello destacan 2 temas en particular, "Wishing Well" y "For my Friends".
Pero esta nueva formación duró muy poco, meses después del lanzamiento del álbum la banda oficializó la salida de Warren, aunque los motivos no quedaron claros, ya que el vocalista argumentó que había sido expulsado mientras que el resto del grupo señaló que fue él quien decidió abandonar la banda. Se rumorea que el nuevo vocalista sería Craig Owens de la banda Chiodos, pero esta información aún no ha sido confirmada.
Quizás sea por nostalgia, o por una mejor calidad en el trabajo, pero me quedo con la primera etapa de la banda, el día que falleció Shannon Hoon, Blind Melon murió con él, esa es la sensacióm que me queda, a diferencia por ejemplo de bandas como Alice in Chains que acaba de editar un nuevo trabajo de estudio (luego de 14 años), con nuevo vocalista, y el resultado ha sido óptimo, esto sucede porque AIC se caracterizaba en muchas de sus canciones por usar dos voces, Staley y Cantrell, y a pesar de la muerte del primero, la esencia se mantiene (aunque siempre se extranará a Staley) ya que la parte creativa corría y corre a cargo de Cantrell. Esto no sucede en Blind Melon, Hoon no sólo era el cantante, sino también era la imagen, el espíritu, la base de la banda, y tra su partida todo eso se fue con él, la átmosfera hippie que el grupo tenía se la daba en especial Shannon. Por lo tanto me quedo con el BM de los 90's, me quedo con la "abejita"
Como siempre los dejo con algunos videos para ilustrar mejor la reseña.

No Rain

Tones of Home



Change



I Wonder



Galaxie



Toes Across The Floor



Soul One



Three is a Magic Number (la canción empieza a los 14 segundos del video)



Wishing Well (Con Travis Warren en la voz)

Baladas Rock: Los "Duros" También Lloran, Volumen 3

Prosigo con el repaso de las lentas del rock que más me han marcado, tratando como siempre de no centrarme en una época en particular sino más bien seleccionar lo mejor de distintas décadas. Es obvio que la presencia de temas o grupos de los 90's sea lo que más abunde, debido a que fue la época en que más música absorbí y que coincidió con mi adolescencia e inicio de la juventud. Bueno sin más, aquí vamos:

1) "Consider Us", Candlebox: La banda alternativa de Washington tuvo su momento de gloria en la década de los 90's, se separaron en 1998, pero ya daban indicios de un regreso cuando editaron un álbum recopilatorio en el 2006, hasta que en el 2008 lanzan un disco con canciones nuevas luego de 10 años, "Into The Sun" de donde he seleccionado esta bella balada que pasó desapercibida, y creo que vale la pena al menos darle una oportunidad.



2) "Fall to Pieces", Velvet Revolver: Podría ubicar a este grupo dentro de la categoría de "Superbanda" debido a que tiene integrantes ilustres, los ex miembros de Guns N' Roses excepto Axel Rose decidieron formar una nueva agrupación y reclutaron a un vocalista conocido de los 90's, Scott Weiland, ex Stone Temple Pilots, y así se dio forma a este grupo que hasta la fecha ha editado 2 placas, de la primera (Contraband, 2004) se destaca este single, que tuvo mucha acogida, una balada donde Weiland explota al máximo la combinación de su voz con el sonido que siempre nos regala la guitarra de Slash. Weiland se mantuvo hasta el 2008 momento en el cual se separa de la banda por problemas con el resto de sus integrantes debido entre otras cosas a sus adicciones y conflictos personales, este mismo problema fue el que originó en su momento su salida de Stone Temple Pilots, aunque al parecer tiene todo el próposito de reflotar a STP, es más ya se han presentado en vivo en varias ocasiones. Mientras tanto Velvet Revolver transita un camino incierto ya que no se sabe cuando presentarán un nuevo trabajo y quién será el nuevo vocalista.

3) "Needs", Collective Soul: Uno de los mejores grupos de los 90's (de los que ya compartí algo en la primera entrega de esta colección), en 1999 editó su excelente álbum "Dosage", quizás su último gran trabajo, de esta placa he recogido este tema, una balada donde la voz de Ed Roland suena muy dulce y melodiosa, un estilo muy propio de él y que sabe explotar al máximo, muy recomendable.



4) "Here for You", Ozzy Osbourne: Otra vez un viejo conocido en este recuento, y es que "Papá Ozzy" sabe como ponerte la piel de gallina cuando quiere, de su último trabajo "Black Rain" del 2007 seleccioné esta balada, tierna y contundente a la vez. Ozzy sólo hay uno.



5) "Come Back", Pearl Jam: Otros invitados recurrentes en este conteo, pienso que se podría editar un álbum sólo de baladas de PJ, material hay de sobra, como esta canción extraída de su penúltimo y epónimo trabajo del 2006. Esta versión que comparto es en vivo donde como siempre Eddie Vedder le imprime un sentimiento único a su interpretación, por algo es uno de los mejores vocalistas de la historia del rock.



6) "Miss you Love", Silverchair: Esta banda australiana muy famosa en los 90's quiso desaparecer la sombra del "Sonido Seattle" en su propuesta, y en parte (sólo en parte) lo logra con su álbum "Neon Ballroom" de 1999 de donde se destaca esta balada que por momentos se vuelve agresiva pero que está muy bien instrumentada no sólo por parte de los propios músicos de la banda sino por el sonido de violines y un piano que crean una atmósfera especial.



7) "Love Song", Tesla: Banda que causó suceso en los 80's y principios de los 90's con canciones como ésta, que pertenece a su álbum "The Great Radio Controversy" de 1989. Era una muestra que de los 80's no se querían ir del todo o que al menos querían despedirse de manera digna. El grupo aún se mantienen en actividad aunque no han vuelto a recuperar la gloria del pasado.

8) "Ruby Arms", Tom Waits: Otra vez Waits, y es que en realidad es un especialista en conmover a quien lo escucha, melancolía pura, tristeza al extremo de hacerte sentir insignificante. Esta hermosa y desgarradora melodía está incluida en su álbum "Heartattack and Vine" de 1980. Es una de las canciones que más me han conmovido en la vida.

9) "Dog and Butterfly", Heart: Rock femenino, las hermanas Ann y Nancy Wilson formaron en 1973 esta excelente banda que en 1980 lanzó el álbum "Dog and Butterfly" de la que he seleccionado la balada del mismo nombre. Una canción que no podía falta en este conteo, imprescindible. La banda aún se mantiene en actividad y está considerada entre las más importantes de la historia del hard rock.



10) "Stairway to Heaven", Led Zeppelin: Como siempre el plato fuerte para el final, para muchos ésta es la mejor canción de la historia del rock, por su estructura, la voz de Robert Plant, la genial guitarra de Jimmy Page, por su ritmo, en fin, un sin número de razones que hacen de esta canción un himno y un símbolo de toda una generación. Estamos al frente de una de las bandas más influyentes de todos los tiempos. Esta canción pertenece a su álbum "Led Zeppelin IV" de 1971.

Por hoy es todo, pero no duden que regresaré con más de este conteo, aún queda algo en el archivo.

Rage Against The Machine: Protesta, Revolución, ¿Terrorismo?

Rock, política, revolución, protesta, socialismo, anti-imperialismo, y mucha polémica, un sin fin de conceptos se me vienen a la mente al recordar esta clásica banda de los 90's. Con un sonido contundente que podría calificarse como la mezcla entre el rap y el rock pesado, una voz agresiva acompañada de una guitarra con mucha fuerza y manejada con destreza, son los elementos característicos del sonido de esta agrupación surgida en el año 1991 en Los Angeles, California. Conformada por Zack de la Rocha (voz), Tom Morello (guitarra), Tim Commerford (bajo) y Brad Wilk (batería), para conocer el origen de la banda nos tenemos que remontar a los tiempos de escuela de Zack de la Rocha donde conoció a Tim Commerford, rápidamente cultivaron una amistad en la que Zack contagió su gusto por la música a Tim. Tiempo después cuando estaban tratando de constituir una banda Zack conoce a Tom Morello cuando el primero se encontraba "rapeando"con unos amigos. Morello provenía de Illinois pero decidió mudarse a Los Angeles porque pensaba que era el mejor lugar para formar su propia agrupación de rock. Al escuchar el rapeo de Zack quedó impresionado, y desde un principio supo que debía trabajar con él. Es así que se fue dando forma a la futura banda, Tom ya conocía a un baterista, Brad Wilk, por lo cual todos los elementos del grupo estaban completos.

Así fueron tocando y presentándose hasta que logran firmar un contrato con la disquera Epic - Sony para producir su primer álbum al que le darían el nombre de la misma banda, Rage Against The Machine, "la ira contra la máquina", nombre que surge por idea de Zack que ya tenía pensada cuando pertenecía a otro grupo pero que recién con este nuevo proyecto pudo concretar. Tom describe a la "máquina" como el equivalente al sistema impuesto, la élite, el imperialismo, el capitalismo, la ignorancia y todo lo que en su concepto le haga daño a la sociedad y al individuo como tal.
Aquel álbum debut editado en 1992 fue una clara muestra de esta propuesta fresca y a la vez agresiva. Tracks como "Bombtrack", "Killing in the Name", "Take The Power Back", "Bullet in The Head", "Know Your Enemy", "Wake Up" y "Freedom" demostraron que era posible ser crudo, directo y a la vez dejar un mensaje por más polémico que éste sea. En este caso un mensaje político, de izquierda principalmente, con mucha rabia y furia, y que a pesar de pertenecer a un país completamente opuesto a esa posición política eso no impidió que el álbum alcanzara el número 1 en Billboard. Esto debido a la propuesta musical tan novedosa, encontrar en un mismo trabajo, rock, metal, hip hop, rap y funk no podía pasar desapercibido.
Pasaron cuatro años para que la banda lanzara un nuevo álbum, fue en 1996 cuando editan "Evil Empire", el nombre lo dice todo, fue un trabajo dedicado al "malvado imperio" que gobernaba a los Estados Unidos. Paradójicamente el término "Evil Empire" fue utilizado por Ronald Reagan en tiempos de la Guerra Fría para referirse a la entonces Unión Soviética. Jamás pensaría el ex-Presidente norteamericano que su frase sería utilizada con el efecto contrario. En lo estrictamente musical, el álbum mantiene la temática y el sonido de su predecesor destacando "People The Sun", "Bulls On Parade" y "Down Rodeo". Es un trabajo donde la guitarra de Morello muchas veces llega a límites insospechados de excelencia. Aún así considero que su álbum debut fue superior.
En 1998 publicaron un álbum de rarezas o lados B y presentaciones en vivo. Es recién en 1999 donde editan su tercer disco de estudio "The Battle of Los Angeles", aquí ya apreciamos un grupo más consolidado, que mantenía el mensaje de sus anteriores trabajos, pero mejorando musicalmente con respecto a su álbum anterior. De este se destacan "Testify", "Guerrilla Radio", "Born of a Broken Man", pero sin duda el track más importante es "Sleep Now in The Fire", cuyo video fue dirigido por el siempre polémico Michael Moore, que realizó la filmación con la banda al frente de la mismísima Bolsa de New York, Wall Street, debido a esto y a la multitud que se acercó para estar cerca a los músicos durante la grabación del video la bolsa cerró sus puertas medio día como se aprecia en las imágenes. Tal fue el revuelo y las complicaciones que trajo la grabación que el director Moore fue detenido por la policía durante una hora. Fue un video muy polémico que además de lo ya descrito mostró una parodia del programa "¿Quieres ser millonario?" cambiándole el nombre a uno cuya traducción sería "¿Quieres ser putamente rico?". Otro detalle es que al final del video aparece el político republicano Gary Bauer expresando que "Rage Against The Machine es un grupo antifamiliar y proterrorista". No olvidemos que Estados Unidos se encontraba en pleno clima político a un año de la polémica elección entre George W. Bush y Al Gore (que son los protagonistas del video "Testify") por lo que el trabajo de RATM tocaría fibras muy sensibles.
Al final todo esto les jugó en contra al momento de los reconocimientos musicales, ya que por ejemplo en la premiación de los MTV Video Music Awards del año 2000 perdieron el premio como mejor video de rock a manos de Limp Bizkit paradójicamente uno de los más influenciados por RATM. Fue una muestra que sería muy difícil que un grupo tan polémico ganara un reconcimiento a partir de ese momento. En esa premiación el bajista de RATM Tim Commerford se encaramó en una de las estructuras superiores del escenario mientras Limp Bizkit recibía el premio gritando "¡Limp Bizkit es la banda más odiada del mundo!", a pesar de que Tim admitió que fue una broma esto no impidió que pasara una noche en prisión.
El grupo formó parte de algunas bandas sonoras, entre las más importantes destacan su participación en el film "Godzilla" donde aportaron el tema "No Shelter" y en "Matrix" lo hicieron con el ya mencionado "Wake Up". Otras películas en las que colaboraron fueron "Matrix Reloaded", "The Crow" y "Higher Learning"
El último trabajo que presentaron fue "Renegades" del año 2000, que es una selección de covers bandas e intérpretes preferidos de RATM pero tocadas con el particular estilo del grupo. Realizaron covers de Rolling Stones, Bob Dylan, The Stooges, pero las que más atención consiguieron fueron "Renegades Of Funk" de Afrika Bambaataa, "How I Could Just Kill a Man" de Cypress Hill y "The Ghost of Tom Joad" de Bruce Springsteen.
Ese mismo año Zack decide abandonar la banda para dedicarse a otros proyectos ya que sentía que la banda se había estancado. Mucho después de eso se editó un DVD "póstumo" en vivo en 2003 llamado "Live at The Grand Olympic Auditorium" para ese entonces el resto de la banda ya habían formado una nueva banda con otro consagrado vocalista, Chris Cornell ex Soundgarden, el grupo era Audioslave. Ya anteriormente publicaron un par de DVDs, estos fueron "Rage Against The Machine" de 1997 y "Battle of Mexico City" del 2000.
La carrera de RATM no ha estado exenta de polémica y problemas debido a su posición ideología y política que podemos calificar de izquierda (casi comunista) y muy crítica con las decisiones del gobierno norteamericano. Han sido censurados en la televisión y otros medios pero jamás cambiaron su postura.
Además han protestado contra el maltrato de perseguidos y presos políticos. A su vez han brindado su apoyo a causas revolucionarias, como por ejemplo al Ejército Zapatista de Liberación Nacional de México, en algún momento Zack viajó a Chiapas para personalmente colaborar con esa causa. Cabe señalar que Zack tiene origen chicano por lo que siempre se ha preocupado por los temas políticos relacionados con México. El grupo utilizó en sus videos y presentaciones como símbolo la bandera zapatista, lo que demuestra claramente su apego por esas convicciones.
Pero no hay que confundir revolución con terrorismo, a veces la falta de conocimiento o la ignorancia sobre una realidad concreta produce la identificación con propuestas inapropiadas. Esto lo señalo debido a que en varias oportunidades Tom Morello expresó su respaldo a un grupo terrorista en particular, Sendero Luminoso, que para los que vivimos en el Perú sabemos y conocemos el dolor y desgracia que causó. Es más Morello en una de sus guitarras tiene una calcomanía con el nombre de dicho grupo terrorista. Pero lo que sí a mi juicio fue excesivo es haber realizado un video en apoyo a esta agrupación terrorista, se trata de "Bombtrack" perteneciente al primer álbum donde cuestionan la captura de Abimael Guzmán, cabecilla del movimiento. No se puede confundir a hombres que cambiaron el mundo como por ejemplo el "Che" Guevara (cuya figura es constantemente usada por la banda) con grupos armados que sólo causaron el terror, la muerte y el dolor a su paso. No me quiero imaginar si algún día se presentan en Perú y a Tom se le ocurre interpretar alguna canción con esa guitarra (si es que aún lleva ese sticker en ella), instrumento que siguió usando también cuando formó parte de Audioslave. A pesar de ello el grupo tiene muchos adeptos aquí, los fanáticos del grupo han sabido separar la música de la ideología porque al final de cuentas RATM no ha matado a nadie pero considero que equivocó su postura en este tema en concreto por desinformación.
Volviendo al aspecto musical, en el 2007 el grupo se reunió para realizar algunas presentaciones que continuaron en el 2008. Por ahora no hay noticias de un posible nuevo álbum. El año pasado Zack de la Rocha lanzó un trabajo personal llamado "One Days as a Lion", en cuanto al resto de la banda ellos también decidieron separarse de Chris Cornell y así terminar con Audioslave, esto sucedió en 2007.
RATM es una banda controvertida pero que definitivamente dejó en claro su mensaje y su postura y prácticamente le dio forma a un nuevo sonido y que ha sido influencia para otras agrupaciones como Limp Bizkit o Slipknot, pero no ha habido ninguna que los supere ya que como verán hay demasiados elementos que hacen de esta banda única en su especie.
Para mí no ha sido sencillo escribir sobre esta banda, ya que me genera sentimientos contradictorios, por un lado su música siempre me gustó pero también me despierta rechazo la posición que tomaron sobre una situación específica de mi país y que me tocó vivir.
Les dejo algunos videos para que revisen su trayectoria, entre ellos el de apoyo a Sendero Luminoso, que no ha vuelto a ser transmitido en la TV (al menos no lo volví a ver) por obvias razones ya expresadas cuando abordé ese espinoso tema.

Baladas Rock: Los "Duros" También Lloran, Volumen 2

La semana pasada inicié un repaso de baladas rock, aún quedan muchas para recordar o presentar si es que nunca las han escuchado. ¿Por qué decidí hacer estos recuentos? La idea surgió de un recuerdo de mi juventud (20, 21 años), cuando en la facultad escuchaba mucha de esta música, pero me gustaba seleccionar lo mejor y pasarlo a una cinta, en ese tiempo no podíamos grabar de cd a cd así que lo grababamos en cassettes. Un amigo, mi mejor amigo hasta el día de hoy, realizó una vez una selección de canciones lentas (muchas se las proporcioné yo), y etiquetó su cinta de audio con el nombre "Lágrimas de Metal", en referencia a que dichas baladas era ejecutadas por grupos acostumbrados al hard rock o música pesada. Hubiera querido usar ese título para este recuento pero es posible que pensaran que sólo estaba relacionado a agrupaciones de heavy metal o rock pesado, y en realidad he tratado de que ese listado contenga baladas interpretadas por bandas de rock de todo tipo. Aún así ese detalle, ese recuerdo fue el que me inspiró a realizar este trabajo. Hoy continúo con 10 temas más:

1) "Here Without You", Three Doors Down: Podría tildarse de canción cursi, como para graficar una escena de telenovela, como cuando el personaje deja ir al amor de su vida o algo similar, pero no por ser tan "dramático" este track carece de calidad, al contrario es una canción que logra lo que se propone desde un principio, conmovernos. Esta banda alternativa surgida en los 90's editó esta balada incluida en su segundo álbum "Away From The Sun" del 2002 y se anotó un hit.

2) "Say Ain't So", Weezer: Los llamados "nerds" del rock alternativo americano dejaron este gran tema en su álbum debut "The Blue Album" de 1994, una balada que no es uniforme, puesto que se vuelve intensa por momentos gracias a las guitarras eléctricas. Hasta el día el trabajo donde está incluida esta canción es el álbum más celebrado de esta banda, y este tema es una muestra del por qué.

3) "Don't Follow", Alice in Chains: Tema que pertenece al EP "Jar Of Flies", que por más que sea un disco corto (sólo 7 tracks) es el mejor trabajo de Alice, con mucha aústica sin perder su esencia hard rock, dentro de las canciones lentas nos presenta el tema seleccionado, que vocalmente se divide en dos partes, la primera realizada por Jerry Cantrell y posteriormente cuenta con la voz del recordado Layne Staley, además de estar acompañados por una armónica de excelente factura que eleva la calidad de la canción.



4) "Ol '55", Tom Waits: Nuevamente he invitado al viejo y querido Tom, con este estilo tan particular, con su tristeza contagiante pero a la vez hermosa y con un piano tan nostálgico que suena tan solitario y desgarrador al igual que el propio Waits. Este tema es el primero de su álbum debut "Closing Time" de 1973, una joya.



5) "I am The Highway", Audioslave: El ahora cantante solista Chris Cornell (la semana pasada compartí algo de su trabajo en solitario) formó esta banda con los ex-integrantes de Rage Against The Machine a excepción de su vocalista. Se esperaba mucho de este proyecto, que editó 3 álbums, pero la calidad fue disminuyendo conforme avanzaban y la relación entre los músicos se fue deteriorando hasta terminar con la banda. De su primer trabajo autotitulado (el mejor de los tres discos) recojo esta buena balada que tiene el sello característico de Cornell, mucha emoción y sentimiento.



6) "Parachutes", Pearl Jam: No podían faltar ellos, de su epónimo álbum editado en el 2006 he seleccionado este bello tema, Eddie Vedder demuestra que no sólo puede ser potente o meláncolico al cantar, también puede despertar ternura.



7) "Secret Garden", Bruce Springsteen: Este track se encuentra incluido en la banda sonora del film "Jerry Maguire" protagonizado por Tom Cruise. En este tema Bruce nos demuestra que él es mucho más que héroe americano del rock, sino que también sabe componer canciones como estas, ya antes lo había demostrado cuando compuso el tema principal del soundtrack de la película "Philadelphia".

8) "Dreamer", Ozzy Osbourne: Nuevamente nos encontramos con "Papá Ozzy", que desde que dejara de formar parte de Black Sabbath incursionó en la composición de temas de este tipo. Este track pertenece al álbum "Down Of Earth" del 2001 una balada que no tiene un contenido deprimente, por el contrario deja un mensaje positivo, soñar y cumplir dicho sueño. Una demostración de que a Ozzy hay que valorarlo por su obra en totalidad y no sólo por arrancarle la cabeza a una paloma con los dientes o hacer el ridículo en la televisión. Ozzy cuando quiere puede llegar al alma.



9) "Bedshaped", Keane: Esta banda inglesa es una de las mejores de este último tiempo y se caracteriza primordialmente por el uso del piano como instrumento principal en desmedro de la guitarra que prácticamente no es utilizada. De su excelente primer álbum "Hope and Fears" del 2004 he seleccionado este track, una canción que más que ser triste es dulce, la voz de Tim Rice-Oxley nos arrulla y envuelve.

10) "Fool to Cry", Rolling Stones: Dejé para el final a estos respetables dinosaurios del rock, sin los cuales el rock no hubiera tenido sentido ni origen. Jagger y compañía sorprenden con este bello tema incluido en su álbum "Black and Blue" de 1976, por un momento de separan de su estilo característico, dejan la diversión y el desenfreno de lado para darnos una lección de como se debe hacer una balada rock.

Aún quedan más "lentas" en el archivo, por ahora disfruten éstas, será hasta la próxima.

Days Of The New: Rock del Autista

Agrupación que se formó en Indiana en 1995, el origen de Days of The New nunca quedará del todo claro, la versión oficial es que el fundador es el músico Travis Meeks (Jefferson, Indiana, 1979) y que reclutó para llevar a cabo su proyecto musical a Matt Taul y Jesse Vest, con ellos comenzó a tocar temas de rock pesado y metal, pero con el tiempo decidieron inclinarse más por un sonido acústico y para lograrlo convocaron al guitarrista Todd Whitener. Es así que luego de algunas presentaciones logran firmar un contrato con la disquera Outpost/Giffen para grabar su primer trabajo que llevaría el nombre de la banda o también conocido como "Orange" en 1997. Este es el primer y único álbum con la formación original de la banda. Posteriormente Travis Meeks decide continuar su camino solo, se habla de conflictos internos que hacían imposible la convivencia dentro del grupo. Lo que sorprendería sería que toda la banda a excepción de Meeks formaría otra agrupación llamada Tantric para lo cual llamaron a otro vocalista. Travis Meeks en cambio continuó con el nombre de Days Of The New, demostrando que lo que él siempre afirmó tenía mucho de cierto (aunque fue negado por el resto de la banda original), el proyecto era de él, tanto así que podía seguir usando el nombre sin ningún problema para lo cual convocó a nuevos músicos. El tiempo parece que le dio la razón a Meeks ya que sus ex-compañeros años después también dejaron Tantric (banda que aún está activa) así que quedaron afuera de dos bandas, parece ser que los ex-DOTN tienen dificultades para convivir con otros músicos. Podríamos concluir que lo que alguna vez deslizó Travis al referirse a sus antiguos músicos como personas celosas y envidiosas de su trabajo no era descabellado. DOTN era prácticamente un trabajo de Meeks, que componía, escribía las letras y asumía la responsabilidad artística.
Travis con DOTN produjo dos discos más, a los que le puso el nombre de la banda seguidos del número que correspondía, es decir II y III, aunque también fueron conocidos como "Green" de 1999 y "Red" de 2001. En esos trabajos también compartió con diversos músicos, (incluida una orquesta) pero ninguno era considerado como miembro estable del grupo.
También lanzó un disco en vivo en el 2004 y un álbum recopilatorio en el 2006, quizás esto último suene exagerado ya que una "banda" joven con sólo tres discos de estudio dispone de muy poco material como para lanzar un disco de grandes éxitos lo que podría parecer pretencioso pero considero que Meeks lanza ese álbum para refrescar la memoria de su antiguo público y que su trabajo no sea olvidado. Él ha estado muchos años en silencio, pero aún así su obra es muy respetada.
Ahora bien, ¿a qué suena DOTN? Si alguna vez han escuchado el magistral álbum de Alice in Chains "Jar of Flies" podrán tener un punto de partida, es una fuente de inspiración ese disco genial de los 90's, ahora bien si desconocen de lo que hablo pues podríamos definir el sonido de DOTN como el protagonismo de la guitarra acústica en la propuesta de Meeks, a su vez que se aprecia la influencia de Layne Staley ( la voz de Alice) al momento de interpretar, una voz que sale de lo profundo, que a veces parece ser nasal, otras veces quejumbrosa, por lo que se notará a lo largo del trabajo de DOTN que Meeks graba su voz en distintos tonos y las hace sonar simultáneamente dando la impresión de que fueran voces distintas.
Pero creo que la característica mayor de DOTN, como le mencioné desde un principio, es el sonido acústico, la guitarra electrica está prácticamente vetada, su presencia se encuentra a cuentagotas en el trabajo de Meeks. Con el tiempo le fue agregando nuevos elementos e instrumentos a su propuesta creando un ambiente muy similar a algunas canciones de Pink Floyd.
Su primer trabajo es sin duda el más conocido, casi totalmente acústico, con una guitarra que por momentos gime al contacto con la yema de los dedos. Ese álbum incluye varias canciones destacadas con el estilo antes descrito, "Shelf in the Room", "The Down Town", "Where I Stand" pero sin duda alguna su gran hit, no sólo del álbum sino de toda su carrera, es "Touch, Peel and Stand", una clásica post-grunge, Meeks eligió inteligentemente el tema con que se dio a conocer al mundo, una gran canción y acertada elección.
Luego el segundo álbum, "Green", es un trabajo donde mantiene la esencia del anterior pero perfecciona su propuesta al agregarle variantes, se atreve a experimentar ya que edita "Enemy" lo que yo considero la única canción que mezcla el grunge con electronic-dance, un tema con el que se arriesgó y salió victorioso. Otro de los puntales de ese álbum es "Weapon & The Wound" donde añade a su sonido característico nuevos instrumentos como el cello, la flauta, y los violines, una excelente canción que yo describiría como música de fondo para un cuento de hadas, pero un cuento muy denso. En este álbum participa en los coros de algunos temas Nicole Scherzinger que en el futuro sería la líder del grupo femenino Pussycat Dolls, paradojas de la vida, algo completamente opuesto a DOTN. Ella tiene una aparición importante bailando en el video de "Enemy".
Por último en su tercer trabajo, "Red", que podría calificarse como el más "rockero" de todos puesto que al fin la guitarra eléctrica se hace un espacio y pide permiso para participar, y no decepciona, destacan en este álbum "Flight Response" que es un tema de gran factura que se inicia con el sonido del trote de caballos lo que crea una atmósfera de fábula. También de ese trabajo resaltan "Hang on This", "Die Born" esta última es sin duda una de las obras maestras de Meeks, una canción acústica perfecta. "Days In Our Life", "Words" y "Fightning With Clay" son los otros tracks destacados y recomendables de este trabajo que es un disco menos oscuro y un poco más rabioso.
Paralelamente DOTN ha participado en algunas bandas sonoras del cine americano (generalmente dirigido al público joven), en "Varsity Blues" interpreta "Two Faces" , también la banda musicaliza el film animado "Heavy Metal 2000" con el track "Rough Day" que es una canción furiosa que se percibe como música de fondo para un enfrentamiento, de un conflicto, se respira violencia, tribus en pie de guerra, es más eso es justamente lo que musicaliza en el film, una excelente canción por su ritmo y contundencia. A su vez participa en el soundtrack de "The Crow Salvation" con el tema "Independent Slaves" , "Godzilla" con "Running Knees" y en el film "Half Baked" con el tema "Season Change".
No puede dejarse de lado que DOTN fue parte del álbum "Stoned Immaculate: The Music of The Doors" interpretando dos temas de esta legendaria banda, "The End" y "L.A. Woman". Fue tan apreciado su trabajo que Meeks fue invitado a participar en un especial televisado "VH1 Storytellers" para cantar al lado de los originales The Doors uno de esos temas, "The End".
Travis Meeks o Days Of The New (como él lo prefiere), es una banda que evoca sonidos del pasado, además de Alice In Chains, Pink Floyd o The Doors también encontramos ciertos rasgos de Pearl Jam y Metallica (en su versión más melancólica), pero se diferencia de ellos por el uso casi exclusivo de un sonido acústico, con algunas excepciones, pero esto no quiero decir que se sea un banda depresiva o de música exclusivamente lenta y triste, es más considero que DOTN no tiene baladas, inclusive muchas veces la guitarra acústica se acelera pero no se distorsiona, lo que sí posee es un sonido denso. Y esa densidad es debido a la personalidad de Meeks que según propia confesión sufrió (o sufre) de un mal similar al autismo, el síndrome de Asperger que se caracteriza por la poca empatía y demostración de emociones de la persona que la padece, aunque es posible que al sufrir de ese mal Meeks haya desarrollado otras aptitudes, quizás por eso dentro de ese mundo propio y muy íntimo fue delineando lo que en el futuro sería su expresión artística, su música. Por eso será extraño que lo veamos sonreir (a excepción del video Enemy donde podrán observar un par de sonrisas, no pidan más), pero sus ojos son sin duda la luz que reflejan sus sentimientos, expresan completamente lo que es él. Además Meeks fue un niño solitario sin amigos que padecía de este cuasi-autismo y de mayor abusó de ciertas sustancias, elementos que sumados crearon una personalidad muy particular, es un ser que se recluye, se encierra en sí mismo, entonces no debe sorprender la densidad en su trabajo, esa oscuridad que lo hace casi único.
Otro detalle que hace diferente el trabajo de Travis Meeks es la gran influencia de la música hindú lo cual le da en muchas ocasiones un sonido más espiritual, reflexivo y de recogimiento. Como verán Meeks sabe perfectamente que su música comercialmente no es la más rentable, que no es fácil de "digerir" por la gran mayoría y a pesar de eso continúa con su propio estilo, lo que genera más respeto hacia su trabajo. Un plus para valorarlo más es la juventud, Meeks comenzó esta aventura con menos de 20 años y ya demostraba que era un artista completo y con mucho talento.
Desde hace dos años tiene pensado lanzar su cuarto álbum, "Purple" o "Days Of The New IV" o "Three Colors" (todavía no está definido) pero al ser una producción propia sin apoyo de disquera aún no tiene fecha fija de salida, añadido al hecho de haber luchado para vencer algunos fantasmas (Travis ha declarado que ahora sí está "limpio") y afrontar sus propios conflictos interiores, todo esto ha ocasionado la demora en el lanzamiento. En el 2007 publicó algunos temas por su página en "MySpace" pero sólo eso. He logrado escuchar el supuesto próximo álbum del que prefiero no comentar nada ya que no existe la seguridad que sea el definitivo, apenas se confirme la edición oficial entonces estará presente en el blog. Esperaré pacientemente que lance ese postergado trabajo (se dice que sería en octubre de este año), porque definitivamente estamos ante un gran exponente musical, ya sea que lo consideren una banda o un solista, siempre me he sentido atraído por artistas introspectivos, que antes de describir lo que ven prefieren dar una mirada en su propio interior, coincidentemente un rasgo muy propio del autismo.
Les dejo unos videos, algunos son oficiales y otros son producto de fans pero son de utilidad para que conozcan y entiendan lo que he descrito.

Shelf In The Room



The Down Town



Touch, Peel and Stand



Enemy, aparición de Nicole Scherzinger (Pussycat Dolls) bailando en el video

Weapon & The Wound



Flight Response



Die Born



Days In Our Life



Fighting With Clay



Seasons Change



Running Knees



The End (Travis Meeks & The Doors)

Baladas Rock: Los "Duros" También Lloran, Volumen 1

No me cansaré de repetirlo, el rock es el género musical más versátil de todos, nos puede llevar desde la emoción a pasar por la rabia, pasión, festejo, alegría, depresión, melancolía, deseo, reflexión, en fin, una suma de sensaciones que sólo las buenas bandas pueden lograr. Esa versatilidad se pone de manifiesto cuando escuchamos la balada rock, pero no cualquiera puede ejecutarla, se necesita cierta sensibilidad además de contar con buenos músicos porque no basta una buena letra sino está encuadrada dentro de música precisa y acorde, y además deber ser interpretada con sólo con la voz sino con el alma y el corazón. Tienen que estar muy bien complementados 3 elementos: letra, voz y música, si uno no está al nivel de los otros podríamos caer en una canción cursi o facilista. Por eso que no ha sido sencillo encontrar canciones idóneas, hay cientos de baladas rock pero pocas alcanzan el nivel deseado. Hoy comienzo con una selección de algunas de estas canciones, tratando de escoger temas que despierten alguna emoción como lo hicieron conmigo en su momento. No sólo tratan de desamor o soledad, pueden ser canciones que tengan también un tinte de esperanza, pero siempre con una melodía meláncolica que crea la atmósfera perfecta. Pasarán por aquí desde músicos consagrados hasta otros que no lo son tanto, eso depende de la generación y de los grupos que estén acostumbrados a escuchar. Empezamos sin ningún orden en particular:

1) "Goodbye to Romance", Ozzy Osbourne: El primer trabajo como solista del gran Príncipe de la Oscuridad "Blizzard of Ozz" de 1980 contiene esta memorable "lenta" y es con la que quiero comenzar este recuento. Este disco fue el más vendido hasta hoy en la carrera de Ozzy, que tuvo como pilar fundamental a Randy Rhoads eximio guitarrista y que fue el gran acompañante de Osbourne. De no ser por él Ozzy no hubiera conseguido el éxito no sólo de este track sino de todo el álbum. Lamentablemente Rhoads perdió la vida en un accidente aéreo en 1982, golpe devastador para Ozzy, ya que Randy no sólo era su guitarrista, era su gran amigo. La balada en cuestión a pesar de crear un ambiente triste nos deja un mensaje esperanzador, de superación de la soledad y los malos momentos.



2) "The Drugs Don't Work", The Verve: Muchos deben pensar todo lo contrario, pero considero a esta banda inglesa muy superior a Oasis, a pesar de ser similares ya que interpretan rock/brit pop, pienso que el mejor disco de ese género es "Urban Hymns" de 1997, el tercer álbum de The Verve, y que fue aclamado con justa razón por la crítica. Un álbum que fue número uno en el Reino Unido no podía dejar de tener alguna balada, y ésta en particular golpea con mucha tristeza y aire de desesperanza, hermosa.



3) "Lightning Crashes", Live: El segundo disco de esta banda de Pennsylvania, "Throwing Cooper" de 1994, a la postre su mejor placa y una de las mejores de aquel año, incluye esta muy buena canción, la vida y la muerte se unen en un mismo acto, el video grafica muy bien la idea central del tema. La mejor canción de Live.



4) "The World I Know", Collective Soul: El mejor trabajo hasta la fecha de la banda de Georgia es su álbum autotitulado de 1995, su segundo y hasta ahora irrepetible disco. Dicho álbum fue el mejor de aquel año, las 11 canciones que contiene este trabajo son perfectas, y era obvio que la balada estuviera presente en esta colección. La voz de Ed Roland sabe sonar dulce cuando se lo propone.



5) "Lost Cause", Beck: Este gran artista alcanzó la fama con su éxito "Loser" de 1994, pero demostró que estaba en otro nivel (al que sólo llegan unos pocos) con su álbum "Sea Change" del 2002, octavo disco en la carrera de este fantástico intérprete que ha experimentado con los más diversos géneros y siempre ha salido airoso. La "leyenda" cuenta que esta canción fue creada luego de que Beck terminara una relación amorosa de 10 años, suficiente motivo para lograr tan bella composición.



6) "Georgia Lee", Tom Waits: Con ustedes el Dios de la Melancolía, la voz aguardentosa, y que a su vez puede ser dulce aunque parezca contraproducente pero es que estamos frente al gran Tom (que ya merecerá un post especial y exclusivo), la balada que comparto está incluida en su 18º álbum "Mule Variations" de 1999. La canción está referida a la desaparición y asesinato posterior de una pequeña que fue encontrada en un bosque, real o ficción, no lo sé, pero cuando Waits canta todo suena tan verdadero que sólo queda escucharlo pero sobre todo sentirlo.



7) "Sunshower", Chris Cornell: El ex vocalista y líder de Soundgarden, Temple Of The Dog y Audioslave nos demuestra que podía salir del sonido duro de los 90's al interpretar esta canción perteneciente a la banda sonora del film "Great expectations" de 1998. Fue un aviso, ya que luego de la separación de Soundgarden nos presentaría su excelente primer trabajo como solista, lamentablemente en este último tiempo su carrera ha caído en las "manos" del productor Timbaland poniendo en riesgo todo lo bueno que ha construido ya que ha perdido mucho de su esencia. Prefiero escuchar lo que ofrecía antes como esta canción, una balada que llega al alma donde explota al máximo esa voz que es de las mejores no sólo de la década pasada sino de la historia del rock. Según los expertos Cornell posee registro de tenor.



8) "Good Enough", Evanescence: Amy Lee, la fundadora y única "sobreviviente" de la agrupación original de esta banda, se luce tanto en voz como en el piano en esta conmovedora balada incluida en "Open Door" del 2006 el segundo álbum del grupo surgido en Arkansas. Amy aprovecha de manera precisa y sin llegar a exagerar la hermosa voz que posee. Una de las mejores canciones de esta banda. Como en el caso anterior aquí también apreciamos una voz virtuosa ya que Amy Lee posee registro de Mezzosoprano o medio-soprano.



9) "Dream On", Aerosmith: No podía faltar en esta primera entrega el primer single que lanzara esta legendaria banda en 1973 perteneciente a su epónimo álbum debut, no sólo fue la canción con la que vieron la luz sino que constituye una balada clásica e infaltable en cualquier recuento de este tipo. De gran calidad no sólo por la gran voz de Steven Tyler sino también por el acompañamiento instrumental en especial del piano. Un grupo que debuta con una canción de tanta categoría está predestinado a triunfar y a marcar época.



10) "Black", Pearl Jam: Líneas arriba dije que esta selección está hecha sin ningún orden en particular, pero dejé para el último mi balada favorita de todos los tiempos, ya la he descrito en el post dedicado a "Ten" el álbum debut de 1991 de esta banda de Seattle. Sólo me queda agregar que es imposible no estremecerse ante esta canción tanto por su letra, música y sobre todo por la sobrecogedora voz de Eddie Vedder, un cantante que sí sabe llegar al público, uno de los pocos que siente lo que canta y lo transmite.



Esta fue la primera entrega, aún quedan muchas más canciones que compartir, como verán los buenos interpretes del rock nos pueden ofrecer temas como estos, no todo es sacudir y mover la cabeza al ritmo de un buen riff, hay momentos en que la melancolía y los ritmos lentos y cadenciosos juegan un papel fundamental al momento de componer ya que a la larga y aunque mucho lo quieran negar los "duros", los rockeros también lloran (lloramos).

"Rabbit", Collective Soul, 2009: Desmembrando al conejo

Siempre he descrito a la banda Collective Soul como el equilibrio perfecto entre el rock y el pop. Tras la muerte de Kurt Cobain muchas bandas se abrieron camino en el difícil mundo del rock alternativo de los 90's, algunas siguieron con la onda depresiva-punk-reflexiva de la generación X, pero hubo otras que retomaron algunos elementos de la década anterior pero sin llegar a copiar el estereotipo. Pero además de ello no podían escapar a contagiarse de las referencias musicales de aquellos momentos, es decir el grunge y los diversos sonidos que trajo consigo la música alternativa. Por eso entonces teníamos bandas que poseían un mixtura de ambas décadas en su música, no hablaban de temas tan "lúgubres" en sus letras (tratando de no seguir con el estigma Cobain) pero a su vez era imposible que eludieran en el aspecto estríctamente musical el sonido de la década, por lo tanto ese tipo de rock era más comercial y más atractivo para los medios. En ese universo de bandas hubo tres que siempre llamaron más mi atención con respecto de otras: Better Than Ezra, Third Eye Blind y Collective Soul.
Hoy hablaré sobre la última en mención y su reciente placa, esta banda surgida en Georgia, Estados Unidos, alcanzó la fama casi de casualidad, ya que el primer sencillo de su trabajo debut "Hints Allegations and Things Left Unsaid" de 1993 fue lanzado a través de una radio universitaria, es así que muchos jóvenes pudieron disfrutar el primer éxito de la banda "Shine" y de ahí vino el salto a la fama y así firmar con la disquera Atlantic (de 1993 a 2000) con la que editaron sus mejores discos.
Su mejor trabajo a la fecha es el autotitulado de 1995, un álbum perfecto, el mejor disco de rock de aquel año, después siguieron dos excelentes placas: "Disciplined Breakdown" de 1997 y "Dosage" de 1999. Su último álbum con Atlantic "Blender" del 2000 ya demostraba un desgaste y cierta falta de ideas. En el 2001 el grupo entra en un momento de incertidumbre y se limitó a publicar un disco recopilatorio y para colmo de males el guitarrista Ross Childress deja la banda, por lo que el líder Ed Roland ya no sólo se debía preocupar de la parte vocal sino también de cargar con todo el peso del aspecto netamente musical y creativo.
La banda decidió producirse así misma y creó la disquera El Music Group con la que lanzaron al mercado sus siguientes trabajos, "Youth" del 2004 y "Afterwords" del 2007, discos que si bien es cierto no tuvieron la acogida de sus predecesores fueron sin duda buenas y frescas propuestas musicales. Además con su propia compañía produjeron el disco acústico "From The Grow Up" del 2005 y el Cd/Dvd "Home" del 2006.
Y así llegamos al disco que nos compete "Rabbit", esta vez habiendo firmado con una nueva disquera, Roadrunner Records, y dejando de lado la independencia, esto le permitiría avocarse más al aspecto musical y dejando que otros se encarguen de lo que respecta a lo meramente comercial es decir de la distribución y forma de venta. "Rabbit" es el típico disco para escuchar de un tirón. Aunque justamente esto le puede jugar en contra, ya que el álbum es muy parejo por lo que es difícil rescatar una canción por encima de las otras. Aún así es un disco amable que se deja escuchar.
Es un álbum con puntos fuertes y flojos, el track de inicio "Welcome All Again" es una marca registrada que utiliza la banda para empezar algunos discos, es decir una canción que comienza con un sonido disperso y que poco a poco va creciendo hasta que todos los instrumentos se complementan sin faltar ninguno. Entre los puntos altos tenemos a "Fuzzy" que es la canción que más me gustó, consta de una melodía contagiante que la hace una canción que despierta positivismo sin llegar a ser cursi o muy pop.
Siguiendo con lo positivo nos encontramos con "You", que posee cierta influencia de balada de los 80's y donde Ed Roland demuestra su gran capacidad al momento de ponerse frente al "mic", voz dulce y a la vez convincente. Otro punto fuerte es "My Days", un tema 100% Collective Soul, ni tan pop ni tan rock, balanceada.
El primer single que lanzó la banda para promocionar el álbum fue "Staring Down" que además constituye el nuevo video del grupo, buena elección, es la canción más "radiable" y vendible del disco.
"Lighten Up" es otro track respetable que encajaría como canción post-grunge, es sin duda el tema más rockero de este trabajo.
Y no podía faltar la balada en un disco de CS, "Hymn For My Father" es una bella melodía muy a lo Elton John, reconocida influencia del grupo, y esto se aprecia claramente en el papel que juega el piano en la canción.
Entre los puntos flojos tenemos a "Dig" una canción muy insípida y sin mucho peso que al menos mejora cuando dejan que la guitarra haga lo suyo. "Understanding" hubiese sido un muy tema canción si no fuese por esos cambios de ritmos que afectan la armonía.
Donde la banda sí se da cara contra el suelo es en "She Does" y "Love", en ambas canciones se percibe cierta repetición con relación a otros tracks, se vuelven predecibles, sin sorpresa, es el riesgo que se corre cuando un disco es tan uniforme como éste, nadie se ofendería si no los incluían en este trabajo, completamente prescindibles.
En conclusión estamos frente a un disco regular, para pasar un buen rato, escucharlo entre amigos aunque carente de densidad y poco reflexivo. Al ser un disco plano será difícil que causen suceso con este trabajo, quizás los pueda salvar "Fuzzy" o el video de "Staring Down", pero "Rabbit" ni por asomo se aproxima a lo mejor que a hecho esta muy buena banda, aún así son más los pros que los contras de este álbum, así que denle una oportunidad. Sigo pensando lo que expresé al inicio de esta entrega, CS es sinónimo de equilibrio entre el pop y el rock, con los consiguientes riesgos que eso conlleva, pero son los mejores en ese ámbito. Como verán queda una sensación contradictoria, me agrada el trabajo pero a su vez siento que pudo ser mucho mejor.
Un detalle que no es menor es que en este nuevo álbum se produjo la salida del batero Ryan Hoyle para dar paso a Chenney Brannon (ya es el tercer baterista), esto no es un dato menor porque así se podrían entender los altibajos del disco.
Para que tengan una idea de este nuevo trabajo de CS comparto los 3 tracks que más me agradaron, donde está incluido el nuevo video oficial.


Staring Down @ Yahoo! Video

Covers: "RE"interpretando una canción (II)

En una publicación anterior compartí varios covers que reinterpretaban a la canción original y le aportaban nuevos sonidos. Dejé pendientes más versiones que aquí les traigo:

1) "Billie Jean", Chris Cornell: El ex-lider de Soundgarden y Audioslave le imprime un aire meláncolico a la clásica del recientemente fallecido Rey del Pop. Una versión algo bizarra que no se parece en nada a la original pero no por eso deja de ser apreciable y creo que en este momento en que el mundo de la música supera la muerte de Michael Jackson, este cover puede ser tomado como un buen homenaje. El cover pertenece al álbum "Carry On" del 2007.





2) "American Woman", Lenny Kravitz: La canción himno de The Guess Who, un grupo que demostraba una vez más que Canadá también era tierra de grandes músicos, recordemos sino a Neil Young. Kravitz realiza un cover bastante bueno que tuvo acogida hace 10 años, manteniendo la onda rock del original. Aún hoy es recordada esta versión como de lo mejor que ha editado Lenny.





3) "Tuesday's Gone", Metallica: Una canción extensa y buena a la vez, esa onda de rock con mezcla de country muy en boga en los 70's tuvo uno de sus puntos máximos en esta canción. Metallica en su álbum de covers "Garage Inc." de 1998 nos presenta una excelente versión acústica que cuenta con invitados ilustres como Les Claypool (líder y bajista de Primus), Jerry Cantrell (fundador y guitarra principal de Alice in Chains), John Popper (voz y armónica de Blues Traveler), Pepper Kennan (vocalista y guitarrista de Corrosion of Conformity) y por si fuera poco contó con la participación de Gary Rossington de Lynyrd Skynyrd que fue uno de los co-autores de la letra original.





4) "Love Reign O'er Me", Pearl Jam: Pieza fundamental de la opera rock "Quadrophenia" obra maestra de The Who, sólo un grupo podría realizar un cover a la altura de las circunstancias, gracias a la desgarradora voz de Eddie Vedder, Pearl Jam logra el mejor cover que se haya realizado de una canción de The Who. Y para demostrarlo el video corresponde a la interpretación de PJ en el tributo que se le realizó a la banda inglesa. La versión de estudio pertenece al soundtrack del film "Reign O'er Me" estelarizado por Adam Sandler y que no es una comedia (podría pensarse eso por su protagonista) sino una película dramática.





5) "Careless Whisper", Seether: La canción que significó el primer escalón para alcanzar la fama al siempre polémico George Michael cuando aún formaba parte del grupo Wham! recordada banda británica de pop de los 80's. Seether realiza un versión hard rock donde el grupo de grunge sudafricano amplía ese espectro para que este tema sea escuchado por nuevas generaciones y le da una vuelta de tuerca un clásico ochentero.





6) "Another Brick In The Wall", Class of '99: Qué se puede decir de esta canción que ya no haya sido comentado. Quizás el más popular tema de Pink Floyd, perteneciente al álbum (y película) "The Wall". No habido cover que supere o se acerque al original, Korn lo intentó por ejemplo, pero hoy rescato un cover de los más dignos realizado por un grupo que sólo se formó para interpretar dicha canción como parte de la banda sonora del film "The Faculty", Class of '99 estuvo compuesto por Layne Staley de Alice in Chains en la voz, Tom Morello de Rage Against The Machine en la guitarra, Stephen Perkins de Jane's Addiction en la batería, Martyn LeNoble bajista de Porno Pyros y el productor musical Matt Serletic en los teclados.





7) "N.I.B.", Ozzy Osbourne & Primus: Se podría decir que estamos ante un "autocover", Ozzy realiza una autoversión del tema que tocara con Black Sabbath en el disco debut de la banda del mismo nombre. Un álbum que cambiaría la manera de escuchar música, el Heavy Metal nacía de la mano de esta banda inglesa. Para el cover Ozzy colabora con la banda americana Primus liderada por Les Claypool, ya en un cover anterior apreciamos una participación del músico al lado de Metallica pero esta vez el peso de la canción recae en él y su magnífico bajo.





8) "Rusty Cage", Johnny Cash: En 1991 Soundgarden edita su álbum "Badmotorfinger", un disco que junto al "Ten" de Pearl Jam y el "Nevermind" de Nirvana fueron los iniciadores del movimiento grunge. En 1996 Johnny Cash versionó este tema para su álbum "Unchained", se trata de un cover que cambia completamente la estructura original de la canción dándole un toque acústico típico del country que Cash tan bien sabía interpretar.





9) "Beat On The Brat", U2: El álbum debut y epónimo de Ramones en 1976 es simplemente un disco básico para entender el movimiento punk neoyorquino. Un álbum lleno de temas rápidos y efectivos, el comienzo de la historia de una de las bandas más influyentes del rock. Por eso mismo cuando en el 2003 se editó el tributo a esta banda llamado "We're a Happy Family" las versiones tenían que ser interpretadas por agrupaciones a las que no les quedara grande la encomienda, así tenemos a Red Hot Chili Peppers, Green Day, The Offspring, Eddie Vedder, Metallica, Tom Waits, The Pretenders, Kiss, Rob Zombie, entre otros. De ese álbum hoy he escogido la versión que U2 preparó para la ocasión, donde le añaden a "Beat on The Brat" esa onda "sensual" en la parte vocal a la que Bono nos tiene acostumbrados, pero respetando el sonido original, un buen cover.





10) "Wonderwall", Cat Power: La clásica de Oasis incluida en el álbum "(What's the Story) Morning Glory?" de 1995 fue versionada (sobre todo en vivo) por muchos artistas, pero sí hay alguien que realmente le pone algo nuevo y propio a la canción es nada menos que Cat Power, la dulce y profunda voz de la princesa del indie calza perfecta para realizar una interpretación de calidad.





Por hoy es todo, pero hay material para más, así que este tópico aún no está cerrado, creo que siempre sobre esta materia habrá algo nuevo o que quedará pendiente, hasta la próxima entonces.