Perú en los 80's: Rock post-dictadura

En 1980 comenzaba una nueva etapa en la historia del Perú, tras muchos años de dictadura militar el país transitaba por un período de cambio. Esto no iba a ser fácil, durante el nefasto lapso que duró el gobierno militar (1968-1980) la libertad de expresión se vio seriamente restringida, en otras palabras, no la hubo. Esto no sólo afectó a los medios de prensa sino también a las expresiones culturales, en especial la música.
Pero cuando Fernando Belaúnde asumió el poder en 1980 muchas puertas se abrieron y en especial la juventud comenzó a expresarse libremente y a disfrutar de momentos que antes no podía. Aunque esa década también tuvo su momento crítico con el primer gobierno de Alan García donde se implantó el toque de queda como una de las tantas medidas para enfrentar al terrorismo, y si a esto le sumamos que el Perú afrontaba una hiperinflación inmanejable pues estabamos frente a una coyuntura tan díficil como la de la década anterior. De soportar una dictadura pasamos a la lucha (y al miedo) contra el terrorismo y a la crisis económica.
Aún bajo esas circunstancias la juventud encontró diferentes maneras de expresarse, se produjo mucha música de la más variada sobre todo en el género que aquí nos interesa, el rock. Yo era muy pequeño pero recuerdo nítidamente mucha música de aquellos años, estaba hecha para divertirse aunque también presenciamos una marcada presencia del movimiento subterráneo que alzaba su voz de protesta con letras más ácidas y menos complacientes
Fueron años de liberación y de expresión al máximo, mucha de la música que se produjo en el país estaba influenciada por las tendencias del rock europeo (sobre todo el español) y el rock argentino, en cuanto a la movida "subte" y underground era evidente que tomaban sus referencias del punk americano y británico.
Aquí haré un pequeño repaso de algunas de las bandas que más recuerdo y otras que por su importancia en la escena local son parte fundamental en la historia de rock peruano.

1) Frágil: Fue la primera referencia que tuve sobre nuestro rock, lo primero que escuché, cómo no recordar su "Avenida Larco" aquel himno de la juventud que salía a divertirse los viernes por las noches en aquella concurrida avenida limeña. "Hoy es viernes sangriento, aquí pronto habrá movimiento" . El grupo hasta ahora sigue vigente y es la piedra angular del rock ochentero del Perú.



2) Dudó: Otra banda que recuerdo con cariño, un grupo sencillo que sólo quería que apreciarán su música. Tuvo muchas y altas y bajas por lo que nunca se pudo consolidar. Tenían una marcada influencia del rock-pop español de los 80's. A principio de los noventa resucitaron haciendo temas para equipos de fútbol pero no repitieron el suceso que tuvieron en la década anterior.



3) Imágenes: Antes que Diego Bertie se convirtiera en un reconocido actor internacional incursionó en la música que es sin duda su otra gran pasión. Con su grupo Imágenes logró dos hits a finales de los 80's, "Caras Nuevas" y "Los Buenos Tiempos". Tenían un estilo muy similar al de Miguel Mateos.



4) Micky Gonzáles: Un precursor, siempre renovándose y experimentando, fusionando el rock con otros ritmos. Un innovador, que rescató sonidos de la sierra y selva peruana y los mezcló con el rock. Pero también notamos influencias del rock español y argentino, Micky siempre supo escoger bien que músicos lo acompañaban, como por ejemplo en el video que comparto donde podemos apreciar en la batería a Pelo Madueño, todo un talento consagrado en la actualidad en su carrera como solista. Micky hasta hace poco se dedicó a interpretar música electrónica pero en este último tiempo está volviendo a lo que mejor sabe hacer, el rock.



5) Feiser: ¿Alguien quiere recordar como era Alamo Pérez Luna? Bueno aquí tenemos al hoy polémico periodista casi irreconocible hace más de 20 años. Influencias de Soda Stereo y de G.I.T. encontramos en esta agrupación.



6) Danai y Pateando Latas: Una cantante chilena (ya fallecida) que quería mucho al Perú ya que vivía aquí desde 1974 fue la cabeza visible de este grupo con influencias de Mecano y de otros grupos de la época.



7) Río: Toda una institución del rock peruano, un grupo que se mantiene más de 25 años en escena demuestra que no es cualquier "bandita del montón". Tiene un legado de divertidas y ocurrentes canciones que deleitaron (y lo siguen haciendo) a toda una generación.



8) Narcosis: Aquí entramos al terreno "subte", una leyenda del punk peruano integrada por tres buenos músicos de los cuales dos lograron alcanzar la fama mucho después. Narcosis estaba compuesto por Wicho García (vocalista actual de Mar de Copas), el ya antes mencionado Pelo Madueño y Fernando Vial. Parádojicamente tanto Wicho como Pelo obtuvieron el éxito haciendo música completamente distinta, pero nos quedan buenos recuerdos.



9) Leusemia: Palabras mayores del rock subterráneo peruano, banda de culto, liderados por Daniel F, un gran poeta callejero. La banda recién encontró su rumbo en los 90's pero ya desde la década anterior con su primer álbum habían dado muestras de que estabamos frente a una pieza fundamental para entender el movimiento del Rock en el Perú. En esta oportunidad la canción que comparto no es precisamente de la decada de los ochenta ya que el material de aquella época quizás no se aprecie como debería ser, pero el espíritu es el mismo en esta banda que aún hoy deleita a sus fieles seguidores.



10) G3: Volviendo al punk no podíamos dejar de mencionar a un referente ineludible en la historia del rock peruano, el grupo lo integraban Gonzalo Farfán, Gabriel Bellido y Guillermo Figueroa, todavía mantiene cierta actividad y se reúnen para presentarse y recordar lo mejor de su música.



11) Jas: No se puede evitar la comparación con Soda Stereo, en especial en el aspecto vocal muy similar a Gustavo Cerati, por lo demás podemos apreciar un buen rock fusionado con algo de punk y ska. Sorpresa mayúscula cuando se informó que el líder y guitarrista Sergio Cava ya no "existía", sucedió que tras un cambio de sexo se convirtió en Fiorella Cava y aún así Jas se volvió a reunir para grabar un nuevo álbum con su ahora "nueva" vocalista.



12) Autocontrol: Jorge Baglietto estaba al frente de esta banda que no sólo contaba con músicos peruanos sino también norteamericanos lo cual hacía que su sonido fuera más variado por las diversas influencias que tenía cada integrante.



13) Chachi Luján: Cantante venezolano radicado hace muchos años en el Perú, antes de ser solista había pertenecido a bandas como "Telegraph Avenue" y "Dr. No". Hoy pocos lo recuerdan, valga la oportunidad para hacerlo entonces.



14) Censura X: Me recuerda mucho a la segunda etapa de los Abuelos de la Nada, vocalmente es similar a los inicios de Andrés Calamaro y musicalmente tiene mucho del pop-rock español tan de moda en esa época.



15) Arena Hash: No podía terminar este recuento sin dejar de mencionar a esta banda de grata recordación, a pesar de que sólo editó 2 discos (el primero a fines de los 80) fue un grupo que marcó y muy fuerte a toda una generación, integrada por los hermanos Pedro y Patricio Suárez Vértiz, Arturo Pomar Jr. y Christian Meier, de los cuatro integrantes dos de ellos han alcanzado la fama aunque sólo uno en la música, ese es Pedro, ya que Meier prefirió la actuación, y mal no le ha ido no?



Como verán hay para todos los gustos, una época que se caracterizó por un rock diverso, en algunos casos se aprecia el uso del sintetizador como denominador común, y en las bandas punk notamos mucha fuerza, rabia, y contundencia. Eran grupos que originalmente no tenían demasiadas pretensiones, en algunos casos con videos muy pobres, de bajísimo presupuesto y calidad, pero eso no importaba, la idea era divertir a una generación y ¡vaya que lo lograron!

Pearl Jam, Ten: 18 Años de Leyenda

En uno de mis primeros posts traté sobre el origen de la "Perla de Rock", por lo que hoy seré lo menos repetitivo posible.

Es obvio que el origen de esta banda está necesariamente relacionado a su opera prima "Ten", álbum que salió a la venta bajo el sello Epic de Sony un 27 de agosto de 1991, hace exactamente 18 años. Debutar en el mundo del rock con un trabajo así puede marcar el rumbo de una banda, sea para bien o para mal. Porque si alguien produce un excelente álbum como primer trabajo las exigencias para continuar en ese sendero serán muy fuertes, considero que este álbum marcó la carrera de Pearl Jam para bien. Al principio parecería todo lo contrario ya que como el mismo líder de la banda Eddie Vedder admitiría, le era muy difícil manejar la fama repentina que trajo consigo el disco. El grupo desapareció del ojo público por muchos años, pero a pesar de eso siguió siendo respetado y seguido por millones de fans. Prácticamente se convirtió en una banda de culto ya que en sus 3 trabajos posteriores no se hicieron videos que pudieran ayudar a la promoción de dichos discos y aún así la banda se ganó un sitial en el mundo del rock que aún hoy mantiene.

Pero si hablamos de Ten, sí tenemos material visual, y no sólo por los 4 videos oficiales sino también por las constantes apariciones en los medios en especial en la cadena MTV donde Pearl Jam apareció en 2 ediciones de los VMA de 1992 y 1993, ganando en esta última varios premios por Jeremy entre ellos el de video del año.

En mi opinión la grandeza de Ten se manifiesta en el MTV Unplugged. La cadena musical llevaba años haciendo este formato de presentar artistas consagrados en sesiones acústicas. Quizás PJ fue la excepción a la regla ya que MTV los invitó a realizar la sesión acústica a pesar de que se trataba de una banda joven con sólo un álbum en su haber. Era obvio que se habían percatado del impacto del disco y de sus ventas, se calcula que sólo en USA se vendieron 12 millones de copias. El resultado fue excelente y es hasta ahora uno de los MTV Unplugged más recordados.

Ten fue producido por Rick Parashar, uno de los más prolíficos productores musicales de los 90's, a él le debemos discos memorables como Temple of the Dog (1991), Sap de Alice in Chains (1992) y Blind Melon (1992). El le dio forma y orden a las canciones que el grupo ya tenía preparadas, les brindó esa atmósfera "grunge" alternativa pero a su vez mezclada con reminiscencias del rock de los 70's, mucha influencia "zeppeliana".
Debe ser uno de los pocos álbums que se comenzó a elaborar antes de que siquiera la banda estuviera unida o que los integrantes se conocieran esto es cuando llegó a las manos de Eddie Vedder el "Mamasan" una maqueta con 3 canciones (Once, Alive y Footsteps) a las cuales él le puso la voz y bueno lo demás es historia conocida. Cuando ya la banda estuvo conformada la composición de los temas fluía con mucha facilidad.
Canción por canción el disco no tiene pierde para los amantes del buen rock, este trabajo se inicia y termina de la misma manera, con el mismo sonido, me refiero al famoso Master Slave un track de ritmo hipnótico, un extracto de dicho tema es lo primero que escuchamos en el disco, y a su vez el track completo está oculto después de la última canción. Cada track es una historia diferente, y si algo se destaca es la no utilización de la misma temática en todo el álbum, sino muy por el contrario es un disco versátil, con 11 historias con las que cualquiera se puede identificar.

1) Once: Al borde de la locura, la historia de un hombre que no sólo es una amenaza para los demás sino para sí mismo: "Tengo una bomba en mi cabeza que va a explotar. Tengo un calibre 16 bajo mis pantalones, yo juego..."



2) Even Flow: La locura graficada en uno de tantos personajes que duermen en la calle, viven de la limosna y que vemos todos los días, pero no sabemos que hay en "su mundo": Flujo contínuo, pensamientos que vienen como mariposas. No lo sabe, así que corre detrás de ellos. Algún día, comenzará su vida otra vez, otra vez, otra vez...

3) Alive: Puede decirse que es una canción casi autobiográfica de Vedder, donde supo utilizar los traumas de su infancia para crear una historia, un joven al que su madre le confiensa que el que él consideraba su padre en realidad no lo era, y a partir de ese momento se ve obligado por ella a ocupar el lugar del padre ausente, la historia de una revelación: "Hijo, dijo ella, tengo una pequeña historia para ti, el que pensaste que fue tu padre.. fue nada excepto un... Mientras estabas sentado en casa, solo a los 13 años, tu papá estaba muriendo, siento que no le conocieras, pero estoy contenta de que habláramos..."

4) Why Go: La incompresión frente a un problema, una joven con aparentes problemas de adicción (lo más probable es que esté referido a una amiga de Vedder) que era maltratada por su propia madre y que en lugar de apoyarla la trató como a una loca desquiciada hasta al extremo de internarla y hacerle pasar los peores tormentos: "Ella parece ser fuerte, pero ellos quieren que sea débil, ella podría pretender que todo está bien, ella podría entrar al juego... Ella podría ser otro clon... ¿Para qué ir a casa?"



5) Black: Desamor, amor no correspondido, dolor, el seguir amando a pesar de que no te aman, y no obstante desearle lo mejor a esa persona que ya no está a tu lado, poesía pura de Vedder: "Sé que algún día tendrás una vida hermosa, sé que serás el sol en el cielo de alguien más, pero por qué, por qué no puedes serlo, por qué no puedes serlo en el mío..."



6) Jeremy: La historia real de un joven que se suicida frente a sus compañeros de clase cansado de las burlas de estos y de la incomprensión de sus padres, una amarga soledad que le hace crear su propio mundo aunque nunca pudo escapar de su fatal destino, el video recibió muchos premios y reconocimientos, entre ellos video del año en 1993: "Papá no le dio afecto y el chico se convirtió en algo que a mamá no le gustó enseñar. Rey Jeremy, el malvado mandaba en su mundo"



7) Oceans: El homenaje de Vedder al mar, su segundo habitat, donde practica surf y puede sentirse él mismo, su espacio ideal: " Océanos, sujétate a la cuerda, las corrientes van a crecer
arrástrame hacia ellas... Sabés que hay algo allí, y todo estará permitido la proxima vez, la próxima vez que nos toquemos..."



8) Porch: Ruptura de una relación, un espacio vacío tanto en lo físico como en el emocional, no es fácil dejar a alguien atrás: "Oye mi nombre, arréglate, este podría ser el día, toma mi mano, miente conmigo... sé que nunca mas volveré a tocarte, abrazarte, sentirte, nunca abrazarte, ¡nunca mas!"



9) Garden: Amargura, inconformismo, sentirse rodeado de miseria, un cuestionamiento al modo rápido en que se "tiene" que vivir y que afecta a las relaciones humanas: "La interpretación del ojo, tan engañosa, la perversión del alma, nauseabúndamente rápida, no cuestiono nuestra existencia, cuestiono nuestras modernas necesidades"



10) Deep: Difícil de interpretar, podría decirse que habla sobre la vejez, o a la sensación de no encajar para anada en el mundo en que se vive, el deseo de no seguir viviendo, muerte, suicidio, es una letra muy abstracta dentro de una canción rabiosa: "Sobre la frontera de un pueblo ignorante, sintiéndose completamente superior, le llegó la vejez, para el cielo él simplemente no es nada, pero tiene una gran vista y hunde profundo el cuchillo... no puede tocar el fondo..."



11) Release: Emoción a flor de piel, Eddie le dedica este tema al padre que no conoció, en realidad si lo había visto alguna vez pero le había sido presentado como otra persona, como un "amigo "de su madre, cuando supo la verdad él ya había muerto, en el audio que comparto está también incluido el Master Slave el track escondido: "Querido padre, puedes verme ahora, soy yo mismo, parecido a ti de alguna manera, voy a montar la ola adonde me lleve, voy a soportar el dolor, libérame."



*) Master Slave (Track oculto)



En resumen estamos frente a un gran disco, quizás el más importante de los 90's porque significó un cambio, no sólo en el sonido sino en la actitud del rock, el glamour y las canciones románticas de los 80's terminaban para dar paso a una generación que tenía cosas que decir y que no se sentía conforme con el mundo en que vivía, donde no todo era bello, por el contrario se respiraba un ambiente depresivo típico de la llamada Generación X y quizás esa tristeza y oscuridad trajo consigo musica genial como ésta.
Cabe señalar que este año Ten fue reeditado, esta vez producido por Brendan O'Brien, el mejor productor que ha tenido la banda. Esta reedición es de lujo y cuenta con el disco original más el disco remezclado por O'Brien agregándole temas que no fueron parte del disco original. Así también consta de la cinta con la grabación del Mamasan. También cuenta con una edición en disco de vinilo, algo característico de PJ.
Después de este disco PJ siguió produciendo muy buenos trabajos, se afirmaba que nunca igualarían al Ten, eso mismo pensaba yo hasta que vio la luz el Vitalogy.
Hoy Ten cumple 18 años, la mayoría de edad, aunque valgan verdades este disco ya era "grande" desde que nació.

Covers: "RE"interpretando una canción (I)

El cover es la mejor forma de recordar una canción olvidada, de homenajearla, o simplemente darnos a conocer algo que ni sospechabamos que existía.
Muchas canciones son versionadas por ser hits inolvidables pero también existen temas que no trascendieron por diversos motivos pero que al ser interpretados por nuevos artistas alcanzaron el valor que merecían.
Hay covers y covers, unos que simplemente son una copia del original y no aportan nada nuevo, otros que son una falta de respeto para la canción y no hacen más que dañarla, pero también tenemos los covers de verdad en los que los intérpretes o bandas le ponen el toque personal y distintivo lo que hace que la nueva versión sea una verdadera reinterpretación.
He seleccionado algunas de esos covers que compartiré en esta entrada y en una próxima entrega y que encajan en la descripción del párrafo anterior. Pondré la versión original y su respectivo cover para que hagan la comparación y saquen sus conclusiones.

1) Cake, "I Will Survive": Esta banda californiana alcanzó la fama en 1996 por esta versión del clásico tema interpretado por Gloria Gaynor a fines de los 70's. Se aprecia en la canción los famosos solos de trompeta que han caracterizado a Cake durante toda su carrera.





2) Fuel, "Daniel": Muy buena versión acústica del tema que Elton John lanzará en 1973. La versión del 2003 de Fuel incluida en su placa "Something Like Human" contiene un espíritu más triste que la versión original (que es más rítmica), el cover se apoya en la guitarra y en la voz de Bret Scallions (vocalista de la banda hasta el 2006), elementos que son perfectos complementos para la desgarradora letra.





3) Johnny Cash, "Personal Jesús": Cash reinventó el tema de Depeche Mode de 1989. El cover está incluido en su álbum del 2002 "American IV". En la última etapa de su carrera y de su vida el gran Johnny decidió realizar covers de canciones que eran de su agrado pero dándole ese toque especial que sólo Cash era capaz de otorgarle.





4) Limp Bizkit: "Behind Blue Eyes": Aunque no llega a superar a la versión original, Fred Durst en el 2003 incluyó este cover en su álbum "Results May Vary" y consiguió que el tema de The Who de 1971 fuera escuchado por nuevas generaciones.





5) Pantera, "Planet Caravan": Los padres del metal homenajeados por uno de sus hijos. Black Sabbath lanzó esta canción en 1970, la versión de Pantera de 1994 que pertenece a su disco "Far Beyond Driven "es muy similar a la original pero tiene el sello inconfundible de la guitarra del desaparecido "Dimebag" Darrel y, como no, la voz de Phil Anselmo que le da una atmósfera diferente a la que tenía con Ozzy. Ambas versiones son imperdibles.





6) Sparklehorse & Thom Yorke, "Wish You Were Here": Para muchos el mejor tema de Pink Floyd, perteneciente al álbum del mismo nombre de 1975. Que mejor que Yorke (Radiohead) para ponerle la voz a la hermosa melodía que interpreta el grupo Sparklehorse. En realidad más que un grupo se trata del músico Mark Linkous que se encarga prácticamente de todos los instrumentos. No pudo elegir mejor al intérprete del cover.





7) Shinedown, "Simple Man": Esta debe ser una de las mejores canciones acústicas que escuché en mi vida, original de Lynyrd Skynyrd, fue uno de los himnos de esta extraordinaria banda que pudo llegar a ser mucho más legendaria sino fuera por un maldito avión. La banda alternativa Shinedown realiza un cover muy digno en su álbum "Leave a Whisper" del 2004.





8) Collective Soul, "Jealous Guy": John Lennon demostró con este tierno tema (y con muchos otros más) que no sólo era un "Beatle", era mucho más, un poeta que aún extrañamos. Collective Soul, banda relativamente joven pero muy sólida, realizó un muy buen cover de este tema en el disco tributo a John llamado "Working Class Hero" de 1995.





9) Stone Temple Pilots, "Dancing Days": Hace muchos años , casi 15, cuando se lanzó el álbum "Encomium" en 1995, las críticas llovieron para este disco tributo a Led Zeppelin, se decía que a algunos el "encargo" les había quedado muy grande, cabe señalar que en la versión para el mercado hispano incluyeron a Maná (!!??). Pero si hubo una canción que destacó fue la versión de Stone Temple Pilots, que le cambió la atmósfera a la clásica "Dancing Days" dándole un sonido más acústico y de calidad.





10) Eddie Vedder & Zeke, "I Believe in Miracles": Quién mejor para rendirle tributo a uno de los íconos del Punk. La relación entre Ramones y Vedder data de muchos años, y es tan importante que para la última canción que tocó en público el legendario grupo invitó a Eddie para que los acompañara. Nunca más los Ramones pisaron un escenario y Vedder fue parte de ese momento histórico. El tema elegido ya es parte del repertorio de Pearl Jam en muchos de sus conciertos y siempre que lo presenta Eddie hace referencia a sus ya fallecidos amigos (en especial a Joey y Johnny Ramone). En este cover Eddie es acompañado del grupo punk Zeke, muy buena y contundente versión incluida en el álbum tributo "We're a Happy Family" de 2003.





Para una próxima entrega prometo la segunda parte esperando no haberlos defraudado con esta primera selección.

Woodstock: 40 años no es nada

Participar en la guerra de Vietnam debe haber sido uno de los peores "errores políticos" cometidos por los Estados Unidos. Se involucró innecesariamente en un conflicto en el que no tenía nada que hacer y, es más, terminó pagando muy caro aquella terrible "equivocación". Pero en realidad los que sufrieron las funestas consecuencias fueron los miles de jóvenes enviados a morir a ese recóndito territorio asiático. A las autoridades que estaban al mando del país poco o nada les podía importar eso, ya que si Estados Unidos decidió participar en esa guerra no era por un afán de salvaguardar el orden internacional, la verdadera razón era meramente ecónomica, existían demasiados intereses creados, recordemos que en toda guerra algunos (muy pocos pero muy poderosos) se benefician ecónomicamente si su país (sobre todo si es una potencia) participa en una guerra. Pero ese es otro tema.

Durante los 60's el mundo vivía una revolución social, los jóvenes que estaban en contra de que su país participara en la guerra manifestaban abiertamente, muchos se negaron a servir en el ejército no por miedo a morir por su patria sino a manera de protesta por lo que consideraban una matanza de sus propios compatriotas al enviarlos a una guerra en plena selva asiática donde las posibilidades de subsistir eran escasas, eso sumado a que muchos de los soldados americanos eran muy jóvenes sin experiencia en el ámbito militar, ir a la guerra era ir a morir. Es por eso que la juventud americana se rebeló, cansada de guerras, conflictos, muertes y la indiferencia de los que estaban al mando ya que estos no eran los que tenían que proteger su vida tras una trinchera sólo daban órdenes y enviaban gente a "morir por la patria".
Era 1969, una década plagada de cambios estaba por concluir, una década no sólo de "amor y paz" como precepto principal sino también de liberación, de cambio de mentalidad, de apertura, fue para muchos la década más revolucionaria del siglo XX.

En esas circunstancias se produjeron diversas manifestaciones en contra de la guerra y a favor de la paz mundial, pero hubo una que realmente marcó a esa generación y fue una manifestación musical y cultural y que podría decirse marcó el fin de una era. Se pensó originalmente en organizar un festival musical que tuviera como base un mensaje de amor y paz. Dicho evento estaba pensado para la asistencia de no más de 50 mil personas en Woodstock, New York, pero los organizadores no consiguieron los permisos para realizarlo en aquel lugar además de la negativa de la comunidad de que se realizara allí el concierto, así que lo trasladaron a la Granja Yasgur ubicada en Bethel, lugar que no era tan cercano a Woodstock.
Si uno analiza el festival en el aspecto de organización fue realmente un caos, no contaban con la debida seguridad para los asistentes, pusieron a la venta las entradas, que según se dicen superaban las 100 mil (originalmente esperaban vender sólo 50 mil), pero el problema se presentó cuando en algunas radios locales se propagó la noticia de un concierto gratuito en el que se presentarían grandes estrellas de rock. Y sucedió lo lógico, miles y miles de personas llegaron, se calcula que al festival al principio asistieron un millón de personas de las cuales 500 mil se quedaron los 3 días que duraba éste (del 15 al 18 de agosto) y de ellas sólo 125 mil habían adquirido entradas.
El festival fue organizado por 4 jóvenes, hijos de padres acomodados que no sabían que hacer con su dinero pero que tenían la intención de realizar un evento en favor de la paz, y así contando con el apoyo de un ejecutivo de una casa disquera decidieron organizar un festival contracultural donde los asistentes no sólo disfrutarían de música sino también de diversas expresiones artísticas. El terreno donde se realizó el concierto era muy amplio, cerca de la carretera, con acceso a luz y agua.
En ese ámbito la juventud se expresaba libremente en todos lo aspectos, sin restricción, ni límites, drogas, alcohol, sexo (o como lo llamaban "amor libre"), no había nadie que los restringiera. Quizás para los detractores del evento esto último es lo que desvirtuaba el festival, los que denostaron a Woodstock se referían a éste como una interminable fiesta de la depravación, pero no analizaron más allá, no se daban cuenta que además de todo eso la juventud expresaba su hartazgo a la violencia y a la guerra y por si fuera poco fue uno de los más extraordinarios (por no decir el mejor) concierto de rock de todos los tiempos. Las figuras que allí se presentaron son parte de la historia grande el Rock y la lista fue amplia y de calidad, entre los más destacados tenemos a: C. C. Revival, Crosby, Stills, Nash & Young, Joe Cocker, Grateful Dead, Jimi Hendrix, Janis Joplin, The Jefferson Airplane, John Sebastian, Santana y The Who.
El momento más espectacular de aquellos 3 días fue la entonación del himno nacional de los Estados Unidos interpretado con maestría por Hendrix y su guitarra eléctrica, así también son muy recordas las presentaciones de The Who, y en particular la interpretación de un joven Carlos Santana que impulsó su carrera a límites inimaginables gracias a su participación en el festival.
Lo mejor del concierto quedó registrado en el documental dirigido por Michael Wadleigh y que contó con la colaboración de Martin Scorsese estrenado en 1970 y que ganó un Oscar en su categoría.
Se hicieron otros "Woodstock" a través del tiempo para celebrar y conmemorar el original, los que más destacaron fueron los de 1994 y 1999, pero a pesar de la calidad de los artistas que allí se presentaron la esencia del festival se había perdido, estos festivales posteriores se realizaron con un mero fin comercial. Recordemos que Woodstock nace como una protesta, como la respuesta a la guerra, a la violencia, al mal gobierno, fue el modo en que la juventud se hizo escuchar, dijo lo que pensaba y sentía.
En la actualidad las circunstancias no han cambiado mucho, casi nada, quizás necesitaríamos otro Woodstock, aunque parece una utopía ya que por más que se tenga la intención de realizar un megaconcierto que sea también la exposición de una postura social y cultural, es imposible que dicho evento no tenga detrás algun interés comercial.
Como dato curioso cabe resaltar que el festival no se llevó a cabo en Woodstock sino en Bethel pero se decidió mantener el nombre ya que Woodstock fue cuna de grandes de Rock como Hendrix y Janis Joplin.
Woodstock es irrepetible, por más intentos que se hagan, un conjunto de elementos lo hacen único, los motivos por los que se realizó, la coyuntura, la calidad de artistas pero sobre todo por ese espíritu de libertad que se percibía en el ambiente, es el símbolo hippie por excelencia, y quizás por eso muchos no lo valoran como se lo merece, solo lo ven como una mar de personas teniendo sexo y consumiendo drogas (que en parte lo fue, no se puede negar) cuando en realidad estabamos frente a la mayor manifestación de una generación que proponía un cambio social, y cultural, e inclusive diría yo emocional, es decir dejar de ver al resto como tu enemigo y más bien quererlo porque los seres humanos en esencia somos iguales. Ya no se ven mensajes como ése, aunque el "espíritu Woodstock" no ha muerto, sigue flotando por ahí y se manifiesta en algunos artistas, muy contados, pero que aún piensan que esos ideales no han muerto ni deben morir. Es más, las circunstancias actuales son tan parecidas y diría yo mucho peores a las de los 60's, pero como dije Woodstock es imposible de repetir, porque nació de manera espóntanea, poco organizada, y por lo general las mejores cosas de la vida son las que no se planean.
Si Carlos Gardel nos decía que 20 años no es nada pues yo diría que 40 años no es nada, porque Woodstock aún vive y se recuerda como el acontecimiento más grande de una generación que quería cambiar el mundo, un mundo que 40 años después sigue teniendo los mismos problemas, conflictos y necesidades.

Comparto 2 de los más grandes momentos del festival, el primero la ya mencionada "entonación" del Himno Nacional de Estados Unidos por parte de Jimi Hendrix y en segundo lugar "Soul Sacrifice" que interpretó magistralmente Santana.

Les Paul: La Música siempre te lo agradecerá

"Uhh! yo extraño esa fascinación, un poster y una Gibson Les Paul que nunca voy a olvidar...", así rezaba una de las estrofas de "La Rueda Mágica" de Fito Páez, dicho extracto del tema era interpretada por Charly García, el mejor track del álbum "El Amor Después del Amor" ya que además de ser una gran canción contaba con la colaboración de Charly y de Andrés Calamaro.

Cuando la escuché por primera vez no entendía bien una parte de dicha frase "... una Gibson Les Paul..." Con el tiempo supe que se trataba de una guitarra.
Yo soy melómano pero no músico por lo que mis conocimientos sobre instrumentos musicales eran y aún son incipientes. Aún así uno va aprendiendo en el camino.
Hace más de 50 años la empresa de instrumentos Gibson contrató a Lester William Polsfuss, un músico muy popular que logró varios número uno en el mundo del jazz, con el fin de que fabricara una guitarra. Lester trascendió no sólo como músico sino como inventor.

Les Paul nació en Wisconsin en 1915, desde muy pequeño demostró su afición por los instrumentos lo que lo condujo a crear la primera guitarra eléctrica de cuerpo sólido porque como él mismo comentó "quería amplificar la pureza de las cuerdas sin la resonancia de la madera mezclándose con el sonido".
En 1945, cuando la Segunda Guerra Mundial estaba llegando a su fin, formó un trío logrando ubicar uno de sus temas en el primer lugar del ranking de ventas de aquellas difíciles épocas. La canción se llamaba "It's Been a Long, Long Time". Este tema es un gran aporte para el mundo de la música porque demostraría hasta donde se podía llegar con la guitarra como instrumento, no había techo.
Pero no sólo logró causar una revolución con la interpretación sino también con el modo de grabar la música, ya que en 1947 para crear otro de sus éxitos, "Lover (When You're Near Me)", mezcló 8 fragmentos diferentes de grabaciones de guitarras eléctricas y los hizo sonar simultánemente. Es decir creó el sistema de grabación multipista, este invento fue desarrollado y comercializado y así Les Pauls puso los cimientos para que los futuros estudios de grabación pudieron realizar sus exigentes tareas.
En 1952 la empresa Gibson, al percatarse de la capacidad inventiva de Les Paul, lo contrató con el fin de que desarrollara una guitarra. Ese instrumento llevaría su nombre y se desarrollaría en diversas series como la Les Paul Goldtop, Black Beauty, Junior, Special, entre otras.
También incursionó en la radio en 1950 donde presentaba a su propio trío y las grabaciones que había realizado y que se centraban generalmente en el jazz.
Les Paul recibío 3 premios Grammy's durante toda su vida, el primero en 1983 que fue un reconocimiento a su carrera y todo lo que aportó al mundo musical y 2 más en el 2006, teniendo ya 90 años, por su placa "Les Paul & Friends: American Made World Played".
Para los entendidos su mejores momentos los tuvo cuando compartía escenario con su esposa Mary Ford, ella en la voz y él por supuesto en la guitarra formando un dúo excepcional, incluso llegando a tener un propio programa de televisión. Ford falleció en 1977.
Les Paul nos acaba de dejar, el 13 de agosto en New York, a causa de una neumonía, tenía 94 años. Fue un hombre que le dio demasiado a la industria de la música, puede decirse que volvió a fundarla, porque no sólo inventó un instrumento sino también creó técnicas revolucionarias de grabación que lograrían que la música como tal ya no tenga límites.
Además de eso fue un extraordinario músico, respetado y admirado, que siguió trabajando y presentándose frente a su público. Su influencia se percibe mucho más en mundo del Rock, no en vano su guitarra la querida "Gibson Les Paul" fue y es utilizada por los guitarristas más importantes de todas los tiempos: Santana, Keith Richards, John Lennon, George Harrison, Paul McCartney, B.B. King, Jimmy Page, James Hetfield y Kirk Hammet (Metallica), Slash, Mike McCready y Stone Gossard (Pearl Jam), Billie Joe Armstrong (Green Day), Joe Perry (Aerosmith), Billy Gibbons (ZZ Top), Edge (U2), Joe Satriani, ¿quieren que siga?
Les Paul fue presentado en el 2006 en el Salón de la Fama del Grammy. Además fue elevado al Salón de la Fama del Rock & Roll y al Salón Nacional de Inventores.
Creo que ahora se entenderá porque Charly cantaba "... una Gibson Les Paul que nunca voy a olvidar..." ¡Cómo olvidar la Gibson, cómo olvidar a Les!
Hasta siempre Les Paul, gracias por la música o mejor dicho la música siempre te estará eternamente agradecida porque le permitiste crecer y llegar a límites inimaginables.

Les Paul y Mary Ford, 1953.


Con 91 años, Les Paul siempre activo.


La canción a la que hacía referencia, "La Rueda Mágica", Fito, Charly y Andrés.

Cat Power, Princesa del Indie

Estoy seguro que muy pocos, poquísimos, conocen a Charlyn "Chan" Marshall (Georgia, USA, 1972), más conocida simplemente como Cat Power, y déjenme decirles que no saben lo que se están perdiendo. Ubicar su música dentro de un género en particular es imposible, pero eso no quiere decir que ella no sea una de las mejores artistas femeninas de los últimos años. Sus influencias musicales no vienen tanto por el lado femenino sino por el masculino siendo Bob Dylan el artista que evocamos al escucharla. Es más, ella se ha destacado por ser una gran interprete de covers, sobre todo del gran Bob.

Su vida personal ha tenido altibajos, el divorcio de sus padres fue quizás el primer golpe que la vida le propinó. Probablemente el peor problema que afrontó fue el del alcoholismo, que según ella misma cuenta experimentó por primera vez "gracias" a su madre que colocaba cerveza en su biberón. Como es lógico eso trajo consigo un estilo de vida siempre asociado al alcohol y a las drogas, yendo de bar en bar en un viaje eterno que parecía no tener retorno. Ya habiendo iniciado su carrera musical seguía con ese estilo de vida, aún así edita sus primeros trabajos "Dear Sir" (1995), "Myra Lee" (1996), "What Would The Community Think" (1996) y "Moon Pix" (1998). A pesar de sus hábitos estos álbums fueron excelentes muestras de que estábamos frente a un talento musical, con un estilo íntimo que pasaba por el folk, el blues y otros géneros variados, rescatando de esos 4 discos canciones como "Rockets", "Itchyhead" y "No Matter" (del primero); "Top Expert "y "Still in Love" (segundo); "Nude As The News" y "Taking People" (tercero); "You May Know Him", "American Flag" y la genial "Cross Bones Style" (cuarto). Eran tiempos en que ella sabía como iban a comenzar los conciertos pero no como los terminaría. Obviamente ella misma reconoce que muchas veces estaba totalmente intoxicada cuando se subía al escenario. Ese alcoholismo la llevó a la depresión y a constantes intentos de suicidio.
A pesar de todo ello se dio maña para seguir produciendo muy buenos trabajos, en el 2000 lanza su primer álbum de versiones "The Covers Record" donde destacan sus particulares interpretaciones de "(I Can't Get No) Satisfaction" de los Stones, "Naked If I Want To" de Jerry A. Miller, "Sweedeedee" de Michael Hurley, "Paths Of Victory" de Bob Dylan, entre otras.
En el 2003 lanza el que para muchos entendidos es su mejor trabajo, se trata de "You Are Free" que cuenta con invitados ilustres, como Dave Grohl (Nirvana, Foo Fighters) que se encarga la batería en varios temas, y Eddie Vedder el líder de Pearl Jam que realiza los coros en "Evolution". Además de ese track otros que se rescatan son: "Good Woman", "Free", "Speak For Me"y "He War".
Ya mucho más serena tranquila y sobre todo desintoxicada, habiendo pasado por rehabilitación y ayuda psiquiátrica edita "The Greatest" en el 2006. Un trabajo donde se respira, entre otros ritmos, jazz del bueno. Destacan en este álbum temas como "Lived in Bars", "Islands" y "Love And Communication".
Sú último álbum es su segundo disco de covers, Jukebox (2008) donde resaltan versiones excelentes de "New York, New York", "Metal Heart" (una canción de su propia autoría pero que reinventó), "Aretha, Sing One For Me" y, como no, una de Dylan, "I Believe in You". En la edición limitada Marshall nos regala una versión de "Angelitos Negros" intentando cantar español con su particular estilo.
Posteriormente en ese mismo año edita un EP "Dark End Of The Street" con las canciones que no pudieron ser consideradas en Jukebox, viene a ser una continuación de aquel álbum, donde destaca sin duda su versión de "Fortunate Son" de C. C. Revival y "I've Been Loving You To Long" de Otis Reding.
Para describir la obra de Cat Power, o intentarlo al menos, podemos decir que estamos frente una cantante íntima, que nos canta al oído, con dolor, melancolía, angustia pero también con sensualidad. No en vano está entre las 20 mujeres más sexies del planeta (exactamente en el puesto 19), además de ser modelo para Chanel, Gap, entre otras reconocidas marcas.
Pero volviendo al aspecto estrictamente musical podemos definirla como una artista multifacética que actualmente está pasando por su mejor momento tanto personal como artístico. No hace mucho pasó por Sudamerica (Santiago, B. Aires), una lástima que no se diera un vuelta por Lima.
En Cat Power encontramos reminiscencias no sólo de Dylan, sino también de Thom Yorke (Radiohead), Tom Waits, Portishead, entre otros grandes intérpretes y siempre acompañada por el piano o la guitarra y como no también por esa melancolía que atrapa, estos son los complementos perfectos para que su música llegue al corazón. Su obra está salpicada de blues, jazz, folk, por eso y para hacerlo más simple prefiero llamarla Princesa del Indie, se lo merece, sino me creen mírenla (o admírenla, como mejor les parezca) ustedes mismos.

Diarios de Kurt Cobain: Radiografía de un Artista

Diario: Cuaderno o libro en que se recogen acontecimientos y pensamientos día a día.

Esta definición extraída del diccionario puede describir en parte la sensación que queda luego de leer los "Diarios de Kurt Cobain", más de 300 páginas no sólo de pensamientos y anotaciones del líder y vocalista de Nirvana sino también de ilustraciones, dibujos del propio artista, así como borradores de canciones y cartas que nunca envió.
Este libro nos muestra a un ser humano que vive intensamente, sufre y que es consciente (para su mala suerte) de todo lo que le rodea.
He recogido algunas de las frases que más llamaron mi atención y que sirven para describir a este ser tan especial, como siente, como piensa, como ama y hasta como odia.
Cobain fue encontrado muerto en abril de 1994, oficialmente la causa fue suicidio, aunque siempre se tejieron dudas con respecto a su deceso, incluso se especuló con el asesinato.
No pretendo explicar su muerte (en el caso que fuera realmente suicidio) simplemente creo que las frases que he seleccionado son de gran utilidad para conocer a uno de los personajes más controvertidos del mundo de la música y cuya muerte aún es lamentada por sus seguidores y por todo aquél que disfrutó su obra. He aquí algunos extractos que podrían darnos más luz sobre la personalidad y pensamiento de Kurt:

- Descripción de su propia obra: "Mis letras son un montón de contradicciones, se dividen en partes iguales entre opiniones y sentimientos sumamente sinceros y refutaciones sarcásticas y humorísticas, espero, hacia los estereotipados ideales bohemios desfasados desde hace años" (Pág. 53)

- Referencia a sus conocimientos y gustos en el Rock: "Dios, que harto estoy de las trivialidades del rock. Ya ves tú, ¿Qué voy hacer cuando sea mayor si ya lo sé todo sobre el rock' n' roll a los 19? Sólo Dios sabe que no hay nada que aprender sobre todos estos timos de bandas nostálgicas horrendas de los ochenta" (Pág. 82)

- Su relación con la heroína: "... al final he decidido hacerme adicto a la heroína y pudrirme poco a poco en las calles de Idaho o de algún estado de mala muerte como ése." (Págs. 85 y 86)

- Negación de llegar a la vejez: "No quiero que una nieta mía me cambie los calzoncillos de plástico sucios mientras yo me dedico a chupar una galleta, aferrándome a la existencia para poder recordar mi vida como un nostágico profesional." (Pág. 86)

- Posición política: "Me gusta analizar mis opiniones con calma y sensatez, adoptando una actitud conformista, aunque me considere de extrema izquierda, me gusta infiltrarme en los mecanismos de un sistema haciéndome pasar por uno de ellos para luego empezar a corromper lentamente el imperio desde adentro." (Pág. 101)

- El reconocimiento a los que realmente inventaron el rock y "como" se les pagó: "Me gusta el consuelo de saber que los afroamericanos inventaron el rock and roll y aún así sólo se han visto recompensados o premiados por sus logros cuando se han avenido a los principios del hombre blanco." (Pág. 103)

- Sobre la inminente fama: "Quiero ser el primero en descubrir y desechar la popularidad antes de que llegue." (Pág. 105)

- Referencia al difícil inicio de la adolescencia: "Rondaba los 13 años y estaba atravesando la típica fase del síndrome prepubescente, esa en la que odias a tus padres y deseas seguir jugando con muñecas pero, en cambio, te sientes inusitádamente extraño cuando te ves rodeado de chicas." (Pág. 109)

- Su intento de crear una burbuja donde poder vivir sin tener demasiado contacto con el exterior: "Me mantengo deliberádamente ingenuo y apartado de la información terrenal porque es el único modo de evitar una actitud de hastío." (Pág. 121)

- Sensación de sentirse diferente y quizás superior al resto: "Es probable que nunca haya conocido a nadie que a mi juicio sea compatible con mi voluntad intelectual, espiritual y humorística." (Pág. 131)

- Opinión del manejo y difusión de música: "Las cadenas de tiendas de disco y la radio juegan sobre seguro, van por el público, por lo que vende. Estamos totalmente a su merced. Antes era al contrario. Programadores y Dj: ¡Métanse al negocio inmobiliario! (Pág. 139)

- El beneplácito de los cambios producidos desde el inicio de los 90's: "La llegada de los años noventa ha supuesto al menos una forma de cambio social. El lograr finalmente la aceptación de varios estilos de música (y/o estilos de vestir) entre los jóvenes. Esta es la primera generación que ha propiciado la continuidad musical entre ellos y sus padres." (Pág. 165)

- Su desaprobación a poner en el mismo saco su música con la de otras bandas, en especial de cierto grupo "rival": "Me encantaría que fuera eliminada de raíz nuestra asociación con Pearl Jam, Nymphs y otros delincuentes novatos." (Pág. 195)

- Fama, arrepentimiento: "¡Dios santo, no soporto el éxito!... ¡y me siento tan increíblemente culpable! Por haber abandonado a mis verdaderos colegas, a los que son fieles de verdad, a los que ya nos seguían hace unos años." (Pág. 203)

- Su enfermedad: "Hace 3 años sufro una afección estomacal no concluyente y bastante molesta... mi caso ha dejado perplejos a muchos médicos." (Pág. 205)

- El uso de la heroína por algún tiempo para calmar el dolor físico relacionado con la enfermedad: "... decidí aliviar mi dolor con pequeñas dosis de heroína durante 3 semanas de órdago. La cosa sirvió de paliativo un tiempo, pero luego volvió el dolor, así que lo dejé. Fue una estupidez y no volveré a hacerlo nunca más..." (Pág. 207)

- El amor por su hija, manifestado en este extracto de una carta (que nunca envió) a su padre Donald Cobain: "Haré lo indecible por recordarle que la quiero más que a mí mismo. No porque sea mi deber como padre sino porque así lo deseo por el amor que siento por ella." (Pág. 241)

- No cabe duda, amaba a Courtney Love, su controvertida esposa: "... Cuando digo que te quiero no me avergüenzo, ni habrá nunca nadie que llegue a intimidarme ni a convencerme para que piense lo contrario. Te llevo como un tatuaje. Despliego mi amor por ti como un pavo real extiende su plumaje, si bien con demasiada frecuencia te dedico menos atención de lo que dura un tiro en la sien." (Pág. 271)

- Su irónica opinión sobre "Hollywood": "Sí señor, eso es el espectáculo: ver como Sylvester Stallone se abre a tientas en una entrevista con un acento a lo Pedro Picapiedra mientras vomita frases que están a la altura de, digamos, un tío superinteligente, de los que se expresan con un montón de "así como" y "concerniente a", etc, ¡chorradas! (tonterías)..." (Págs. 314 y 315)

Como se aprecia Kurt nunca estuvo conforme con el mundo en que vivía. Sentía que se había "vendido" a la parafernalia de la fama y abandonado sus orígenes, que había olvidado su espíritu"antisistema". En ese punto en particular y como se desprende de otros fragmentos del libro, Cobain se diferencia de Lennon al que admiraba como artista pero marca diferencias con él en su modo de luchar contra el "imperio", ya que Kurt no creía en el "amor y paz" para combatir la opresión del poder que él sentía.
Estaba inconforme incluso por la manera en que había encaminado su trabajo, su música, por ejemplo hace referencias a su insatisfacción por el resultado final del MTV Unplugged, que para muchos es el mejor de la historia.
También descubrimos algo que mucha gente desconoce o que no le han dado la importancia debida, me refiero a su crónico mal estomacal que en un momento combatió con heroína. Me pregunto yo, ¿Todo ese dolor tanto físico como emocional no lo habrán llevado a tomar la decisión de quitarse la vida? Nunca lo sabremos, eso Kurt se lo llevó a la tumba. Pero lo que también se percibe en estos escritos es a un hombre sensible que demuestra su amor infinito tanto por su hija como por su esposa Courtney Love.
Cada uno puede sacar sus propias conjeturas, quise compartir algunos fragmentos de este libro porque creo nos dan una luz para comprender un poco más a este hombre, que como el mismo señala era contradictorio ya que estaba muy perturbado pero a la vez era un iluminado al momento de construir su música. Más allá de cualquier opinión siempre nos quedará su obra.

Una Segunda Oportunidad

La década pasada trajo consigo una gran cantidad de música, el rock alternativo acaparó la atención de millones de jóvenes que se sentían muy atraídos por esta nueva tendencia. Fue un tiempo donde muchas bandas tuvieron su momento, y fueron tantas agrupaciones que varias de sus canciones no tuvieron acogida, gozaron de un éxito efímero o simplemente, a pesar de su calidad, se veían sobrepasadas por la música de grupos más conocidos y consolidados. Quizás en el mercado norteamericano sí pudieron afianzarse en los rankings, pero por estos lares se perdieron entre tantas y tantas canciones. Sucedió también que algunas bandas eran reconocidas pero no precisamente por sus mejores composiciones sino por las elegidas por los programadores de radio o las disqueras. Como se aprecia son muchos los motivos por los que una canción no llega a tener la repercusión que podría merecer.

Hoy quiero recordar algunos de los temas que podrían estar dentro de la clasificación antes descrita, es probable que hayan escuchado al menos uno de ellos, ya sea por la radio o por haber visto su video. Posiblemente más de una de estas canciones no sean tan desconocidas para ustedes, menos áun las bandas que las interpretan, de ser así puede ser momento de recordarlas, y en el caso de que las desconozcan podrán entonces escucharlas por primera vez. He seleccionado 10 temas, en realidad pude haber elaborado una lista mucho más extensa, pero esto es sólo una muestra de canciones que a mi gusto son de buena calidad y no tuvieron la suerte de otras, creo que se merecen una segunda oportunidad para ser escuchadas, he mezclado diversos estilos de rock para no centrarme en uno solo. Éstas son sin ningún orden en particular:

1) Blues Traveler, "The Mountains Win Again": He querido comenzar por una de las bandas más conocidas dentro de las que he seleccionado. Es un grupo que a pesar de que comenzó su carrera a fines de los 80's logró impactar en el ambiente musical con su álbum "Four" de 1994, a la postre su mejor trabajo a la fecha. De aquél álbum tuvieron éxito 2 temas en particular, "Hook" y "Run Around". Pero a mí me llamó más la atención el track que he escogido, donde el líder John Popper toca su armónica a la medida exacta sin hacer demostraciones exageradas de virtuosismo. Podemos decir que estamos frente a una balada rock que no llega a ser melancólica, el video, que sólo vi una vez en mi vida por el cable, es ideal para graficar el concepto de la canción.

http://video.yahoo.com/watch/2029381/v2161154

2) The Breeders, "Cannonball": Esta agrupación tuvo su "one hit wonder" con este tema, la banda tiene como rostros más visibles a las hermanas Kim y Tanya Donelly, de ellas la más "famosa" es Kim ya que forma parte también de "Pixies" una de las bandas más importantes y base sobre la que se construyó el rock alternativo. Este tema pertenece al álbum "Last Splash" de 1993, siempre me agradó por su original mezcla de sonido. El video sin ser espectacular sirve para comprender la onda de la banda.

http://www.youtube.com/watch?v=7AsId-qVIb4

3) Frank Black, "Headache": Ya que mencioné a Pixies, su líder Black Francis, en su segundo trabajo como solista, nos regaló este excelente tema, corto, ligero, conciso, en otras palabras una canción fácil de escuchar. Pertenece al álbum "Teenager of the Year" de 1994. El video también es sencillo. La canción no fue un hit espectacular pero recibió muy buenas críticas.

http://www.youtube.com/watch?v=TpGD1ZATcuA

4) Screaming Trees, "Sworn and Broken": Los "olvidados" de Seattle, que no tuvieron la repercusión de otras bandas de la región como Nirvana, Alice in Chains, Pearl Jam o Soundgarden. El tema que a continuación comparto figura en su álbum "Dust" de 1996, su último trabajo. Este grupo es un claro ejemplo de que la calidad no siempre significa el éxito. Una lástima.

http://www.youtube.com/watch?v=J29kSOJ7Xgo

5) Hum, "Stars": Este es el tema más conocido de esta desaparecida agrupación, pertenece a su producción de 1993 "Electra 2000". Una típica canción de rock alternativo, con diversos matices, muchos variaciones en la intensidad de la canción, se advierten marcadas influencias de bandas como Filter o Smashing Pumpkins, el video es prueba de ello también.

http://www.youtube.com/watch?v=Rfbn3ieVUYU

6) Meat Puppets, "Backwater": Si esta banda es conocida no es exclusivamente por este track, más bien el motivo principal fue el participar como invitados en el que para muchos es el mejor Unplugged de la historia de MTV. Kurt Cobain decidió que este grupo acompañara a Nirvana en dicha presentación, tremendo espaldarazo. Esta canción está incluida en su álbum "Too High to Die", una muy buena canción que paradójicamente encontró su mejor momento cuando el mundo de la música lloraba la partida de Cobain.

http://www.youtube.com/watch?v=9-HFbNhTTKQ

7) The Nixons, "Sister": Esta banda tuvo su gran momento con esta canción proveniente del álbum "Foma" de 1995. Su estilo grunge quería darnos a entender que el género no quería morir, no repitieron un éxito como éste jamás, no se tiene noticia del grupo desde el 2000.

http://www.youtube.com/watch?v=_wxcWLgOfNA

8) Veruca Salt, "Seether": El poder femenino en el rock tiene una buena muestra en esta banda, sobretodo con su álbum debut "American Things" de 1994. Esta banda tenía como cabezas visibles a Louise Post y Nina Gordon. Mucha potencia tanto en las voces como en el aspecto instrumental. De la formación original solo queda Gordon. Es probable que de las canciones de esta lista sea la que más sonó en el circuito alternativo.

http://www.dailymotion.com/video/x3whz_veruca-salt-seether_music

9) Cake, "Sheep go to Heaven": Otra banda relativamente conocida que consiguió llamar la atención con un cover de la famosa canción interpretada por Gloria Gaynor, me refiero a "I Will Survive". El tema que les presento pertenece a su tercera placa "Prolonging The Magic" de 1998. El video de la canción es bastante simpático y entretenido ya que utilizó un tipo de animación similar al de la serie "South Park".

http://www.youtube.com/watch?v=e0mx5ERj1eI

10) Spin Doctors, "She Used Be Mine": Y para cerrar con este pequeño listado los dejo con la que sin duda alguna es la banda más recordada de las que he enumerado, al menos así es para los de mi generación. El mayor éxito comercial de este grupo fue "Two Princes" canción que hasta ahora suena en las radios y que muchas veces ha sido utilizada incluso en el mundo de la publicidad. El tema que he seleccionado me gusta más que aquélla canción, una tonada alegre, muy rítmica y relajada como es el estilo de la banda. Pertenece a su quinta producción de 1996 llamada "You've Got To Believe In Something". Muy recomendable para sacarse tensiones de encima.

http://www.garagetv.be/video-galerij/popmuziek/spin_doctors_she_used_to_be_mine.aspx

La Radio Rock en Lima

Recuerdo que estaba aún en el colegio, tendría 15 o 16 años, que para mí es la edad precisa en la que musicalmente hablando uno define sus gustos, a esa edad yo andaba en la búsqueda (inconsciente) del estilo o el tipo de música que quería escuchar y sobretodo dónde escucharla. Era una tarde posterior a un día de clases, después de almorzar comencé a hojear la revista "TV+" del diario "El Comercio", no recuerdo bien de que trataba la nota, pero si algo quedó en mi memoria fue un comentario o una alusión sobre ser de "élite", ser distinto, especial, superior, como sea, en un fragmento de aquella nota se hacía referencia a una radio de élite, que sólo escuchaban y disfrutaban algunos cuantos. Esa radio era Doble 9, y me dije si existe una radio de élite, una emisora distinta, pues habrá que escucharla.

Así fue que me senté junto a la radio y busqué en el dial la frecuencia 99.1, supe que la había encontrado cuando escuché la voz de Manuel Sanguinetti (dueño y fundador de la radio) que decía: "Tú estás en Doble Nueve, la radio Rock en Lima". Para comenzar la música era completamente distinta a lo que sonaba en el resto de emisoras, me gustó y me quedé escuchándola. La adaptación demoró un poco ya que en los siguientes días seguí sintonizándola pero sin dejar de lado a las otras radios que escuchaba. Pero con el tiempo Doble Nueve se ganó la exclusividad de mis preferencias.
Yo le debo mucho a D9, me enseñó a escuchar música distinta, y coincidió con el inicio de los 90's, el rock daba un giro sustancial con relación a la década anterior. Muchas bandas nuevas surgían y otras se consolidaban, se marcaba una nueva tendencia que paradójicamente me hacía recordar a los 70's tanto en el sonido como por la actitud en el aspecto musical. Ya son muchos años de escucharla, gracias a ella miles de canciones llegaron a mis oídos y quedaron grabadas en mi memoria, y no sólo me refiero a canciones "del momento" sino también que conocí lo mejor del rock clásico, descubrí que en el mundo del rock había algo más, mucho más que The Beatles o los Stones, conocí entre otros a Lynyrd Skynyrd, Led Zeppelin, Neil Young, una infinidad de intérpretes y bandas que aún ahora son parte de lo que habitualmente escucho. D9 fue la escuela que me inculcó mis primeros conocimientos sobre el rock.
Si algo rescato de la radio es que a diferencia de las otras los "Dj's" son sobrios, no interrumpen las canciones, nunca escucharán llamadas del público esperando que les regalen una "canasta navideña" o "un polo con el logo de la radio". Simplemente programan la canción, señalan de quien se trata, sumado a que hay pocos anuncios publicitarios, quizás los suficientes para que la radio subsista. Volviendo a los Dj's, además del ya mencionado Manuel Sanguinetti (también recordado por generaciones pasadas por ser el líder y vocalista de Traffic Sound), también hubo muchas voces que me marcaron y me acompañaban, sobretodo si estudiaba, descansaba o simplemente quería escuchar música, recuerdo a Christian Bravo (actual conductor de TV , chef y dueño de un prestigioso restaurant) se puede decir que su trabajo en la radio le dio el impulso para saltar a las ligas mayores. Otro nombre que se me viene a la mente es Belly que trabajó en la radio desde muy pequeña, y fue voz principal durante mucho tiempo. Oscar Guerra que aún se mantiene y que entre otros programas tiene el "Resurrection Sunday" con música de los 80's, New Wave como para levantar a los que se la "pegaron" el sábado. Las mañanas hasta hace algunos años eran muy entretenidas, sobretodo con el programa de Edu Saettone, donde se salía un poco del esquema del Dj habitual de la radio, cantaba, tocaba la guitarra, tenía una sección dedicada a su novia, era muy ocurrente, tanto así que después pasó a la TV con cierta acogida cuando trabajó en el cable con el programa Jammin'. También recuerdo al Mago Plomo que ofrecía los almuerzos psicodélicos "Psycho Lunch" donde programaba rock de los 60's y 70's, después se mudó a otra emisora. Christian León, otro "viejo zorro", siempre con programas que se inclinan más a la música ochentera y rock en español, él ya es un clásico de la radio. Otro que ya es parte de la historia como de la actualidad de la radio, es Dj Relax que nos muestra "el otro rock" con un programa como P.O.R.N.O.C. (POco de Rock NO Comercial) y también con el "Laboratorio de Relax" en el que pude descubrir lo mejor y también desconocido de bandas como Radiohead por dar un ejemplo. Además, tenemos a los hermanos Johnny 99 y Chapu (que hacía unos divertidos comerciales en la radio sobre una marca de zapatos). Y hablando de divertido tenemos a Pete The Beat, con su programa de reggae y que es conducido totalmente en inglés, jamás habla en español. De los últimos Dj's ahora escucho más a Renzo que conduce entre otros programas los "Psycho Sets" y el veterano Mr. Fantasy con sus programas de rock del recuerdo. Otro que no quería olvidar es a Guillermo Llerena Godoy y su "Nostalgia" un clásico de los domingos por la mañana. Mención aparte merece el "Mono" Pardo Figueroa que era una excelente compañía, ponía la mejor música que uno podía imaginar. Lamentablemente falleció en el 2002 siendo aún muy joven. Como olvidar el clásico "Menú de Madrugada" donde se programaba música continuada de 1 a 7 de la mañana y donde podíamos disfrutar de discos completos, generalmente estrenos, así los oyentes sabíamos si comprábamos el álbum o no. El menú continúa emitiéndose hasta hoy a la misma hora aunque ahora sólo emite rock variado y me sigue acompañando para conciliar el sueño, hace 17 años que duermo así. Me gustaría mencionar a todos lo Dj's que recuerdo pero sería muy extenso y además la memoria me falla pero todos han sido importantes no sólo para la emisora en sí sino también para mí como oyente.
Doble Nueve no es sólo la radio rock, ya que también ofrece música electrónica, reggae, new wave, rap, ska, y gracias a ella el Perú conoció a Chichi Peralta (!?) merengue puro, un riesgo inmenso que tuvo una pegada extraordinaria y que cautivó al público de la radio y que se extendió a todos lados, después de ver el impacto del fenómeno Chichi el resto de radios se "subieron al coche" y se adjudicaban el haber traído esta música al Perú.
Una emisora sin muchas pretensiones, que sólo se escucha en Lima, aunque la pueden escuchar por internet www.radiodoblenueve.com (tienen que registrarse para escucharla online), quizás sea otorgarle publicidad gratuita pero lo hago con gusto, se la merece. Y digo que tiene pocas pretensiones porque al ser una emisora de "élite" no tiene como objetivo llegar a todos los oídos, sino sólo a los que la sepan disfrutar, y cuando hablo de "élite" no me refiero a algún tipo de distingo social o cultural (D9 es escuchada por los más variados sectores socio-económicos) sino simplemente a la élite de los quieren escuchar buena música, buen rock, admito que me agradaba más el estilo de la radio en años anteriores (sobretodo en la década pasada) pero siempre difunden muy buena música, por dar un ejemplo reciente fue la primera emisora que puso en nuestro oídos a The Killers y ahora esta banda está a punto de tocar en Lima. Es una radio que sabe a quién se dirige y es consciente que jamás será la más escuchada y es más no desea serlo porque como proclamaba uno de sus slogans pronunciado por el inconfundible maestro Sanguinetti: "Nunca seremos la número uno, ¡NUNCA!, Radio Doble Nueve, la Radio Rock en Lima"